BETTY'S APARTMENT

At the Movies - TRICK 'R TREAT (2007)

2011-10-28T22:01:00.006+02:00

Vier Geschichten, die sich im Laufe einer Halloweennacht alle irgendwann einmal kreuzen und die einmal mehr, einmal weniger miteinander verknüpft sind.
Regisseur und Autor Michael Dougherty (der unter anderem Bryan Singers X-MEN 2 und SUPERMAN RETURNS mitgeschrieben hat) hat in TRICK 'R TREAT so gut wie alles, was es an Stereotypen und Klischees an Halloween so gibt zu einem vergnüglichen und kurzweiligen Süßigkeitensackerl vermengt.

Kürbisse, geheimnisvolle, maskierte Gestalten auf der anderen Straßenseite, Zombies, Werwölfe, Vampire, ein Grab im Garten, eine Halloweenlegende, Teenies die sich Streiche spielen, ein unheimliches Haus, ein unfreundlicher Nachbar, der den Kinderchens keine Zuckerl geben will, eine schreckliche Kreatur und natürlich den einen oder anderen der Halloween für Blödsinn hält - was demjenigen teuer zu stehen kommt. Denn so nebenbei wird uns auch kurz und knapp die Geschichte und Bedeutung des Halloweenfestes erläutert und deutlich gemacht, dass dies ein Fest ist, dass ernst genommen werden will.
Doch TRICK 'R TREAT spult diese klassischen Elemente nicht einfach ab - und darin liegt auch der große Spaß an diesem Film - sondern verbindet sie clever, lässt Platz für schwarzen Humor und hängt ihnen am Ende immer einen kleinen Twist an, den man nicht kommen sah. Dabei nimmt sich die Geschichte weder bierernst noch ist sie albern.

Ein kleiner, im Geiste charmant-altmodischer Film mit schön warmer und gruseliger Stimmung, der schrecken und unterhalten möchte und nicht grauslich sein oder weh tun will. Und der mit Anna Paquin, Brain Cox, Dylan Baker und Leslie Bibb auch einige große Namen und bekannte Gesichter versammelt (Ich persönlich habe mich allerdings am meisten gefreut, dass mit Britt McKillip und Christine Willes gleich zwei Darsteller aus der von mir sehr geschätzen Serie DEAD LIKE ME auftauchen).
Von der Produktionsfirma wurden ihm nur ein paar Kinoaufführungen zugestanden, dann ließ man ihn jahrelang im Regal, um ihn dann im Herbst 2009 klammheimlich auf DVD zu veröffentlichen. Ein Kinostart war - nachdem was ich im Netz so an Info finde - von einer SAW Fortsetzung überschattet. Schade eigentlich.

Wer also noch einen Film für den Halloweenabend sucht – dieser hier sei empfohlen!

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"Another visitor... stay a while... stay forever!"

Heldenpantheon - MARK KNOPFLER

2011-06-08T22:57:00.001+02:00

Die Lieder.
Die Geschichten.
Die Stimme.
Und vorallem der Klang seiner Gitarre.

That's the way you do it.

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"Another visitor... stay a while... stay forever!"

BOB DYLAN - John Wesley Harding

2011-05-19T10:38:00.004+02:00

"John Wesley Harding" ist nicht Dylans interessantestes oder spannendstes Album. Schlagzeug, Bass, akustische Gitarre und Dylans Stimme (weniger quäkend als früher) bestimmen über die gesamte Albumlänge das Arrangement. Elektrische Klänge oder schräge Harmonien sucht man vergebens. Immer wieder bläst Dylan die Harmonika, auch weniger schneidend und aggressiv als früher. Der Fokus liegt hier auf den kurzen (mehr als die Hälfte der Lieder dauert unter drei Minuten) Folk-Country-Western Songs, wobei die Country und Western Schlagseite viel stärker ist als jemals bei Dylan zuvor. Er sollte diesen Weg später noch stärker verfolgen. "John Wesley Harding" ist auch nicht Dylans beste Platte, obwohl mit "All along the watchtower" und "I'll be your baby tonight" zwei seiner berühmtesten und meist gecoverten Lieder drauf sind. Zwei Lieder, die anderen Interpreten halbe Karrieren gesichert haben.

Der Wert der Platte liegt für mich in etwas sehr Persönlichem. "John Wesley Harding" beruhigt mich. Ganz konkret, wenn viel los und zu tun ist. Es liegt eine sehr gefangennehmende Entspanntheit, Ruhe und Gelassenheit über diesen Liedern (Dylan hat das Album nach einem schweren Motorradunfall aufgenommen. Es dürfte auch für ihn ein willkommener Rückzug vom Wirbel um seine Person gewesen sein).
Aber das Album beruhigt auch meine Gedanken rund um meine eigene Musik. "John Wesley Harding" erschien 1967. Rund um Dylan spielte die Welt psychedelischen Summer-of-Love Hippierock. Die Beatles machten "Sgt. Pepper", die Stones "Their statanic majesties request", die Beach Boys "Pet Sounds" und Jimi Hendrix "Are you experienced". Allesamt komplexe, große Popwerke. Und was macht Dylan, der nur bis wenige Monate zuvor die Folk- und Rockmusik gehörig umgekrempelt hatte? Er steckt aus und setzt sich in den Wald. Singt Liebeslieder und verpackt kryptische Bibelbilder in seine Songs. Er macht was er will, er spielt was ihm gefällt. Egal, was gerade angesagt ist, von ihm erwartet wird oder unter Umständen ein kluger Schachzug wäre. Wie man kurze Zeit später an den Byrds, Buffalo Springfield oder Crosby, Stills & Nash sehen konnte – sie sind ihm in den Wald gefolgt.

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"Another visitor... stay a while... stay forever!"

FOO FIGHTERS - Wasting Light

2011-04-17T09:18:00.001+02:00

Nach der Vielseitigkeit des letztens Album "Echoes, Silence, Patience & Grace" steht es den Foo Fighters offensichtlich jetzt wieder mehr nach Rock. Die Überschriften allein haben schon mein Interesse geweckt: Live aufgenommen. In der Garage. Auf Band. Produziert von Butch Vig. Gäste Bob Mould und Krist Novselic.
Mal abgesehen von "White Limo" klingt die Platte allerdings kaum nach Garage, was aber nicht stört. Ob es jetzt an der Bandmaschine oder am Produzenten liegt - der scharfkantige, schneidende Sound früherer Tage ist hier einem warmen, vollen, wuchtigen Klang gewichen. Auch das oft sehr bemüht klingende Druckvolle ist einem echten Kraftvollen gewichen.
Dreh- und Angelpunkt sind aber einfach die Songs. Komplex, einfallsreich und extrem melodisch. Viele bauen sich rund um einen kleinen Pophook auf. Kompakt und schmissig gespielt ist das Ganze auch. "Wasting Light" entlarvt wie formelhaft ihre Songs früher komponiert waren und wie bequem es sich die Foo Fighters in der Vergangenheit in der comfort zone gemacht hatten.

Sollte da nicht eine andere Band eine große Überraschung liefern, haben sie damit mein Album für den Sommer geschrieben.

Zur Besprechung von "Echoes, Silence, Patience & Grace" gehts auch hier nochmal

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"Another visitor... stay a while... stay forever!"

FOO FIGHTERS - Echoes, Silence, Patience & Grace

2011-04-06T09:23:00.003+02:00

Ich habe die Foo Fighters nach ihrem dritten Album "There's nothing left to lose" zu hören aufgehört. Zu formelhaft war mir das Ganze geworden. Immer die gleichen Harmoniebögen im Songwriting, immer das gleiche Arrangement, immer der gleiche dynamische Aufbau und vorallem immer alles auf Anschlag und Druck. Egal welcher Song, egal wie geschrieben, egal ob des dazu passt oder nicht - Dave Grohl hat immer möglichst laut gebrüllt (seine Fans nennen das Inbrunst), die Gitarren waren immer eine möglichst laute, fette Wand und das Schlagzeug klang immer möglichst kantig und schneidend und war möglichst im Vordergrund um Härte zu suggerieren. Ich glaube ich habe selten eine so aufdringliche Snaredrum gehört wie auf "There's nothing left to lose". Und so ging es dann halt weiter, zumindest konnte ich das auf ihren unausweichlichen Hits über all die Jahre hören. Es soll ja nicht behauptet werden,die Foo Fighters wären nicht auf jeder Platte für zwei bis vier starke Songs und satte Hits gut gewesen. Es soll auch nicht behauptet werden, es hätte ihnen keinen Spass gemacht. Geglaubt habe ich ihnen ihre Musik immer. Das Kraftmeierische war mir halt nicht immer sympathisch. In der Menge wirkte es außerdem doch sehr angestrengt und bemüht. Es hatte was von Leitungssport.

Ein wenig enttäuschend war das auch deshalb, weil man nach den ersten beiden Foo Fighters Alben die Hoffnung hatte, aus den Trümmern von Nirvana könnte doch noch etwas Gutes, Packendes und Spannendes entstehen. Man hatte das ja Dave Grohl auch nicht zugetraut.

"Foo Fighters" war für mich noch eher ein grungeinfiziertes Warmlaufen mit vier ganz starken Songs zu Beginn. Dann bricht das Album halt ein. Aber es hatte auch schon genug Eigenes. "The Color & The Shape" dagegen ist für mich immer ihr bestes Album. Vielseitig in Arrangement und Songwriting. Krachende Rocker stehen da neben geschmeidigen Balladen. Grohl plärrt nicht nur sondern singt auch einfühlsam. Sein Songwriting ist komplex und nicht so offensichtlich wie in späteren Jahren. Und vorallem ist das Ganze stimmig und mit Sinn und Verstand aufgenommen. Kein breite Rockwalze, sondern den Songs angepasst.

Da diese Woche das neue Foo Fighters Album erscheint und seine Schlagwortüberschriften mich mehr als neugierig gemacht haben, habe ich mich mit ihren alten Platten eingedeckt und mich durch ihren Backkatalog gehört. Meine Meinung hat sich nicht revidiert, allerdings habe ich ein Album entdeckt, das nie auf meinem Radar aufgetaucht ist und das mich seit einer Woche stark begeistert.

"Echoes, Silence, Patience & Grace" wurde 2007 veröffentlicht und ist das Beste seit "The Color & The Shape". Es ist wieder vielseitig, nicht so offensichtlich und dafür emotional stimmig. Die ganze Band findet plötzlich Nuancen in ihrem Spiel – der Sänger Grohl ebenso wie der Schlagzeuger – die man vorher nicht von ihnen erwartet hätte. Der Songwriter streckt sich zum ersten Mal seit vielen Jahren wieder ein wenig. Weniger offensichtliche Hithooks, sondern durchkomponierte Songs. Auch immer wieder mal auf Akustikgitarre. Das haben sie zwar schon auf "In you honor" angefangen und auf "Skin & Bones" weitergeführt und nennen es jetzt "unsere akustische Phase", aber dort waren es die gleichen Foo Fighters Formatnummern nur eben mit der Akustischen gespielt. Hier aber macht es wieder mehr Sinn. Die Songs sind so gespielt, weil sie sich so am besten entfalten. Deshalb hört man hier auch Unterschiede. Während "Stranger things have happened" eine klassische Akustikballade ist und sich nur auf den Sänger und seine Gitarre verlässt, bezieht "But honestly" seinen Reiz daraus, dass Grohl zwar Lagerfeuerklampfe spielt, aber singt als wäre es ein Rockbrecher. Dann die zwei Pianoballaden "Statues" und "Home", die auch Paul McCartney und Tom Petty gut gestanden hätten. Selbst den klassischen Foo Fighters Rockern verpassen sie interessante Arrangements und ihrer typischen Laut-Leise Dynamik wieder Sinn. Sie bremsen ihre sonst so treibenden "Wir hüpfen alle mit" Rhythmen ein und erzeugen dabei "Let it die" und "Erase/Replace" - zwei nicht minder schwere Rocker. Denen, die der Band das "Abrutschen" in den classic rock vorgehalten haben, zeigt Grohl mit "Summer's End" (eines der besten Stücke im ganzen Foo Fighters Katalog, wie ich finde) was classic rock tatsächlich ist. Und mit "Long road to ruin" hat Grohl endlich seit "Big me" einen seiner Popsongs auch wieder als Popsong aufgenommen und nicht wie sonst versucht aus allem und jedem eine Rockröhre zu pressen. Zwischendrin findet sich ein akustisches Instrumentalstück "The Ballad of the Beaconfield Miners". Hier wird am deutlichsten worum es ihnen geht. Ausprobieren, weg vom Format, sich selbst strecken, nach drei gleichen Platten hintereinander jetzt ein Album machen, das sie noch nicht gemacht haben und vorallem - ein Album, keine Sammlng von Singles, sollte es werden.

Beim Nachlesen habe ich festgestellt, dass "Echoes, Silence, Patience & Grace" eher ungeliebt ist, sowohl unter Fans als auch unter Kritikern. Zu sehr Konsens sagen die Einen, zu sehr Anbiederung an den Kommerz die Anderen (angesichts der Tatsache, dass diese Band schon Jahre zuvor Stadien ausverkauft hat, irgendwie ein Witz). Den Dritten fehlt die Härte, den Vierten die Hits (wobei da eh wieder mindestens zwei drauf sind).
Wie auch immer – ein starkes Rockalbum. Und vorallem hat es mich für jetzt mit den Foo Fighters ausgesöhnt.
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"Another visitor... stay a while... stay forever!"

Betty's Apartment - "Die Ballade vom Zündler" (Live im Rabenhof, Wien, 12.2.2011)

2011-02-20T10:31:00.000+01:00

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"Another visitor... stay a while... stay forever!"

At the movies - THE BEACH

2011-02-18T10:39:00.004+01:00

Das Bedürfnis mir The Beach wieder anzusehen, wurde in einem Gespräch mit Herrn Kollegen Genzel geboren, in dem wir beide feststellten, dass uns Danny Boyles aktueller Film 127 Hours reizen würde. Doch Herr Genzel hatte Bedenken, eben weil es ein Film von Danny Boyle ist und auf Boyle kein Verlass sein kann, wenn es darum geht, eine Geschichte flüssig zu Ende zu bringen. Also gehen wir Boyles Filme durch, stellen fest, dass uns ausgerechnet sein angebliches Meisterwerk Slumdog Millionaire nie interessiert hat und dass wir uns nicht bei allen Filmen auf seine Theorie einigen können.

Also The Beach. Ein viel gescholtener Film, den ich damals im Kino mochte und nicht verstehen konnte, warum so auf ihn eingeprügelt wurde. Für seine beiden Hauptakteure, Danny Boyle und Leonardo DiCaprio war es quasi "Der Film Danach". Boyle hatte sich zuvor mit Trainspotting einen Namen gemacht (der Nachfolger A Life less ordinary ist wenig hängen geblieben) und musste nun Kritik dafür einstecken, nach einem so klugen, schrägen und unabhängigen Film eine so glatte Hollywoodproduktion abzuliefern. Und DiCaprio - nun er war halt in diesem Film mit dem Schiff. (Die beiden Filme, die zwischen Titanic und The Beach kamen - der kleine und sehr gute Marvin's Room und der größere, furchtbare Der Mann mit der eisernen Maske bekamen eher wenig Aufmerksamkeit. Bei ersterem leider, bei zweiterem Gott sei Dank). Obwohl er zuvor noch als großartiger (und ocscarnominierter) Schauspieler gegolten hatte, der ob seines jungen Alters und unendlichen Talents nichts anderes als eine goldenen Zukunft vor sich haben konnte, hatte er sich zu diesem Zeitpunkt schon so viel Neid zugezogen, dass er es auf Jahre einfach nicht mehr richtig machen konnte. Doch ist The Beach auch ohne diese, vom Film unabhängigen Punkte nicht frei von Problemen.

Die erste Stunde ist stark. Visuell wie auch erzählerisch. Boyle verzichtet völlig auf Spielereien, sondern erzählt eine geradlinige Geschichte und trifft dabei alle seine Punkte. Das Bedürfnis des Aussteigens, des Gefangen- und Überladensseins in der westlichen Konsumgesellschaft, der Ekel vor den normalen Massentouristen und die Suche nach etwas Echtem, nach dem Paradies.

Richard (DiCaprio) lernt die beiden Franzosen Francoise (Virgine Ledoyen) und Etienne (Guillaume Canet) kennen, sowie den durchgeknallten Daffy (Richard Carlyle), der ihm von diesem geheimen Strand erzählt, dem Paradies auf Erden. Er schenkt Richard eine Karte, die ihn dorthin führen soll, worauf Richard seine neuen französischen Freunde einpackt und sie sich auf den Weg machen. Auch hier passt alles - der mühsame Weg, die Hitze, der Dreck, die Fliegen, das stachelige Unterholz. All das stehen die drei durch, weil sie am Ende des Weges den Himmel erwarten und schlussendlich auch finden. Eine selbstorganisierte Aussteigerkommune am schönsten, reinsten Strand des Planeten, geheim gehalten von der Welt und geführt von der königlich auftretenden Sal (Tilda Swinton). Doch das Glück währt nicht lange und es bricht schön langsam der Wahnsinn ein.

Boyle ist hoch anzurechnen, dass er bis hierhin den Zuschauer so am Enthusiasmus packt und mit seinen drei Aussteigern mitreisen lässt, dass man erst ab em dritten Akt, wenn schon alles in der Dunkelheit versinkt, merkt, dass es von Anfang nicht so paradisisch war. Immerhin schlitzt sich Daffy - der an sich schon nicht ganz richtig im Kopf war - die Pulsadern auf, nachdem er Richard die Karte übergeben hat. Richard lädt Francoise und Etienne nur deshalb ein mitzufahren, weil er erstens Angst hat alleine zu sein und zweitens auf Francoise steht und sie auch fortwährend aufzureißen versucht. Das geheime Paradies ist nicht einfach auf einer Insel versteckt, sondern umgeben von Marihuanabauern - also Drogenhändlern mit Waffen, die diesen Ort als den ihren betrachten und die Kommune nur solange dulden, solange keine neuen Personen hinzu kommen. Ärzte können wegen des Geheimnisses nicht auf die Insel, deshalb wird ein kaputter Zahn einfach so ausgerissen. Immer wieder muss die Kommune tagelang hungern, weil sie einfach keine Fische fangen. Dann wird auch noch der Reis von einem Pilz befallen und Richard muss ans Festland, um Nahrung zu besorgen. In der wahrscheinlich treffsichersten Pointe des Films sehen wir dann, wie Richard von allen Aussteigern Einkaufszettel entgegen nimmt, weil sie Dinge wollen und brauchen, die es in ihrem Paradies einfach nicht gibt - Batterien, Zeitungen, Tampons, Medikamente, Haarfarbe, Zucker,.....

Es geht Danny Boyle und seinen Autoren Joh Hodge und Alex Garland (der die Romanvorlage geschrieben hat) um den Menschen und seiner Idee vom Paradies. Deshalb bricht das Unheil auf allen Fronten herein. Einerseits von Menschen gemacht (Richard hat die Karte an dumme Surftouristen weitergegeben, die jetzt auch auf die Insel wollen und so den Strand gefährden) und andererseits aber durch die Kraft der Natur (Haiangriff), die die Aussteiger einfach unterschätzt haben. Wie die Kommune auf diese Extremsituationen reagiert (die Verletzten werden in den Wald ausgelagert um die gute Stimmung nicht zu trüben), zeigt welchen Preis es für das Paradies zu zahlen gilt.

Und an diesem Punkt, an dem er auch wie aus dem Nichts mit seinen visuellen Spielereien anfängt, entgleitet Boyle der Film tatsächlich. Richard wird in den Wald verbannt, um die Surftouristen zu beobachten und gegebenfalls zu verscheuchen und wird dabei irre. Er sieht sich selbst abwechselnd in einem Computerspiel (soll wohl auf die künstlich hergestellte Welt am Stand anspielen, sie spielen Leben quasi) oder in Apocalypse Now (hm, also Dschungel, Leute, die in der Wildnis verrückt werden, Menschen, die das Paradies zerstören, menschliche Abgründe, The Horror, The Horror - alles klar. Aber was haben Aussteiger mit Krieg zu tun? - nicht so klar) und legt sich aus irgendeinem Grund mit den Marihuanabauern an (Ich glaube, weil ihm fad wird). Wir wissen nicht wie lange er dort herumrennt und fiebert, zumal wir später erfahren, dass er ja eh immer ins Camp zurückgekehrt ist, sich aber nur von den Anderen fern gehalten hat - oder wie? Jedenfalls kommt The Beach hier völlig ausser Tritt.

Natürlich kann man sagen, es fällt filmisch alles auseinander, weil auch am Strand alles auseinander fällt - allerdings kehrt Boyle fürs Finale wieder zu einer konventionellen Erzählform zurück und auch Richard ist auf einmal wieder klar im Kopf. Auf der Habenseite verbuchen wir an dieser Stelle, dass der Film den Punkt den er machen will, natürlich macht. Allerdings hat er ihn zuvor in den Szenen mit den Einkaufszettel und der Quarantäne im Wald sowie in einer starken Sequenz bei der Rückkehr ans Festland, bei der er gleichzeitig die Arroganz dieser Aussteiger aber auch deren Gründe für ihre Flucht einfängt, schon viel besser gemacht.

Man wird an Stelle als Zuseher einfach völlig aus der Geschichte geworfen, selbst wenn sie intellektuell schon noch irgendwie Sinn macht.

Ein wirklicher Verhau ist dann halt das Ende. Den Strand gibt es nicht mehr, alles ist an der Gewalt zerbrochen. Und dennoch sitzt Richard vor einem Foto aus schöneren Strandtagen und philosophiert darüber, dass das Paradies immer dann existiert, wenn man Teil von etwas Besonderem ist. Das mag ein schöner Gedanke sein, aber leider war Richard rückblickend am Strand nicht auf Urlaub, sondern hätte etwas Grundlegendes über die menschliche Natur lernen sollen. Aber er ist den ganzen Film über kein echter Sympathieträger und zeichnet sich auch nicht unbedingt durch weise Entscheidungen und Voraussicht aus. Denn im Endeffekt waren es Zwang, Gefühlskälte, Ignoranz, Arroganz und Oberflächlichkeit, die den Strand geschaffen und zusammen gehalten haben.

Ein guter und interessanter Film von Danny Boyle also, der auch in den Passagen in denen er scheitert, genug Ideen hat, um darüber nachzudenken und zu reden.

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"Another visitor... stay a while... stay forever!"

Captain Beefheart (1941 - 2010)

2010-12-19T17:57:00.009+01:00

Ich habe Captain Beefheart & his Magic Band ja erst sehr spät entdeckt, nämlich als mein Onkel mich darauf aufmerksam gemacht hat, ich würde auf einer meiner Aufnahmen "Captain Beefheartmäßig" singen. Es ist das Lied bei dem ich bisweilen etwas unkontrolliert krächze.
Ich besitze auch nur ein Album von ihm, nämlich sein Debüt "Safe as milk" von 1967. Darauf finden sich einige der bekanntesten Blues- und Rockriffs. Dinger, die jeder kennt und niemand zuordnen kann. Das Beefheart aus dem Zappa Umfeld kam und eher in die Sparte des experimentellen Rock gehört, hört man da drauf nicht unbedingt, aber ein wenig. Dafür soll sein drittes Werk "Trout Mask Replica" totally mindblowing sein und überhaupt eines der besten Rockalben der Geschichte, quasi Meisterwerk. Das kommt bei Besprechungen von Beefheart öfter. Ein ähnlicher Superlativ klebt nämlich auch auf meiner "Safe as milk" Edition.

Wie auch immer - Captain Beefheart (eigentlich Don Van Vliet) ist vor zwei Tagen gestorben, nachdem er schon längere Zeit an Multipler Sklerose litt. Aus der Rockmusik hat er sich schon viel länger zurückgezogen und sich eher aufs Malen verlegt. Große Zahlen hat er nie abgesetzt, dafür seine eigene Idee von Musik durchgezogen und sie mit Inbrunst gesungen und gespielt. Das macht Mut.

Denn "Safe as milk" gehört zu den coolsten - tatsächlich cool - Alben, die ich in meinem Regal stehen habe und wer es hört, wird einiges wiedererkennen. Man könnte diese Stücke fast Gassenhauer nennen. Auch so kann man sich unvergesslich machen.

Wahrscheinlich gibt es überall ausführlichere Nachrufe, die seine Musik und seinen Einfluss genauer und besser aufdröseln können. Aber das ist Captain Beefheart für mich. Und jetzt höre ich "Safe as milk". Ich rate jedem beizeiten dasselbe zu tun.

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"Another visitor... stay a while... stay forever!"

At the movies - ICH & ORSON WELLES

2010-12-10T15:40:00.005+01:00

Man sollte sich von dem sehr auf romantische Teeniekomödie getrimmten Cover nicht abschrecken lassen. Da sieht ein Marketingstratege wohl die "High School Musical" Fans als Zielgruppe, weil Zac Efron mitspielt. Doch die werden von "Ich & Orson Welles" eher enttäuscht sein.

Richard Linklater hat einen leichtfüßigen und unendlich charmanten Film gemacht, in dem es in vorallem um zwei Dinge geht - das Theater und Orson Welles. Er verwendet viel Zeit darauf uns das Ensemble und die Proben zu Welles Inszenierung von Shakespeares "Caesar" zu zeigen. Er fängt dabei den Zauber und die Faszination des Theaters wunderbar ein und schafft es gleichzeitig uns auch Freud und Leid einer Schicksalsgemeinschaft nahe zu bringen, die gemeinsam etwas schaffen soll, muss und darf - ohne Bezahlung, zum Teil zu unmöglichen Arbeitszeiten und den Egos aller und vorallem dem von Orson Welles ausgesetzt.

Claire Danes ist als Regieassistentin ein souveräner und bildhübscher Sonnenschein mit Ambitionen, die weit über Welles und "Caesar" hinausgehen. Zac Efron macht als Richard seine Sache auch tadellos. Da ich nichts sonst von ihm kenne, außer seinen Ruf, kann ich nur sagen - er ist besser als sein Ruf. Zu bekritteln gibt es hier jedenfalls nichts. Mit James Tupper als Joseph Cotton wird jeder der "Citizen Kane" und "Der Dritte Mann" kennt seine Freude haben. Und die Szenerie, das New York von 1937, ist, ganz nebenbei erwähnt, unaufdringlich und makellos.

Zwei Figuren stechen für mich allerdings heraus und die eine ist natürlich Orson Welles, gespielt von Christian McKay. Er hat Welles inhaliert und macht dessen Genie, Arroganz und Charme greifbar. Oder wie es jemand in der Making-Of Doku sagt - es ist gut Welles wieder auf der Leinwand zu sehen. Wer sich mit Welles' Werk und Leben ein bisschen auskennt, wird sich über diverse Hinweise und Zitate freuen. So wird eine klassische Szene aus "Der Dritte Mann" zitiert. Wir sehen Welles, wie er Werbung machen muss, um seine Inszenierung bezahlen zu können und wie er, ein Jahr vor seiner berühmten "War of the Worlds" Adaption, über die Einfachheit und Kraft des Radios spricht. Und einmal liest er sogar aus "The Magnificent Ambersons" vor.

Die zweite Figur ist Greta, die junge Autorin der Richard zufällig über den Weg läuft. Zoe Kazan spielt sie sehr natürlich, sympathisch, im rechten Maße unsicher, aber trotzdem mit einem eigenen Kopf. Es wäre kein Linklater Film wäre nicht auch einiges von ihm selbst drin – und dafür ist Greta zuständig. Die idealistische Künstlerin und Selfmade Autorin, die am künstlerischen Ideal festhalten möchte, einfach weil sie es liebt. Sie darf an einer Stelle Linklaters "Before Sunrise" in einem Satz zusammenfassen und an einer anderen Stelle sich darüber echauffieren, warum immer alle Geschichten einen Plot haben müssen.

Während wir nämlich Welles sehen, wie er sich rund um seine Kunst auch um die sehr reale Finanzierung kümmern muss und Claire Danes irgendwann mal meint, es gäbe doch noch viel mehr als Theater und Schauspiel, darf sich Richard mit Greta darüber unterhalten, was sie mögen - Bücher, Theater, Musik, Schauspiel.

Interessant ist auch die letzte Einstellung. Eine Geschichte von 1937, die sich mit Welles "Caesar" Inszenierung beschäftigt, ignoriert nicht, was sich damals in der Welt abgespielt hat. Immerhin zeigte Welles - darauf beruhte auch der Erfolg dieses Stücks – Caesar als Mussolini-ähnlichen Diktator und lies alle Schauspieler in SS-ähnlichen Uniformen auftreten. Doch am Ende sehen die noch jungen Figuren hoffnungsfroh in die Zukunft (womit wird wieder bei "Before Sunrise" wären).

Es bleibt dabei - wo Linklater drauf steht ist immer etwas Gutes und Interessantes drin.

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"Another visitor... stay a while... stay forever!"

At the movies - THE SOCIAL NETWORK

2010-10-25T10:05:00.004+02:00

Die Geschichte über die Entstehung von Facebook und seinen Gründer Mark Zuckerberg. Bei Mädchen hat der gute Mark wegen seiner Überheblichkeit und seiner herablassenden Art kein Glück und in die von ihm angestrebte edle Studentenverbindung kommt er mangels Geld und guter Kontake auch nicht. Doch dann haben ein paar Kollegen eine Idee zu einer Social Networking Online Plattform, die Mark zu einer besseren Idee "inspiriert". Kombiniert mit Marks Frust über Zurückweisung und Ausgeschlossenheit führt dies über kurz oder lang zu Facebook.

Es ist eine Geschichte über Verführung, Sozialstatuts, Neid als Antriebsmotor und das harte Business in dem Freundschaften nichts wert sind. Jesse Eisenberg spielt Zuckerberg als hochintelligenten, arroganten und weitgehend unsympathischen Sonderling, der sich in sozialen Situationen immer unwohl fühlt und sich auf sein Gegenüber nicht einstellen kann. Andrew Garfield als Mitgründer und Marks einziger Freund, hat als einziger in dieser kalten, berechnenden Ehrgeizlerwelt noch so etwas unpassendes wie Vertrauen und kommt zwangsläufig unter die Räder. Justin Timberlake ist eine Schau als Verführer.

Im ganzen Film geht es um soziale Beziehungen und Netzwerke verschiedenster Art, die alle gemeinsam haben, dass die Menschen in ihnen in einem knallharten Wettbewerb zueinander stehen. Die Ironie der Sache ist, dass Facebook von Leuten kam, die von sozialen Kontakten, Umgangsformen oder gar Freundschaften keine Ahnung haben. Für sie hat soziales Netzwerken etwas rein funktionales und ist immer mit Status (bzw. mit Verbesserung desselbigen) verbunden. Dass sie darin ihre Erfolgschancen erkannt haben, zeigt wie gut und scharf diese Burschen in ihrer gesellschaftlichen Beobachtung und Analyse sind, zeichnet ein nicht gerade schmeichelhaftes Bild der sogenannten Bildungselite (und nicht nur der amerikanischen) und darf ohne weiteres als Einfangen des Zeitgeistes gesehen und diskutiert werden. Zumal Facebook ja mittlerweile eher kein reines Uniphänomen mehr ist.

Am Ende schickt Zuckerberg dem Mädchen das ihn zu Beginn des Films wegen seiner Arroganz und zwischenmenschlichen Inkompenz hat sitzen lassen eine Freundschaftsanfrage. Einsam und allein und von seinem ehemaligen einzigen Freund auf 600 Millionen verklagt, sitzt er vor seinem Rechner und aktualisiert im Sekundentakt ihre Facebookseite. Und nicht wenige Zuschauer werden sich fragen wieviel Zeit sie ebenso allein vor so ein Bildschirm verbracht haben, wo all die guten Freunde nur einen Mausklick entfernt sind.

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"Another visitor... stay a while... stay forever!"

Die Ballade vom Zündler

2010-09-20T16:00:00.001+02:00

Einer neuer Betty's Apartment Song in dem wir unseren Unmut äußern! Mit schönem Artwork von David Pfeil und zum GRATIS Downloaden! Viel Vergnügen!

BETTY'S APARTMENT - Die Ballade vom Zündler

Der Song ist außerdem auch im Podcast von den guten und klugen Menschen von ZurPolitik verfügbar. Wer die Seite noch nicht kennt, sollte mal den Link klicken und hinsurfen.

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"Another visitor... stay a while... stay forever!"

Neuer Betty's Apartment Song zum Gratis Download!

2010-08-15T11:41:00.005+02:00

"...ich steh nur blöd am Frequency und es regnet mir ins Bier..."

DER Song zum Festival! Und noch dazu geschenkt! Wir wünschen viel Vergnügen!

BETTY'S APARTMENT - Murphy's Law

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"Another visitor... stay a while... stay forever!"

Tröbis WM-Kochbuch

2010-06-16T09:24:00.003+02:00

Kaum ist Fußball WM tauchen die eigenartigsten Träume auf. So hat sich folgendes heute Nacht in meinem Kopf abgespielt.

Christian Tröbinger, Singer/Songwriter und Edelpopper mit Herz, Hirn und Charisma ist ja schon seit Jahren Salzburgs kulturelle 1A Leihgabe an die Bundeshauptstadt Wien, wo er als TROEBINGER die Menschen mit humorigen, sprachgewandten und charmanten Liedern versorgt. Er hat es dort auch zu veritabler C- bis B- Prominenz geschafft, ist aber leider auf dem Weg nach ganz oben irgendwo im Mittelfeld versandet und muss jetzt andere Geldquellen anzapfen. Pünktlich zur Fußballweltmeisterschaft veröffentlicht er nun also sein WM-Kochbuch, in dem er durch den Melting Pot Wien tingelt und mit prominenten Angehörigen aller im Turnier vertretenen Nationen ein Nationalgericht kocht, damit der geneigte Fußballfan auch zu jedem Spiel die passende Kulinarität genießen kann. Für Deutschland wirft er zusammen mit Dirk Stermann Currywürste in den Topf und besiegt ihn auch gleich beim Cordoba-Gedächtnisländerkampf mit 3:2 Würsten. Mit der Wiener Grünen Chefin Maria Vassilakou wird für die Griechenlandspiele Moussaka gemacht und mit einem der FM4 Briten Fish & Chips. Mit wem er amerikanische Burger machen soll, ist er sich lange nicht sicher. Frank Stronach wird mehrfach als verkaufsschädigend abgelehnt und auch Willi Resetarits wird diskutiert, aber nur weil der den Blues spielt, macht ihn das noch lange nicht amerikanisch. Also fällt die Wahl ausgerechnet auf Stefan Stanzl von A Life, A Song, A Cigarette – vielleicht weil sich die beiden Musiker kennen oder weil Stanzls Musik amerikanisch genug klingt. Dabei trägt Tröbi immer sein Markenzeichen – die Sonnenbrille – geschickt und gekonnt auf der blanken Stirn und geht mit den Lebensmitteln lässiger und vertrauter um als gar Jamie Oliver (der konnte zwar mit Kartoffeln jonglieren, aber nicht wie Tröbi, dabei auch noch lächeln und eben eine Sonnenbrille auf der Stirn balancieren).

Was würden sich da noch für tolle Kombinationen ergeben? Boeuf Stroganow mit Anna Netrebko? Cevapcici mit Ivica Vastic? Da könnte Arigona mithelfen, vielleicht darf sie bleiben wenn sie etwas in Zusammenhang mit Fußball macht. Wobei - Kroatien spielt ja ebenso wenig mit wie Kosovo oder Russland. Dann vielleicht Huub Stevens. Mit dem würde sich irgendetwas Fischiges anbieten (Der Kader von Red Bull Salzburg würde ohnehin noch die eine oder andere Nation hergeben, aber das wäre dann wohl ein ganz anderes Kochbuch). Und die Burger vielleicht doch besser mit Markus Rogan?

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"Another visitor... stay a while... stay forever!"

Grande Finale

2010-05-26T19:52:00.003+02:00

Als ich diesen Blog vor sechs Jahren gestartet habe, um meine Theorien über die Insel unter die Leute zu bringen, war ich mir sicher, dass ich am Ende der Serie hier mit dem Satz "Da steh ich nun ich armer Tor und bin so klug als wie zuvor" beginnen würde.

Sechs Jahre lang sind wir gesessen, haben gefiebert und noch mehr gerätselt. Vor zwei Tagen ist nun die letzte Folge von "Lost" über meinen Schirm geflimmert und sie geistert mir bis heute durch den Kopf. "Lost" hat mir John Locke und seinen unbedingten Wunsch zu glauben gegeben. Sie hat mir Jack Shepard gegeben, dessen krampfhaftes Bemühen immer alles für alle richtig zu machen, mir manchmal näher war als mir lieb ist. Die erste Staffel gehört meiner Meinung nach immer noch zum Besten was jemals im Fernsehen gelaufen ist. Die Zahlen habe ich mir besser gemerkt als meine PIN-Codes. Und dann war da ja auch noch Juliets Lächeln.

Jetzt ist es aus. Eine meiner Lieblingsgeschichten ist zu Ende erzählt.

Wenn man momentan durchs Netz streift, stolpert man allerorts über enttäuschte Fans, die sich alle viel mehr erwartet hätten. Es vereint alle Enttäuschten nicht nur die Verblüffung über das was sie gesehen haben, sondern vorallem die Tatsache, dass jeder von ihnen offenbar etwas anderes gesehen hat. Jeder hat etwas anderes zu beanstanden oder ist darüber verärgert, dass die Serie so oder eben so ausgegangen ist. Das zeigt, wieviele Fans ihr eigenes "Lost" gesehen haben und so auch ein passendes Ende für "ihr Lost" sehen wollten.

Die Autoren haben es also auch zum Schluss geschafft. Keine der zigtausend Theorien, die während der letzten sechs Jahren aufgestellt, angepasst und verworfen wurden, hatte diese Ende auf der Rechung. Auch dieses Mal sind wir davor gesessen und hatten ein großes "What the fuck?" vor dem geistigen Auge. So wie in fast jeder der über hundert Folgen zuvor.

Dabei sind die meisten Antworten da. Man kann sich hinsetzen und sie suchen. Dass die Serie immer von den Menschen und nicht von der Insel erzählt hat und dass sie jetzt zum Schluss bei ihren Figuren bleibt, ist nur konsequent und fair. Die Insel behält sich viele Geheimnisse, hauptsächlich die, die mit unseren Figuren wenig zu tun haben. Schon in der ersten oder zweiten Staffel hat uns John Locke den Trick erklärt: "The island can give you anything you want. But you have to give something to the island."

Und das Beste - man kann trotz des Wissens um die Auflösung wieder von vorne beginnen, eintauchen, fiebern, rätseln und suchen und nichts von der Spannung ist durch das Ende gemildert. "Lost" endet ohne sich selbst durch ein übereifriges "Wir-brechen-alles-auf-eine-Erklärung-herunter" den Stecker zu ziehen. "Flash Forward" hat diesen Fehler gemacht und sich schon nach Folge 10 eine an sich tolle Prämisse zerstört. Und bei aller Liebe zu "Akte X" - auch hier wurde es langweilig, sobald wir die Alienverschwörung punktgenau erklärt bekamen.

Mir hat das Finale gefallen, nicht nur weil es einfach spannend war, sondern auch weil ich es emotional gut und stimmungsvoll erzählt fand. Den Kitsch am Ende verzeihe ich ihnen, ist ja nicht das erste Mal, dass ihnen etwas in diese Richtung engleitet.

"Lost" hat uns am Ende das Denken und Rätseln gelassen. Darüber bin ich froh. Deshalb mein Zitat zum Grande Finale: "Und so sehen wir betroffen / Den Vorhang zu und alle Fragen offen."

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"Another visitor... stay a while... stay forever!"

Alex Chilton (1950 - 2010)

2010-03-21T00:30:00.007+01:00

Zufälle gibts. Die letzten Tage und Wochen hab ich viel The Replacements gehört und vorallem deren Album "Pleased to meet me" für mich entdeckt. Darauf findet sich der Song "Alex Chilton", eine Hommage an das Vorbild von Replacements Chefsongwriter Paul Westerberg. Ich habe den Song also in letzter Zeit vor lauter Begeisterung rauf und runter gespielt. Und gestern lese ich, dass Alex Chilton mit knapp 59 Jahren gestorben ist.

Chilton hat als Musiker "mehr Herzen berührt als Einheiten verkauft", wie es in einem Nachruf (ich glaube es war die New York Times) sehr schön auf den Punkt gebracht wurde. Deshalb brauchte ein Blog auch nur „Children by the million, sing for Alex Chilton“ (eine Zeile aus dem Replacements Song) unter sein Foto schreiben und jeder den es anging wusste was gemeint war.

Sein claim to fame war "The letter", ein Hit aus den 60ern, den er als minderjähriger Leadsänger der Box Tops sang. Wahrscheinlich sein bis heute bekanntester Auftritt. Dann hat er lange Pech. Mit seiner nächsten Band „Big Star“ war trotz hoher Qualität und guten Kritiken nach drei Alben und chronischer Erfolglosigkeit Schluss und Chilton am Ende. In die Rockgeschichte eingeschrieben hat er sich mit ihr erst viel später - wegen großem Einfluß nach langer Wiederentdeckung. Zwar haben Fans und gelehrige Schüler wie Paul Westerberg oder Jon Auer und Ken Stringfellow von The Posies (sie spielten sogar in der neuen Version von Big Star in den 90er mit) Chiltons Andenken immer hoch gehalten, doch waren sie selbst, ebenso wie ihr Vorbild, lange übersehene und unterschätzte, in Westerbergs Fall zwar einflussreiche, aber allgemeine eher erfolglose und nicht vom Glück verfolgte Musiker. Vor ein paar Monaten ist eine Big Star Werkschau auf 4 CDs erschienen und die Lobpreisungen waren Konsens geworden. Wieviel sich Chilton jetzt noch davon abschneiden konnte weiß keiner. Und inwieweit man das Ganze als später Anerkennung bezeichnen darf ist auch fraglich. Gute Kritiken hatte er immer und verkauft wie warme Semmeln hat sich auch die Werkschau nicht. Aber er dürfte schon längst seinen Frieden mit der ganzen Sache gemacht haben. Angeblich galt sein Interesse in den letzten Jahren eher der klassischen Gitarre und der Barockmusik, obwohl er immer noch mit Big Star auftrat. Für dieses Wochenende wäre ein Festivalauftritt geplant gewesen.

Mein erstes Big Star Album war ausgerechnet das vierte, „In Space“, von 2005. Ich habe keine Ahnung, wie die Platte klingt. Ich hab sie wohl einmal gehört und so gut verräumt, dass ich sie nie wieder gefunden habe.

Wann dann mein Herz an diese Band verloren ging, weiß ich nicht mehr. Es muß kurz darauf gewesen sein. Vielleicht war es ein „Thirteen“ Cover von den Counting Crows oder von Elliot Smith. „The Ballad of El Goodo“ habe ich zumindest schon einige Jahre in meinem Roadmovie als Schlußsong notiert. Und ich weiß, dass ich die Band schon kannte als ich Rob Sheffields Buch „Love is a mixtape“ gelesen habe. Die Geschichte von Robs erster Frau, ein Big Star Fan wie er, die er durch ein Gespräch über die Band kennenlernt und die am Ende wie aus heiterem Himmel an einem angeborenen Herzfehler stirbt. Ein Buch wie ein Big Star Song - himmelhochjauchzend romantisch, bittersüß und tieftraurig. Sheffield hat jetzt den Chilton Nachruf im Rolling Stone geschrieben.

Was es war, dass mein Herz an Big Star verloren gehen ließ, weiß ich noch ganz genau. Zum einen war es die Tatsache, dass diese großartigen Songs keiner kannte. Dass sie übersehen wurden. Ich hatte sie für mich allein. Sie waren meine Songs und Big Star meine Band. Ich hatte immer eine schwache Stelle für die Übersehenen, glaube ich. Aber am wichtigsten war mir an Big Star immer dieses - immer wenn ich Big Star höre, denke ich mir, dass irgendwann vielleicht auch irgendwo mal jemand sitzt und meine Lieder so hört wie ich die Lieder von Alex Chilton höre. Und dann schreibe ich weiter.

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"Another visitor... stay a while... stay forever!"

JOHNNY CASH - American VI: Ain't no grave

2010-03-04T07:34:00.005+01:00

Man hört es ihm auf jeder Aufnahme an – er ist alt und die Kraft geht langsam aus. Die Aussprache macht bisweilen Schwierigkeiten. So passt es auch, dass sich hier keines der mächtigen, biblisch-schweren Epen findet, die Cash im Laufe der „American Recordings“ Reihe aufgenommen hat. Nur „Ain’t no grave“ ist einer dieser Stampfer und rasselt ordentlich mit den Ketten. Der Rest ist von Ruhe, Abschied und Versöhnung geprägt. Sogar seine letzte Eigenkomposition, „I Corinthians 15:55“ - eine Bibelstellenvertonung - packt er ins schunkelnde Walzergewand. „Redemption Day“ von Sheryl Crow ist so hübsch, dass ich gar nicht wissen will, wie Frau Crow es singt – es kann nur eine Enttäuschung sein. „For the good times“ von Cashs Freund und Lieblingskomponisten Kris Kristofferson und „Satisfied Mind“ zeigen einen zufriedenen Johnny Cash, der reinen Gewissens und in Frieden seinen Hut zieht. Die ohnehin immer sehr sparsamen Arrangements, die sich Rick Rubin für die „American“ Aufnahmen ausgedacht hat, schraubt er hier noch weiter zurück als zuletzt und schließt so fast den Kreis zum ersten Album der Reihe, auf dem sich Cash ja nur mit seiner Gitarre begleitet.

Am meisten berührt mich momentan „Last night I had the strangest dream“, in dem er, umrahmt von romantischen Streichern, von diesem eigenartigen Traum erzählt, den er letzte Nacht hatte. Alle Menschen hätten sich darauf geeinigt nie wieder zu kämpfen und Kriege zu führen. Verträge wären unterzeichnet, alle Waffen und Uniformen wären zerstört worden und die Leute hätten in den Straßen getanzt. Man kann das verwunderte Staunen, dieses „Was-wäre-das–für-eine-Welt“ Gefühl in seiner Stimme hören. Wer hätte gedacht, dass man diese alte Hippiefantasie noch mit Unmittelbarkeit und echter Emotion füllen kann.

Johnny Cash war nicht nur ein wilder Hund und Countrymusikpionier. Er war auch in seinen letzten Jahren mehr als eine eindringliche, tiefe Stimme. Er war ein großer Sänger und Performer, der die Lieder die er sang, mit Gefühl und Bedeutung aufladen konnte und der das Thema eines Liedes nur durch seine Darbietung verdichten und verstärken konnte. Er machte sich die Lieder zu eigen. Er brauchte dafür keine großen Kunststücke und Verrenkungen, er machte es in Nuancen. Wenn man die Cash-Cow nicht zu melken beginnt, wird „Aloha Oe“ das letzte sein, was man von Johnny Cash hören wird. Er klingt darauf lieblich-naiv, fast wie ein kleines Kind.

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"Another visitor... stay a while... stay forever!"

MASSIVE ATTACK - Heligoland

2010-02-06T19:57:00.004+01:00

Der Standard findet dieses Album über weite Strecken langweilig, der Rolling Stone nennt es in Teilen majestätisch. Zwei Adjektive, die also auch nah beinander liegen können. Beide zielen wohl auf die Langsamkeit der Musik ab, bei Massive Attack nun aber nichts unbedingt Neues. Doch sie hat etwas Getragenes hier, wie ich es noch nie vorher von ihnen gehört habe (Ich gebe zu, das vorige Album "100th Window" kenne ich nicht). Melancholisch waren sie schon immer, auf "Mezzanine" waren sie bisweilen auch zornig.

Mich überrascht wie wenig sich zum Teil auf diesen Songs tut. Irgendwo in der zweiten Hälfte bleibt an einer Stelle nur die Gesangstimme übrig. Ich war von Massive Attack eigentlich immer detaillierte, vielseitige und ausgeschmückte (weil "üppig" nicht ganz das richtige Wort ist) Arrangements gewohnt.

Irgendwie klingt alles auf "Heligoland" nach Resignation. Jemand hat gekämpft, sich bemüht und ist gescheitert oder stecken geblieben. Die Umstände erlauben ihm oder ihr nicht mehr. Es ist so wie es ist. Darüber kann man, wie Damon Albarn hier, klagen oder wie alle anderen, tun was einem in diesem Fall noch bleibt - den Blues singen (was oft dasselbe ist). Damit bin ich wieder beim Rolling Stone. Doch Majestätisches höre ich hier trotzdem nicht. Ich musste an sowas wie den Stolz des Musikers denken - Auch wenn sonst nichts geht, kann ich immer noch singen.

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"Another visitor... stay a while... stay forever!"

PHOENIX - Live & Unplugged

2010-02-05T19:48:00.008+01:00

Lieber Christian!

Du hast mir ja diese Phoenix CD, die beim letzten Musikexpress dabei war, mit den Worten geschenkt: „Die ist so fad, die gefällt dir sicher.“ Dabei hab ich mir den letzten Musikexpress deshalb nicht gekauft, weil ich mir gedacht habe 'die CD ist sicher total fad.' Jetzt hör ich sie also doch.

Das dir sowas nicht gefällt ist ja klar. Indiepop und dann noch unplugged gespielt. Ich hab mir beim Hören gedacht „So schlecht ist die garnicht.“ Ich hatte dabei den Kopf unter einem Handtuch und habe heißes Salzwasser aus einem Topf inhaliert. Wegen Schnupfen. Da passt die Platte also schon mal gut dazu. Allerdings hat mir am meisten gefallen, wie sie die Songs akustisch (obwohl sie ja eh nicht rein akustisch spielen) adaptieren. Wenn man also die Originale nicht kennt und mag, fängt man wahrscheinlich recht wenig mit dieser CD an.

Was ich sagen will – du bist wohl nicht mehr so ganz die Zielgruppe des Musikexpress. Und der Dylan Song am Ende – da haben sich auch schon wirklich Große die Zähne daran ausgebissen. Aber ich kanns ja verstehen. Man mag seine Songs so gerne und singt sie ebenso gerne. Da merkt man dann garnicht, dass es furchtbar klingt.

Vielen Dank trotzdem!

Beste Grüße

Christoph

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"Another visitor... stay a while... stay forever!"

J.D. Salinger (1919 - 2010)

2010-01-29T09:37:00.007+01:00

Gewachsen wäre er nicht mehr und veröffentlicht hat er seit 1965 auch nichts mehr. Dafür, dass es von ihm nur einen Roman (und den schon von 1951) und drei Bände mit Kurzgeschichten gibt, mag es fast eigenartig erscheinen, welchen Status der Mann hat. Wer er war, welche Bedeutung er hat und warum er sich sein halbes Leben lang versteckt hat, kann man allerorts im Netz nachlesen, hier nur ein Einstieg. Wie wichtig er tatsächlich war, allgemein und/oder für andere ist aber nicht so wichtig. Für mich hat er eine große Bedeutung.

Ich habe alle seine Geschichten vor ein paar Jahren in einem Schwung gelesen und danach begonnen, das Netz nach Kurzgeschichten zu durchforsten, die nur in Zeitschriften und Zeitungen erschienen sind. Ich wollte einfach mehr von ihm lesen. Meine Idee war, sie für mich binden zu lassen, damit ich sie mir ins Regal stellen kann. Erst vorige Woche habe ich selbst eine Geschichte über meinen Amerikatrip von vor 4 Jahren geschrieben und darin kommt Salingers "For Esme - With love and squalor" vor, eine seiner Kurzgeschichtensammlungen. Weil dieses Buch fest mit meiner Erinnerung an diese Reise verbunden ist. Wer sich vielleicht davon überzeugen möchte, wie interessant es sein kann, wenn zwei Menschen an einem Tisch sitzen und sich unterhalten oder nur miteinander telefonieren, kann das in diesem Buch nachlesen.
Salinger hat viel über die Dinge, die zwischen und in Menschen passieren geschrieben. Das gefällt an seinem Werk am besten. Seine Geschichten haben mich begleitet, sind mir nie aus dem Kopf gegangen und ich habe immer wieder darüber geredet und davon erzählt. Die Figuren waren mir so nahe und so bekannt, als wären sie echt.

Was Salinger geschrieben hat, berührt mich und bedeutet mir viel. Deshalb hat es mich ernsthaft geschreckt, als ich heute gelesen habe, dass er gestorben ist. Und es hat mich daran erinnert, dass ich schon längst seine Bücher wieder hervor holen wollte.

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"Another visitor... stay a while... stay forever!"

VAMPIRE WEEKEND - Contra

2010-01-22T09:02:00.004+01:00

Na dann. Die neue Vampire Weekend. Immer noch viele verschiedene Rhythmen und immer noch poppige Melodien, die sich darunter verstecken. "Horchata" ist diesmal der Oberohrwurm. Also typisch Vampire Weekend, wenn auch ein wenig vertrackter komponiert, noch verspielter in seinen Sounds und nicht so offensichtlich wie das Debüt (dass ja auch nicht unbedingt so offensichtlich war). Aber zu sagen, die meisten Songs sind typisch Vampire Weekend heißt auch, dass sie schon einen eigenen Sound haben, den man auf dem zweiten Album wiedererkennen kann. Kein schlechter Ruf würde ich sagen.

Mir gefallen aber die paar Songs am besten, die am allerwenigsten wie Vampire Weekend klingen, auf denen sie sich mit ihren cleveren Sound-, Melodie- und Arrangementspielereien zurück nehmen: "Run" zum Beispiel. Oder das herunter gefahrene, sehr simpel gehaltene und fast klassische "Taxi Cab". Und das schnürlgrade "Giving up the gun". Mit Rockgitarren! Die letzten beiden Songs brauchen noch ein wenig. Aber so ist das ganze Album für meine Ohren. Offenbart und entfaltet sich erst nach und nach, mit mehrmaligem Hören.

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Stieg Larsson - "Verdammnis"/"Vergebung"

2010-01-16T09:49:00.005+01:00

Der Vollständigkeit halber also noch ein paar Worte zu den beiden Fortsetzungen. Sie erzählen eine große Geschichte. Der zweite Teil "Verdamnnis" endet mit einem Cliffhanger. Immer noch zwei sauspannende Bücher, die man nicht aus der Hand legen kann. Und immer noch unglaublich schnell zu lesen. Obwohl mir bei den Kurzbeschreibungen kurz Übles schwante. Mädchenhandel und Verschwörung in höchsten Regierungskreisen - das kann ja schnell schief gehen und unglaubwürdig werden. So ist es Gott sei Dank nicht. Gerade die politische Verschwörung ist extrem gut und glaubwürdig erzählt. Da kennt sicher einer aus. Der im ersten Teil schon eingebrachte Frauenhass mit allen seinen Masken wird hier weiter thematisiert, was auch immer noch stark und interessant ist. Scheint als hätte Larsson da einiges dazu zu sagen gehabt.

Dennoch - einmal 750 und einmal 800 Seiten sind dann schon viel. "Verdammnis" ist überhaupt eher die Einleitung zum dritten Teil und bleibt ganz lange eine völlige ruhige Mordermittlung. Dafür gehts in "Vergebung" dann drunter und drüber, aber hallo.

Das größte Problem der beiden Bücher ist aber, dass der Leser schon weiß, wer Lisbeth Salander ist und wie sie tickt. Ihre ganzen Hackerfertigkeiten und -kontakte, ihr eigenartiges Sozialverhalten, ihr moralischer Code, nach dem sie handelt - das alles war im ersten Buch Teil der Spannung und Überraschung. Hier weiß man schon Bescheid.

Und ich persönlich finde ja so abgegrenzte Systeme wie eine Familie auf einer Insel - wie in "Verblendung" eben - viel spannender, weil man nichts oder fast nichts hinzufügen kann. Der Handlungsspielraum und die handelnden Personen sind bekannt. Während hier das Erzählsystem (schwedische Regierung, internationale Geheimdienstkontake) so offen ist, dass einfach neue Figuren und Handlungsstränge eingeführt werden können, wenn sie für die Geschichte nötig sind.

Trotzdem drei starke Romane. Ich war gefangen und bin noch begeistert.

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"Another visitor... stay a while... stay forever!"

Stieg Larsson - "Verblendung"

2009-12-28T11:47:00.002+01:00

Mein erster Schwedenkrimi (wenn ich dieses eigenartige Subgenre bemühen darf), mein erster Krimi überhaupt seit den "Drei ???" und dann gleich so ein 700 Seiten Monstrum. Wenn ich Aspekte dieses Buchs beschreiben will, fallen mir komischerweise zuerst nur die negativen ein: Die sehr typische, fast glatte Heldenfigur Mikael Blomkwist mit bewusst breit gehaltener Identifikationsfläche. Der übliche, klassische Handlungsverlauf. Sätze, die man eigentlich nicht schreiben sollte wie "Sie saßen eine Weile im Garten und dachten gemeinsam über die Zerbrechlichkeit des Lebens nach" oder "Es waren nur Details, die er übersehen hätte, wäre er nicht so aufmerksam gewesen". Ein paar Dialogphrasen, die aus billigen, amerikanischen Vorabendserien sein könnten. Plottwists, die man schon von weitem kommen sieht und Handlungselemente, die schon einmal zu oft durchgekaut wurden. Längen, die bei 700 Seiten fast zwangsläufig auftreten.

Andererseits habe ich das Ding in genau einem Tag durchgelesen. Ich konnte nicht mehr aufhören. Es ist süchtig machend. Also muss es etwas haben. Nun, wie sich das für einen ordentlichen Krimi gehört - "Verblendung" ist sauspannend. Aber "Verblendung" hat vorallem und zuallererst Lisbeth Salander, die zweite Hauptfigur, die nicht nur das genaue Gegenteil vom strahlenden Mikael ist, sondern in ihrer ruppigen, gefühlskalten und verwirrten sozialen Inkompetenz auch ungeheuer spannend, interessant und liebenswert. Sie hat vermutlich einen psychischen Defekt, ist hochintelligent, verwendet klar und völlig bewusst kriminelle Methoden um weiter zu kommen und agiert nach ihrem eigenen moralischen Code. Eine tolle und eigenwillige Figur. Überhaupt kümmert sich Larsson viel und lange um seine Figuren und ihre Beziehungen, was mir ja sehr sympathisch ist.

Dann hat "Verblendung" diese komplexe, große Familiengeschichte, in der sich das zu untersuchende Verbrechen abgespielt hat und die einen sogartig einsaugt. Man will wissen, wer diese Leute sind und waren und was verdammt noch mal damals auf der Insel passiert ist. Worauf Salander und Blomkwist dann stoßen und wie sie es zutage fördern ist oft genug völlig unglaublich. Larsson führt uns durch diesen jahrzehntealten Sumpf und offenbart uns nach und nach die Abgründe, die sich hinter diesem Clan auftun. Diese Abgründe und die Erklärungen dazu sind heftig und kippen am Ende eigentlich in den Horror, wie ich ihn vielleicht aus "Hostel" kenne, ohne dabei so explizit und brutal zu sein. Es ist deutlich und klar genug beschrieben, um zu wissen was sich abgespielt hat, aber der Horror passiert im eigenen Kopf. Die übelsten Sachen reimt man sich selbst zusammen.

Dass er sich in seiner Erklärung nicht auf den bald an die Oberfläche kommenden Faschismus und Antisemitismus verlässt oder religiösen Wahn hernimmt, sondern dahinter liegend Frauenhass und ein pervertiertes Männlichkeitsbild rund um das Triumvirat Macht, Unterwerfung und Sex vermutet, hat mir gefallen. Zum einen, weil sich da einer mal die Mühe macht dahinter zu blicken und zum anderen, weil es in der Geschichte gut eingebaut und zumindest andiskutiert ist.

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"Another visitor... stay a while... stay forever!"

Joseph Roth - "Hotel Savoy"

2009-12-26T21:39:00.002+01:00

Gabriel Dan kehrt nach dem Ersten Weltkrieg aus der Gefangenschaft in Russland heim und bleibt im Hotel Savoy in einer kleinen polnischen Stadt hängen. Dort tummeln sich viele Gestrandete, alle orientierungslos nach dem Krieg. Heimkehrer so wie er, Varieteetänzerinnen, Clowns und kleine Gauner bzw. Geschäftsleute, die in der Zeit der Inflation und der Arbeitslosigkeit ihre Geschäfte machen wollen. Keiner weiß wohin und selbst wenn er oder sie Familie hatten, wissen sie nicht, wo sie zu finden ist oder fühlen sich von ihr entfremdet. Sie träumen von Amerika oder Paris, aber keiner geht. Alle driften im Hotel Savoy durch die grauen Regentage. Nach außen immer noch ein glanzvolles Hotel der Vorkriegszeit, innen aber schon heruntergekommen und schäbig. Ein Sinnbild für das einst glanzvolle, monarchistische Europa, das nach dem Krieg zertrümmert und orientierungslos darniederliegt.

Im Hotel Savoy wartet alles auf den reichen Geschäftsmann Bloomfield aus Amerika, der kommen und Geld und Arbeit mitbringen soll. So wie Europa auf Woodrow Wilson wartete. Doch Bloomfield kommt nicht wegen der Geschäfte und bringt auch keine Arbeit mit. Er kommt aus persönlichen Gründen, so wie Wilson damals mit der Idee des Völkerbundes nach Europa kam und enttäuscht wieder abfuhr, weil Europa nur über Grenzziehungen und Ausgleichszahlungen reden wollte.

Ich hab ein bisschen gebraucht, um in das Buch hinein zu kommen. Roth beschreibt den schwebenden Zwischenzustand seiner Protagonisten in angedeuteten Szenen und Gefühlen, die alle gleichwertig nebeneinander stehen. Da keiner von ihnen weiß, was und wo er hin will, hat für sie auch alles den gleichen Wert. Er folgt keiner tatsächlichen Handlung, die Protagonisten verfolgen eigentlich kein äußeres Ziel und wenn, dann nur kurzfristig. Einmal bekommt Dan Arbeit, ist sie aber bald wieder los. Ein anderes Mal will er wegfahren, kommt aber nur bis zum Bahnsteig. Es entwickelt sich eine Liebe zur Tänzerin Stasia, doch Dan ist unfähig, sie irgendwo hin zu verfolgen. Nur die erwartete Ankunft von Bloomfield und das Anwachsen der unzufriedenen Heimkehrer außerhalb des Hotels - was aber auch lange Zeit nur nebenbei erzählt wird, weil die Bewohner des Hotels die Außenwelt kaum mitbekommen – baut so etwas wie Erwartung auf. Die Beschreibung der Figuren und wie sie durch ihre Leben driften, gleiten und stolpern, die Beschreibung dieser Menschen und ihrer Epoche, ist das Hauptanliegen des Buches. Am Ende schwappt mit den Massen der Kriegsheimkehrer die russische Revolution herein und brennt das Hotel Savoy nieder. Europa ist kaputt.

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"Another visitor... stay a while... stay forever!"

At the movies - STRANGER THAN FICTION

2009-12-19T22:32:00.005+01:00

Der Film bei dem man erkennt, dass Will Ferrell ein guter Schauspieler ist. Er spielt Harold Crick, einen übergenauen und einsamen Steuerprüfer, der eines Tages eine Stimme in seinem Kopf hört, die alles was er tut beschreibt und kommentiert. Er kommt dahinter, dass sie die Erzählerin seiner Geschichte ist, was ihn schon genug irritiert. Völlig aus der Fassung bringt sie ihn aber, als sie ihm offenbart, das er bald sterben wird.

Das Coole an dem Film ist, dass er auf mehreren Ebenen erzählt. Zum einen ist es eine sehr clevere und witzige, warmherzig und einnehmend erzählte Geschichte eines Mannes, der im Angesicht des Todes zu leben und zu lieben beginnt (und den Punkrock entdeckt). Darüber hinaus ist es eine Geschichte über das Wesen von Geschichten und die Rolle von Helden in Geschichten. Und dann geht es auch noch um die Qualen des Autors beim Suchen einer guten, zündenden und passenden Idee, eine Suche mit der man fast immer ganz allein ist.

Und es ist der Film, bei dem man sich in Maggie Gyllenhaal verliebt. Unweigerlich. Und für alle Zeit.

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"Another visitor... stay a while... stay forever!"

At the movies - ADVENTURELAND

2009-12-18T22:19:00.005+01:00

Ich sehe mir viele Filme an, aber nur wenige gehen mir so ans Herz, dass ich sie sofort noch einmal sehen möchte. Bei "Adventureland" war das anders. Dabei erzählt er eine sehr einfache, klassische Geschichte. Junge trifft Mädchen, sie verlieben sich, stoßen auf Widerstände, die sich aber lösen. Doch der Plot ist nicht das Wesen von "Adventureland". Es geht um die Menschen und vorallem darum, was zwischen ihnen passiert. Es geht ums Erwachsen-werden, ums Verlieben, ums Abnabeln von Zuhause und um Menschen, die das Erwachsen-werden ein paar Jahre verpasst haben. Dass das alles in einem Vergnügungspark spielt, eben einer kindlichen Welt, der es zu entwachsen gilt, ist da sehr passend.

James und Em sind ein Liebespaar, dass sich glaubhaft findet und aufeinander einläßt und dem man vorallem zu jeder Sekunde glaubt, dass sie zusammengehören. Wenn sie ihn nach einer Schlägerei einfach selbstverständlich bei der Hand nimmt und sie sich zurückziehen. Wenn er beim Feuerwerk seinen Arm um sie legt. Kristen Stewart ist als Em intensiv und begierig und Jesse Eisenberg als James so, wie ich vielleicht selbst einmal war, mit dem bisschen mehr an Selbstvertrauen, dass ich gern gehabt hätte. Dann sind da noch der eigenartige und engagierte Parkchef Bobby, der seine Angestellten wie ein großer Bruder hütet, oder der Bücherwurm Joel, der traurig aber erhobenen Hauptes seine Außenseiterrolle akzeptiert - der Film ist voll von Menschen, die ich wiedersehen wollte. Er gibt sie alle nie der Lächerlichkeit preis, weil es dem Film ein paar billige Lacher bringen könnte, sondern nimmt sie ernst und gibt ihnen Würde - selbst dem Hausmeister und Aufreißer Connel. Sie alle wollen im Kern drei Dinge, die ich immer sehr gut nachvollziehen konnte: Wirklich und wahrhaftig lieben, frei sein und schlicht und einfach mehr.

Dazu hat er einen tollen Soundtrack (The Cure, The Replacements, Velvet Underground, Crowded House), was bei mir auch immer viel Sympathie weckt und ist ruhig, ohne Schnörkel, ohne visuelle Stunts und Gimmicks, ohne erzählerische Kapriolen, einfach und gerade erzählt. Eine melancholische, hoffnungsvolle Stimmung liegt über dem Film, eine Stimmung, die mich an meine Jugend erinnert. "Adventureland" ist eine Geschichte, wie ich sie gerne erzählen würde.

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"Another visitor... stay a while... stay forever!"

THE SWELL SEASON - Strict Joy

2009-12-13T14:37:00.008+01:00

Einen besseren Opener hätten sie sich nicht aussuchen können. Das Erste was man von Glen Hansard & Marketa Irglova nach ihrem Oscartriumph hört, ist also "Low rising". Nachdem Van Morrisons "Into the mystic" eh ein beliebtes Cover der beiden ist, haben sie jetzt ihren ganz eigenen Van Morrison Song, Bläser- und Streichersätze inklusive. Ein starker, zeitloser Song. Es geht auch stark weiter, wobei der Hauptfokus auf Glen Hansards Liedern liegt, in denen er sich zum Teil von seinen typischen Melodien und Harmonien wegbewegt und neues Terrain erschließt, eben in Richtung zeitloses, klassisches Songwriting ("Feeling the pull" oder "The rain"). Überwiegend sind es natürlich wieder sehr nachdenkliche, melancholische Lieder, die hier im Gegensatz zum ersten Album mit voller Band sehr behutsam und stimmungsvoll eingespielt wurden.

Wenn man die Albumcover miteinander vergleicht, bekommt man einen guten Eindruck über die Unterschiede zwischen den beiden Alben. Auf dem Debüt, mit seinen kleinen, intimen Arrangements, ein nahes, grobkörniges Schwarz-Weiß Foto von Glen Hansard, hier eine weiche, kontrastarme Bleistiftzeichnung der beiden, in der ihre Haare ineinanderfließen.

Marketa Irglova bekommt nur zwei Solostücke und auch nur diese zwei Songwritingcredits, die so sphärisch-verträumt dahinfließen wie von ihr gewohnt und ihre kleinen Melodien erst nach und nach offenbaren. Die meiste Zeit unterstützt sie Hansard mit ihrem Klavier und ihre beiden Stimmen harmonieren wie gewohnt ganz wunderbar.

Ein zweites "Falling Slowly" fehlt zum Glück und der eine oder andere Song ist ein wenig zu ruhig und zu gemütlich geraten, aber ansonsten ein sehr schönes, sehr warmes und sehr sympathisches Album.

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NEIL YOUNG - Dreamin Man' 92 / Harvest Moon

2009-12-12T01:25:00.009+01:00

Neil Young spielt alle Songs seines HARVEST MOON Albums allein, nur abwechselnd begleitet von Gitarre, Piano und Banjo. Obwohl hier ein bisschen getrickst wurde, denn im Gegensatz zu den bisher veröffentlichten Konzerten der Performance Series, ist DREAMIN’ MAN kein tatsächliches, komplettes Konzert, sondern wurde aus verschiedenen Auftritten seiner 92er Tour zusammengestellt und ergibt so die Songs von HARVEST MOON. Auf den ersten Blick etwas seltsam, dieses ohnehin schon sehr ruhige und behutsame Album in einer völligen Akustikversion neu aufzulegen. Aber es macht schon Sinn.

HARVEST MOON ist eines von Youngs romantischsten Alben, beschäftigt sich mit Gedanken an vergangene Zeiten und kehrt seine folkige, zarte Seite hervor. Viel Hall liegt auf der Stimme, immer wieder taucht der sehr stimmungvoll eingesetzte Backgroundchor auf, die Gitarren und Pianos klingen weich und warm, was dem Album etwas angenehm Träumerisches, manchmal sogar Entrücktes gibt. DREAMIN' MAN (das auch nicht die gleiche Songreihenfolge hat wie HARVEST MOON) hat in seiner Reduziertheit etwas sehr Privates, Intimes und Direktes. Persönlicher und näher kann Neil Young diese Lieder nicht spielen und sie klingen wohl auch am ehesten so, wie zu dem Zeitpunkt an dem sie entstanden sind.

Darüber hinaus offenbart DREAMIN’ MAN ganz nebenbei, welch großartiger Gitarrist Neil Young ist. Rhythmus, Dynamik, glasklare Breaks und Fills - alles da. Und er unterstützt mit seinem Spiel seine Singstimme auf eine Art und Weise, dass eine knisternde Stimmung entsteht. Von so einem Vortrag kann man einiges lernen. Außerdem offenbart sich, weil eben auf die Knochen reduziert, was Young größte Stärke ist – seine Intensität. Er hat sie auch mit Band, dort überdecken aber die ganzen Instrumente oft diesen darunter liegenden Kern. Hier hat man freien Blick. Neil Young berührt uns. Deshalb ist er so gut und so (ge)wichtig.

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"Another visitor... stay a while... stay forever!"

At the movies - BEFORE SUNRISE

2009-12-09T10:34:00.004+01:00

Zwei junge Leute treffen sich im Zug, unterhalten sich, steigen gemeinsam in Wien aus, laufen die ganze Nacht durch die Stadt, reden, verlieben sich und müssen sich am nächsten Morgen wieder trennen.

Richard Linklaters "Before Sunrise" ist ein wunderbares Beispiel dafür, dass Geschichten nicht kompliziert sein müssen, um unter die Haut zu gehen.
Jesse (Ethan Hawke), ein Amerikaner und Celine, (Julie Delpy) eine Französin treffen sich im Zug von Budapest nach Wien. Jesse ist auf dem Weg nach Wien, um von dort nach Hause zu fliegen, Celine eigentlich auf dem Weg nach Paris, wo sie lebt. Sie beginnen sich zu unterhalten, zuerst über ihre Familie, dann über Kindheitserinnerungen und schließlich über den Tod. Es klickt zwischen den beiden und Celine beschließt mit Jesse in Wien auszusteigen. Sein Flug geht am nächsten Morgen und da er zuwenig Geld für ein Hotel hat, wandern die beiden die ganze Nacht durch Wien und reden. Über Gott und die Welt, Männer und Frauen, Liebe, Freunde und Reinkarnation. Es sind völlig ironiefreie Gespräche und man sieht den beiden an, dass sie endlich einen Hort gefunden haben, wo sie ganz sie selbst sein können und ohne Sicherheitsnetz darüber reden können, was sie beschäftigt und berührt.
In dem Wissen, dass ihnen nichts als diese Nacht bleibt, beschließen sie, erwachsen wie sie sind, das Ganze auch wie Erwachsene zu behandeln und weder Nummern noch Adressen auszutauschen. Natürlich fliegt ihnen ihre aufgesetzte Rationalität um die Ohren.

Der Film folgt den beiden in langen, ruhigen Einstellungen, hört ihnen zu und fängt viele wunderbare kleine Momente und Wahrheiten zwischen zwei Menschen ein, die sich nach und nach ineinander verlieben. Der Nicht-Blick in der Abhörkabine eines Schallplattenladens. Das Gespräch am "Friedhof der Namenlosen" über Vergänglichkeit und Endlichkeit. Der Kuss am Riesenrad. Das fiktive Telefonat mit dem jeweils besten Freund im Cafe. Die Diskussion um Sex und seine Wichtigkeit. Die ersten Differenzen und Meinungsverschiedenheiten. Der nächste Morgen, als der Zauber wie eine Seifenblase platzt.

Es ist ein Schauspielerfilm und Ethan Hawke und Julie Delpy machen ihre Sache perfekt. Da sind zwei Menschen, wohl Mitte 20, an der Grenze zum Erwachsenwerden und sie blicken voller Hoffnung und Idealismus in die Zukunft und auf das Leben, das sie vor sich
haben. Die Welt hält tausend Überraschungen bereit und sie sind alle gut. Selbst die Liebe ist noch pur und rein.
Hawke spricht als herzensguter, in seiner bemühten Coolness oft tollpatschiger, (das Timing beim Kuss am Riesenrad ist großartig) junger Mann dem Großteil der Männer aus der Seele (selbst wenn sie es nicht zugeben wollen) und Julie Delpy gibt uns als zuckersüße, kluge und selbstbewußte Celine ein Mädl, in das man sich nur sehr schwer nicht verknallt.
Nicht nur bringen die beiden die romantischen Szenen, das Kennenlernen auf den Punkt, sondern auch die etwas unangenehmen Momente. Wie etwa den Streit um die Wahrsagerin und den Dichter und die Unsicherheit, was denn der andere jetzt über einen denken könnte. Oder die Szenen, in denen sie über die Zukunft, den nächsten Tag sprechen und wie sie dieses Thema immer wieder und immer nervöser übergehen, bis sie am nächsten Morgen hilflos, ausgeliefert und völlig überfordert am Bahnsteig stehen.

"Before Sunrise" lügt uns nicht an, weder in Bezug auf Romantik und Liebe noch in Bezug auf seine Figuren. Genauso, wie Romantik und Liebe nie perfekt sind, haben Celine und Jesse ihre Fehler und Unsicherheiten. Wie wir alle. Aber genau das macht sie für den anderen noch attraktiver.
Das ist das Außergewöhnliche und Packende an diesem Film. Er ist echt. Seine Figuren sind echt, seine Geschichte ist echt. Jesse und Celine sind Menschen aus Fleisch und Blut, die man ohne weiteres im Kaffeehaus, auf der Uni oder in der Straßenbahn treffen könnte. Sie führen Gespräche, wie wir sie alle führen. Sie haben unsere Träume, Zweifel, Ängste und Komplexe. Wahrscheinlich folgt und hört man ihnen deshalb so bereitwillig zu.
Linklater präsentiert sich mit diesem Film als scharfsinniger, sensibler Beobachter, präziser Autor und großer Romantiker. Dennoch – "Before Sunrise" könnte nicht weiter weg sein von jeglichem Kitsch.

Irgendwo in der Mitte des Films sitzen Jesse und Celine in einer Seitengasse auf einer Holzpalette und reden über Gott und Celine sagt: "Ich glaube, wenn es so etwas wie Gott gibt, dann ist er nicht in dir oder in mir, sondern in dem, was zwischen den Menschen passiert." Schön zusammengefasst und auf den Punkt gebracht.

Zur Besprechung von BEFORE SUNSET gehts hier

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"Another visitor... stay a while... stay forever!"

At the movies - BEFORE SUNSET

2009-12-09T10:04:00.005+01:00

Neun Jahre ist es her, dass sich Jesse (Ethan Hawke) und Celine (Julie Delpy) am Wiener Westbahnhof voneinander verabschiedet haben. Nun treffen sie sich wieder, allerdings weniger zufällig als beim ersten Mal. Jesse, immer noch ein Romantiker, hat ein Buch über die Nacht in Wien geschrieben und es ist zumindest so erfolgreich geworden, dass er in einem kleinen Buchladen in Paris Interviews geben darf. Celine taucht dort auf und die beiden haben eine knappe Stunde bis Jesses Flieger geht. Wieder wandern sie und reden, diesmal eben durch Paris.

In langen Einstellung und fast in Echtzeit folgt Richard Linklater den beiden durch die Parks, Cafes und Straßen und beobachtet wie sie sich betasten und abklopfen, sich necken, sarkastische Witze machen – einfach herausfinden wollen, was aus dem anderen geworden ist und wo er jetzt steht. Die Offenheit, Ironiefreiheit und der Optimismus von damals kehren erst langsam wieder zurück, obwohl man beiden ansieht, wie sehr sie sich über das Wiedersehen freuen und wie neugierig sie aufeinander sind. Erst nach und nach kommen sie zu den brennenden Fragen: Wer war damals ein halbes Jahr später in Wien, wie ausgemacht? Und was ist jetzt mit uns beiden?

Das Drehbuch hat Linklater zusammen mit Ethan Hawke und Julie Delpy entwicklt und man kommt nicht umhin, Parallelen zu echten Leben der beiden Darsteller zu finden. Ethan Hawke hat selbst zwei Bücher geschrieben und wenn Jesse über seine brach liegende Ehe spricht, merkt man, dass es von innen kommt. Hawkes Ehe mit Uma Thurman ging damals in die Brüche. "Es ist, als würde ich einen Kindergarten führen, mit jemandem, mit dem ich mal was hatte." erklärt er Celine. Es gibt kaum einen traurigeren Vergleich für das Ende einer Liebe. Julie Delpys Privatleben steht nicht so in der Öffentlicheit, doch das Celine nun Umweltaktivistin ist, entspringt einem früheren Berufswunsch Delpys und auch das sieht man ihr an.

Etwa in der Mitte des Films, gerade wenn sich beiden wieder aneinander gewöhnt haben und die Stimmung so angenehm und sympathisch wird wie früher, läuft ihnen die Zeit davon und es geht ans Eingemachte. Jesse Geständnis auf der Seine, er habe das Buch nur geschrieben, um Celine wieder zu finden, kommt so ruhig und mit soviel beiläufigem Ernst, dass keine Zweifel aufkommen. Wir sitzen in diesem Moment genauso sprachlos da wie Celine. Als er erzählt, er habe über die ganzen Jahre immer wieder geglaubt, er würde sie wo sehen, das letzte Mal auf dem Weg zu seiner Hochzeit in New York, erklärt Celine sie habe genau zu dieser Zeit in New York studiert. Und uns rutscht mit Jesse das Herz in die Hose.

Irgendwann sitzen sie im Taxi und wir sehen einen Spiegelmoment aus der Straßenbahn in Wien neun Jahre zuvor. Dort möchte Jesse Celine durchs Haar fahren während sie nicht hersieht, weil er sie berühen will. Doch kurz davor dreht sie sich zu ihm und er zuckt zurück. Jetzt sieht Jesse aus dem Fenster, erzählt offen wie unglücklich und traurig er ist und wie ausweglos ihm alles scheint. Celine möchte ihm tröstend durchs Haar fahren, doch dann dreht sich Jesse zu ihr und sie zieht die Hand zurück. In diesen zwei Szenen macht sich der Unterschied zwischen den beiden Filmen fest und sie erzählen, welche Entwicklung die beiden und auch ihre Beziehung gemacht haben. Dann fällt auch Celines Maske und wir sehen wieviel von ihrem Selbstbewusstsein und ihrer Stärke, die man vor neun Jahren noch so bewundert hat, mittlerweile zu einem Schutzwall gegen Verletzungen geworden ist.

Als sie sich zuletzt gesehen haben, waren sie jung und standen am Anfang ihres Lebens. Sie hatten Vorstellungen, Träume und Lebensentwürfe und keinen Grund sich zu fürchten, zu zweifeln oder sich vor etwas zu schützen. Jetzt haben sie ein erwachsensen Leben gelebt, haben Schrammen und Narben abbekommen und gelernt, ihre Deckung hoch zu halten. So wie wir alle. Wieviel sich unter dieser Deckung noch an Emotion und Leben verbirgt, zeigen uns Linklater, Hawke und Delpy und machen damit aus der kleinen, schönen Liebesgeschichte "Before Sunrise" in "Before Sunset" eine Geschichte über das Leben, die Liebe und die Menschen. Noch mehr als der Vorgänger besteht und lebt "Before Sunset" von Dialog, Gesten und den Dingen, die zwischen Menschen passieren. Er funktioniert als Fortsetzung deshalb so peferkt, weil er schlüsslig, ehrlich und konsequent die Geschichte seiner Figuren weitererzählt. Die Tür für weitere Kapitel, in denen sie uns mehr über Jesse und Celine und damit auch über uns selbst erzählen können, steht weit auf.

Denn es ist bei den meisten von uns wohl so, wie es Jesse am Anfang den französischen Journalisten erzählt: "In meinem Leben gab es nie Pistolen oder Hubschrauber, trotzdem kam es mir immer sehr aufregend vor."

Zur Besprechung von "BEFORE SUNRISE gehts hier

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"Another visitor... stay a while... stay forever!"

TOM WAITS - Glitter & Doom Live

2009-12-08T21:31:00.008+01:00

Es holtert und poltert, irgendetwas keucht und keift und ja, Tom Waits ist da. Immer in der Vorweihnachtszeit komme ich zu Tom Waits zurück. Seine neue Live CD läuft bei mir gerade auf Dauerrotation. "Glitter & Doom" beginnt so stark wie schon lange kein Album mehr. Drei Bluesstampfer, dann eine Ballade, gefolgt vom unheimlichen "Dirt in the ground". In der Mitte landet er im Zirkus und gibt uns seine Telefonnummer. Beeindruckend, wie die Band Waits komplexe Rhythmen und eigenwillige Sounds, die ja prädestiniert für ein Studio sind, live auf die Bühne bringt. Er selbst setzt gegenüber seinen Alben dann noch eins drauf, wenn er mit seiner Stimme rumort, brüllt, knurrt, flüstert, grummelt, die schönsten Schmalzballaden damit in die Gosse schmeißt und den Rockern etwas von einer trotzigen, alten Dampflok verleiht. Er pflegt seine Manierismen, seine Kunstfigur, weiß was die Leute von ihm hören und sehen wollen. "Ein Harlekin fürs Feuilleton" hat ihn ein Kritiker mal bezeichnet. Und einer der dich in eine eigene Welt führt – eine Welt, in der zaubernde Gaukler, betrunkene Seeleute, fahrende Sänger und einäugige Prostituierte sich mit dem Tod in einer Bar zu Jazz und Whiskey treffen. Eine Welt, in der alle Freaks und Außenseiter ihren Platz und ihre Würde haben und in Momenten sogar Trost und Romantik erfahren. Diese Welt gibt es nicht. Gut, dass er sie geschaffen hat.

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"Another visitor... stay a while... stay forever!"

TOM PETTY AND THE HEARTBREAKERS - Echo

2009-12-07T12:55:00.009+01:00

Tom Pettys Album von 1999 ist, worauf mich Kollege Innerhofer richtig hingewiesen hat, wieder rockiger, karger und kantiger als die drei Vorgängeralben und über weite Strecken von Midtemponummern und schleppenden Rythmen bevölkert. Nicht alle Songs gehören zum Einsermaterial von Tom Petty, aber er verarbeitet intensiv seine Scheidung auf vielen Liedern, da geht es halt eher zacher zu. Dafür wieder viele schöne Petty Kompositionen, "Room at the top" und "Echo" zum Beispiel oder das coole "Swinging". "I don't wanna fight" hätte auch Kurt Cobain gut gestanden. Mein Favorit ist "Accused of love", im Kern ein schnürlgrader Countrysong, den er im Refrain mit schnellen Akkordwechseln aufbricht und in eine mehrstimmige, byrdeseke Melodielinie führt. Großes Songwriting über weite Strecken, aber wegen des Tempos das er geht, zum Durchhören vielleicht drei Songs zu lang.

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"Another visitor... stay a while... stay forever!"

At the movies - THE THING CALLED LOVE

2009-12-07T12:30:00.019+01:00

THE THING CALLED LOVE ist einer von Peter Bogdanovichs größten Flops (und davon hatte er ein paar) und wird mancherorts als der schlechteste Film des Jahres 1993 bezeichnet. Bei uns kam er nie in die Kinos und eine DVD gibt es hierzulande auch nicht. Es existiert aber eine deutsche Synchro, der Beweis liegt auf einer VHS Kassette bei Opa im Keller.

Außerdem ist er warmherzig und clever erzählt, wunderbar inszeniert, sympathisch gespielt und gehört zu Bogdanovichs richtig guten Filmen. Meine Beziehung zu ihm hat in der Linzer Musikbücherei begonnen. Weil ich nämlich, wie Russel Hammond "einfach alles" an Musik liebe, ich mir dieses Alles aber nie leisten konnte, habe ich jahrelang tonnenweise CDs in der Musikbücherei entlehnt und bin so auf den Soundtrack von THE THING CALLED LOVE gestoßen. Meine erste Country-CD, die Kassette davon existiert noch und eiert mittlerweile gewaltig. Meine Eltern mussten damals das Premiere Gratismonat-Probeabo bestellen, denn THE THING CALLED LOVE lief gerade diesen Monat, was wieder zu der VHS Kassette in Opas Keller führt.

Nur mit ihrer Gitarre und einer Tasche kommt Miranda Presley (Samantha Mathis) nach Nashville. Sie will Countrymusikerin werden und quartiert sich in einem Motel gegenüber des Bluebird Cafes ein, in dem sich unzählige, hoffnungsvolle Menschen wöchentlich zu einer Open Stage treffen und um ein Engagement spielen. Dort trifft Miranda die liebenswerte, naive Linda Lue Linden (Sandra Bullock), musikalisch ein völlig hoffnungsloser Fall, den netten Kyle Davidson (Dermot Mulroney), den Bob Dylan der Truppe – talentierter Songwriter mit flacher Stimme, der leider nur jeden dritten Ton trifft - und James Wright (River Phoenix), den arroganten Rockstar, der seine Songs auch schon verkauft hat.

Zwischen den Vieren entwickelt sich ein Beziehungsgeflecht, dass Bogdanovich mit viel Gefühl und leisen Zwischentönen erzählt und in dem vorallem der Zustand des Liebens-aber-nicht-Verliebtseins viel Raum einnimmt. Die starken Schauspieler füllen diese Beziehungen mit soviel Leben und ebendiesen Zwischentönen, dass zuweilen Magie entsteht. Etwa wenn James und Miranda vom Dach des Krankenhauses der Stadt ihren trotzigen Schwur "Hello music city, here I come and I'm never leaving" entgegenbrüllen. Oder wenn Kyle Miranda im Studio seinen Song singen hört und man in seinem Gesicht sieht, wie begeistert er von ihr ist und er dabei gleichzeitig weiß, dass er sie nie kriegen wird. Oder wenn James am Ende zum ersten Mal den Schmerz spürt, den er in seinen Liedern immer besingt. Und natürlich wenn James und Miranda spontan nach Graceland fahren und im Überschwang der Gefühle mitten in der Nacht in einem Supermarkt heiraten, mit Plastikringen aus dem Kaugummiautomaten.

Darüber hinaus gelingt es dem Film, die oft geschmähte Countrymusik und das dahinter liegende Lebensgefühl als wahrhaftig und lebensnah einzufangen und darzustellen. Viele Szenen drehen sich um Songs und das Schreiben von Songs. Miranda, die nächtelang mit ihrem Notizblock im Cafe sitzt und an ihren Songs bastelt. James, der in alltäglichen Situationen Zeilen für Songs hört. Kyle, der seinen ganzen Frust und Schmerz in seine Balladen gießt und sie mit brüchiger Stimme vorträgt. James und Miranda, die auf der Ladefläche eines Pick-Ups sitzen, im Autokino "Der Mann, der Liberty Valance erschoß" sehen und einen Song über das älteste Thema der Welt improvisieren - Two guys, one girl. In einer der lustigsten Sequenzen des Films brechen Kyle und Miranda in das Auto von Countrystar Trisha Yearwood ein, um ihr ein Tape mit Kyles neuem Song ins Autoradio zu schieben. Sie werden natürlich verhaftet, doch Yearwood sieht von einer Anzeige ab, weil sie den Song haben möchte.

THE THING CALLED LOVE beschreibt Songwriting als eigene, wertvolle Kunstform und als Handwerk, das geübt werden kann. Wir begleiten Miranda und hören, wie sie ihr Talent mehr und mehr schärft, wie ihre Songs stärker und stärker werden und wie sie nach und nach immer besser auszudrücken versteht, was sie fühlt.

Wie viele andere Filme Bogdanovichs ist auch dies ein Schauspielerfilm und alle vier Hauptdarsteller liefern Performances ab, die es eigentlich nicht verdienen, vergessen zu werden. Sandra Bullock hat in ihrer Tollpatschigkeit ebenso unser Mitgefühl, wie wir mit Dermot Mulroney leiden wenn er sich in Miranda verliebt, sie aber nicht kriegen kann und sich mit seinem Schmerz in Bier und Musik flüchtet.

River Phoenix gibt seinem arroganten und selbstgefälligen James eine Selbstverständlichkeit, mit der er es schafft, uns in nur einer Szene zuerst mit seiner Großkotzigkeit abzustoßen und in der nächsten Sekunde wieder mit einem Lächeln einzuwickeln. Nur in wenigen Momenten lässt er seine Maske fallen und man sieht das unsichere, verlassene Kind in ihm, nur um sich sofort wieder hinter seiner Überheblichkeit und irgendwelchen lustigen oder verletzenden Meldungen zu verschanzen. Dass Miranda ihm verfällt ist, aber nicht bei ihm bleiben kann ist völlig klar. Phoenix spielt ihn so makellos und fließend, dass jedes Lob, das er als Schauspier bekommen hat, gerechtfertigt ist.

Samantha Mathis, aus der leider viel zu wenig geworden ist, spielt Miranda als Mädchen, in das man sich fast verlieben muss. Wie sie hoffnungsvoll und blauäuig ihre Lieder spielt und erkennt, wieviele andere gute Songwriter es gibt. Wie sie James Kontra gibt und nur deshalb für ihn interessant und ihm am Ende auch überlegen ist. Wie sie sich warmherzig um die naive Linda Lue kümmert, bis es ihr zuviel wird. Wie sie für Kyle nicht das sein kann was er sich wünscht, sie sich aber trotzdem um ihre Freundschaft bemüht. Wie sie am Ende "Maybe God's a woman too" singt und uns zeigt, dass sie trotz all den Streitereien, zerbrochenen Beziehungen und gescheiterten Karriereplänen als einzige die Hoffnung und Zuversicht nicht aufgegeben hat und allen den Atem raubt. Und dann noch dieses ansteckende Lächeln. So ist THE THING CALLED LOVE wie seine Hauptfigur Miranda Presley – nicht frei von Fehlern, aber man genießt jede Minute mit ihr.

Es gibt kaum Filme, die ich öfter gesehen habe und die näher an meinem Herzen sind. Ich habe komplette Dialogpassagen auswendig im Kopf und verwende gewisse Phrasen in meinen alltäglichen Konversationen so automatisch, dass ich oft garnicht merke, dass ich gerade THE THING CALLED LOVE zitiere. Und deshalb ist dies auch wahrscheinlich die einzige Besprechung dieses Films, in der nicht im ersten Absatz erwähnt wird, dass es River Phoenix letzter Film war.

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"Another visitor... stay a while... stay forever!"

At the movies - IS' WAS, DOC?

2009-12-07T12:30:00.016+01:00

Ich habe mich beim Schauen die ganze Zeit gefragt, warum mir die aufdringliche, völlig respekt- und grenzenlose Barbra Streisand eigentlich sympathisch ist und ich sie lustig finde. Weil sie wie Bugs Bunny ist. Bugs Bunny ist zwar ein naseweiser Quertreiber, aber wir mögen ihn, weil alle um ihn herum entweder neurotisch, vertrottelt oder verklemmt sind. Bugs bringt Leben in die Bude. Genau das tut Streisand hier auch. Sie bringt Chaos und Verwirrung und lockert so das Leben von allen, aber vorallem das von Howard Bannister (Ryan O'Neal), gehörig auf.

Der ist mit seiner nervigen Verlobten Eunice Burns (Madleine Kahn) im Bristol Hotel einquartiert, wo er als Musikologe bei einem einschlägigen Kongress teilnehmen und dort einen Geldgeber von seiner neuen, bahnbrechenden Theorie überzeugen möchte. Als Judy Maxwell (Barbra Streisand) ihn sieht, verliebt sie sich vom Fleck weg in ihn und weicht ihm nicht mehr von der Seite, bis er ihrem Charme erliegt. Gleichzeitig tummeln sich eine Menge eigenartiger Gestalten im Hotel (zum Beispiel ein Agent, der inkognito bleiben möchte und deshalb einen Sack voller Golfschläger mit sich herumträgt), die jeder hinter einer Tasche her sind. Der eine hinter einer mit geheimen Dokumenten, zwei andere hinter einer mit Juwelen.

Leider sehen nicht nur diese beiden Taschen identisch aus, sie gleichen auch der Tasche, in der Howard seine Klangsteine hat und der, in der Judy ihre Wäsche hat aufs Haar. Und so werden Taschen in einem Tempo gemopst, vertauscht und zurückgebracht, dass Mitdenken zur sportlichen Herausforderung wird. Dazwischen gehen Autos und Fensterscheiben zu Bruch und ein Hotelzimmer in Flammen auf, Judy und Howard flüchten auf einem Fahrrad in einen chinesischen Drachen und so quer durch die Stadt, bis am Ende alle in der San Francisco Bay landen.

Barbra Streisand ist nicht nur witzig, sie trägt den ganzen Film und gibt beständig das Tempo vor. Ryan O'Neal ist saukomisch als verplanter, unsicherer und etwas steifer Professor, der angesichts des Wirbelwinds Streisand an einer Stelle nur noch "Help." in die Kamera sagen kann. Der Film ist voll von weiteren Auftritten, angefangen bei Madeleine Kahn (deren Witz ich erst hier so richtig verstanden habe) über den überforderten Richter Liam Dunn bis hin zu John Hillermann, die zum Schreien sind. Nur Kenneth Mars, der hier mit der Sprache Großartiges aufführt, übertreibt es bisweilen ein wenig.

Bogdanovich hat den Film als Hommage an die Screwball Comedies der 30er Jahre intendiert und so folgt hier Witz auf Witz und Streisand und O'Neal liefern sich atemlose Wortgefechte. "What's up, doc?" war ein Hit, der zweite in Folge für Bogdanovich, obwohl er das völlige Gegenteil vom davor entstandenen und viel gepriesenen "The last picture show" ist. Wo "The last picture show" Bogdanovich heute noch Arbeit verschafft und ihm künstlerische Glaubwürdigkeit verleiht, ist "What's up, doc?" der Film, der am besten im Gedächtnis der Menschen geblieben ist. Bogdanovichs Fähigkeit, sich die Stile der großen Regisseure anzueignen (Hier Howard Hawks, bei "The last picture show" John Ford) und in ein neues Gewand zu packen, wurde hier noch bewundert und beklatscht, doch schon bald musste er sich den Vorwurf gefallen lassen, keine eigene Handschrift zu haben.

"What's up, doc?" ist ein rauschender, leichtfüßiger Spaß, auch wenn mich die zwei großen Chaosszenen - die Verfolgungsjagd und das Zerlegen des Hotelzimmers - nicht so begeistert haben wie sie es wohl eigentlich sollten. Aber mangelnde Kreativität und Phantasie kann man hier niemandem vorwerfen und ich habe angeblich sowieso ein Problem mit Komödien. That's Entertainment!

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"Another visitor... stay a while... stay forever!"

At the movies - BEWEGLICHE ZIELE

2009-12-07T12:22:00.014+01:00

Als ich klein war, gab es bei uns in der Gegend noch ein altes Autokino. Ich erinnere mich, dass mein Onkel mich an diesen faszinierenden Ort mitgenommen hat. Der weite Schotterplatz, die Metallpfosten mit den einhängbaren Lautsprechern, die große Leinwand. Bevor ich noch in einem echten Kino war, war ich in diesem halb verfallenen Autokino. Es heißt, ich hätte dort auch einen Film gesehen, aber ich kann mich nicht daran erinnern. Es wurde bald abgerissen, um einem Shoppingcenterparkplatz Platz zu machen.

Das Finale von "Bewegliche Ziele" spielt in einem Autokino. Doch nicht nur wegen meines nostalgischen Anfalls ist Peter Bogdanovichs erster Spielfilm in vielerlei Hinsicht bemerkenswert und interessant. Zunächst ist einfach eine gut erzählte, spannende Geschichte, die sich in zwei Handlungsstränge teilt, die auf den ersten Blick nichts miteinander zu tun haben.

Der eine folgt dem alternden Schauspieler Byron Orolk (Boris Karloff), der mit alten, klassischen Horrorfilmen berühmt geworden ist. Mittlerweile geht der Mann aber am Stock und will sich in die Pen sion zurückziehen. Er hat genug vom Business und hält sich für einen Anachronismus. "Die Welt gehört den Jungen" sagt er und er habe keinen Platz mehr darin. Dass Karloff sich hier, wie von Bogdanovich intendiert, zum guten Teil selbst spielt, ist nicht zu übersehen. Orlok soll einen letzten Auftritt absolvieren und bei einem Screening seines aktuellen Film in einem Autokino persönlich anwesend sein.

Der andere Handlungsstrang entspinnt sich um den jungen all american boy Bobbie Thomspson (Tim O'Kelly), der eines Tages seine Frau, seine Mutter und seinen Bruder erschießt, anschließend seine Waffensammlung einpackt und sich auf einen Gastank in der Nähe eines Highways setzt, um von dort wahllos auf Autofahrer zu schießen. Als er dort entdeckt wird, flieht in eben das Autokino, in dem Orloks Film läuft. Er klettert hinter die Leinwand und setzt dort seine Schießerei fort. Dass für diese Figur Charles Whitman, der zwei Jahre vor "Bewegliche Ziele", in Texas von einem Turm aus ziellos auf Leute schoß, Vorbild war, bräuchte Bogdanovich nicht einmal offen zugeben.

Der alte und der neue, respektive der echte und der fiktive Horror sollen sich hier gegenüber stehen. Die viktorianischen Spukhäuser und Monster aus Orloks Filmen einerseits und der kalkulierte, kaltblütige Massenmord eines Snipers andererseits. Bogdanovich greift hier auf, was Ende der 60er Jahre in der Luft lag und gibt dem Film so gesellschaftliche Relevanz. JFK war schon getötet worden, die Manson Familie und Altamont sollten kurz darauf ebenso folgen, wie die Morde an Robert Kennedy und Martin Luther King. Was dem Film auch Probleme einbrachte, da das Studio aufgrund der aktuellen Ereignisse davor zurückschreckte, einen Film über einen Heckenschützen ins Kino zu bringen.

Orlok spürt, dass sich die Zeiten ändern und er mit seiner Kunst nicht dazu passt. In einer Szene zeigt er seinem Regisseur eine Schlagzeile über sechs Jugendliche, die in einem Supermarkt getötet wurden und meint, dass seine Filme dagegen lächerlich wirken. Obwohl der Film sie nicht diskutiert, wirft er auch die immer wiederkehrende Frage danach auf, ob die Kunst das Leben oder das Leben die Kunst imitiert. Und diese Frage wird ja auch immer gern mit der alten Diskussion, ob Horrorfilme für tatsächliche Gewalttaten verantwortlich gemacht werden können, in Verbindung gebracht.

An einer anderen Stelle erzählt Orlok eine Gruselgeschichte. Es ist eine von diesen Geschichten, die man am Abend auf der Bettkante erzählt und Karloff ist beeindruckend in dieser Szene. Er vereint den ganzen Charme seiner Figur mit ihrer Verlorenheit und Einsamkeit in dieser einen langen Einstellung. Dann folgt der Cut zu Bobby, der völlig wahllos auf Autofahrer schießt und der Film hat seinen Punkt gemacht.

Warum Bobby tut was er tut, bleibt unklar. Wir bekommen Einblicke in sein Leben und seine Famile und können, wenn wir wollen, etwaige Anhaltspunkte für seine Taten finden, aber dann auch wieder nicht. Er ist attraktiv, beliebt und lächelt ein breites Zahnpastalächeln, fühlt sich aber trotzdem irgendwie unwohl und unzufrieden. Er lebt in einer typischen Vorstadt in einem kleinen Haus mit weißem Gartenzaun. Seine Frau ist hübsch und sympathisch. Als er mit ihr über seine eigenartigen Gedanken reden will, hat sie keine Zeit für ihn, weil sie in die Arbeit muss. Als sie allerdings wieder heim kommt, fragt sie ihn, ob er jetzt reden wolle. Bobby verneint. Seine Vater nimmt ihn mit zu Jagen und Dosenschießen, trichtert ihm aber dennoch den verantwortungvollen Umgang mit der Waffe ein. Beim Essen fragen alle höflich nach seiner Arbeit, in der es ihm gut geht, aber jeder redet jedem dazwischen, niemand hört so richtig zu. Eher eine Familie wie viele andere, als ein Brutstätte für Psychopathen.

Antworten und Erklärungen enthält uns der Film vor und warum auch nicht? Wer kann schon wirklich erklären, warum ein Mensch, wie eben Charles Whitman, seine Familie tötet, sie anschließend schön im Bett plaziert, um den entstandenen Schmutz zu beseitigen, nur um dann auf Zivilisten zu schießen? Der durchdachte und geplante Ablauf, die ruhige Vorbereitung und vorallem das gefließentliche Aufräumen nach dem Mord gehören zu den befremdlichsten Momenten im Film.

In Auftrag gegeben wurde "Targets" von Roger Corman, der Bogdanovich folgenden Deal angeboten haben muss: Er, Corman, habe 20 Minuten eines alten Karloff-Films, die Bogdanovich verwende solle. Zusätzlich schulde Boris Karloff ihm zwei Tage Arbeit, in denen Bogdanovich nochmal 20 Minuten mit Karloff drehen könne. Dann bekäme er noch eine Woche für 40 Minuten von irgendetwas anderem. Kostenpunkt 125.000 Dollar, Boganovich solle sich etwas überlegen. Dass dabei etwas herausgekommen ist, ist schon bemerkenswert genug. Dass es darüber hinaus ein Film mit gesellschaftlich relevanten Fragen geworden ist, in dem der alte Boris Karloff einige wunderbare Auftritte bekommt, zeugt von einem Talent, dass Bogdanovich erst später so richtig auspielen wird.

Er läßt auch hier schon Themen und Elemente einfließen, die in vielen seiner späteren Filme wieder auftauchen werden. Seine Affinität zu langen Einstellungen zum Beispiel oder seine prinzipielle Liebe zum Kino, vorallem zum alten, großen Hollywoodkino. Nicht nur spielt er den jungen Regisseur, der mit dem alten Star zusammenarbeitet selbst. Während eines Gesprächs mit Orlok entdeckt er im Fernsehen einen alten Howard Hawks Film und ist gebannt, unfähig die Konversation weiterzuführen. "Howard Hawks directed this" meint er ehrfürchtig. "He sure knew how to tell a story." Auch die Idee, alles in einem Autokino enden zu lassen, passt zu Bogdanovich.

Wenn ich heute die Sequenz im Autokino sehe, in der Bogdanovich das Kino als Erlebnis zelebriert, indem er uns lange zeigt wie der Ticketschalter aufsperrt, die Scheinwerfer gerichtet werden, langsam die Zuschauer kommen und sich der Popcornstand bevölkert, der Filmvorführer die Projektoren putzt und die Filmrolle einlegt - dann geht es mir ein bisschen wie Orlok. Heute gibt es Multiplexe, Blu-Ray Homecinemas und Kino ist kein Erlebnis mehr sondern höchstens ein Event.

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At the movies - PAPER MOON

2009-11-28T21:03:00.007+01:00

PAPER MOON erzählt charmant und sehr unsentimental die Geschichte von dem Trickbetrüger Moses, der nach dem Tod der Mutter der 11-jährigen Abbie das Mädchen zu ihren nächsten Verwandten mitnehmen soll. Das ist ihm allerdings eher unrecht, weil er ja nur kurz bei der Beerdigung vorbeischauen wollte. Da die Beziehung zwischen Moses und Abbies Mutter wohl von sehr kurzer Dauer war, bleibt auch den ganzen Film unbeanwortet, ob das Mädchen seine Tochter ist oder nicht. Klar wird nur, dass er das eher nicht will, es aber nicht genau weiß und Abbie nach und nach lieb gewinnt, während das Mädchen sich es immer mehr wünscht und bei ihm bleiben möchte. Doch beide halten mit diesen Gefühlen füreinander sehr hinter dem Berg und betonen immer wieder ihre Zweckgemeinschaft. Und so fahren sie durch das Amerika der 1930er Jahre, die Zeit der großen Depression, und ergaunern sich durch Bibelverkäufe und Wechselbetrügereien ihr Geld, flüchten trickreich vor der Polizei und irgendwann muss Abbie sogar eine unliebsame Liebschaft, und damit Nebenbuhlerin, von Moses loswerden, was einen ausgeklügelten Plan erfordert. Mit der Zeit werden die beiden ein immer besseres Team, vorallem weil Abbie bei den ganzen Betrügereien ihren kindlichen Charme genau einzusetzen weiß.

Tolle Schwarz-Weiß Kinobilder, originelle Geschichte, starke Darsteller - PAPER MOON für mich ein kleiner Schatz von einem Film. Die große Show ist Tatum O'Neal als Abbie, die 1973 dafür auch den Oscar als beste Nebendarstellerin bekommen hat. Er fällt in die paar Jahre im Arbeitsleben von Regisseur Peter Bogdanovich, in denen er ein paar Hits am Stück hatte und als ein wichtiger Vertreter des New Hollywood galt. Und vorallem kommt der Film leise, leicht und ohne große Geste daher, was ihm umso mehr Kraft verleiht und so noch sympathischer macht.
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SCARLETT JOHANSSON - Anywhere I lay my head

2009-11-28T20:42:00.012+01:00

Eine typische producer's record, bei der die am Cover genannte Künstlerin mit dem was man hört recht wenig zu tun hat. David Andrew Sitek - von TV ON THE RADIO - hat das Album produziert und verwendet diese Möglichkeit, um Songs von Tom Waits ein neues Gewand zu verpassen. Aus den rumpeligen Bluesheulern werden hier traumartig-fließende, mit viel Hall, Streichern, Glöckchen, Sounds, Verzerrern und Keyboards versehene Soundteppiche. Johanssons etwas flache Stimme passt da gut dazu und wird auch als Teil des ganzen Klanges betrachtet und genau so eingesetzt.

Ein spannendes Album ist es auf jeden Fall, sowohl als Bearbeitung der Musik von Tom Waits (weil es völlig weggeht vom typischen Waits Sound und klassischen Waits Elementen) als auch vom kreativen Standpunkt. Was sich Sitek hier an Klang hat einfallen lassen ist beeindruckend und voller schöner Momente. Es ist aber sicher nicht jedermanns Sache. Bei mir hat es ein wenig gedauert bis es begonnen hat mich anzuziehen.
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OASIS - Heathen Chemistry

2009-11-09T19:03:00.008+01:00

"Die neuen Status Quo"

"I get up - when I'm down
I can't swim - but my soul won't drown" (The Hindu Times)

"Take what you need and be on your way
And stop crying your heart out" (Stop crying your heart out)
Die Lobeshymnen waren 2002 sowieso schon lang verklungen und auch der Spott hatte sich in Luft aufgelöst. Und auf einmal stehen Oasis mit einem neuen Album vor der Tür. Keiner hat damit gerechnet und keiner drauf gewartet. Außer denen für die es gemacht ist. Oasis haben nach all den Turbulenzen ihre fixe Fanbasis, die die Musik mag, ihre Alben kauft und zu den Konzerten geht no matter what. Für die machen Oasis ihre Musik. "Heathen Chemistry" präsentiert sie, frei von Hype, Größenwahn und Neid als das was sie sind. Eine sehr gute Rockband. Nicht mehr und nicht weniger.
Vor der "Standing on the shoulder of giants"-Tour hatte sich ein Line-up Wechsel vollzogen. Bassist Guigsy und Gitarrist Bonehead waren ausgestiegen und wurden durch Gem Archer und Andy Bell ersetzt. Wieso ist das in einem "Noel Gallagher mit Liam und Musikern"-Projekt wichtig? Weil die beiden selbst Songs schreiben können und Noel Gallagher wußte, dass ihm seine eigenen und auch die Ideen anderer Leute langsam ausgehen. Deshalb lässt er diesmal auch die anderen Bandmitglieder ran. Mit "Heathen Chemistry" präsentiert sich Oasis also zum ersten Mal als echte Band. Klingen tut es immer noch wie ein Oasis Album, Neuerungen gibt es keine. Oasis machen wieder sturen, mindless Oasis Rock'n'Roll. 10 Songs, 41 Minuten, 7 Rocker, 3 Balladen. Eine runde Sache.
Noel Gallagher kann uns wieder zum Singen bringen und haut uns seinen besten Song seit "Don't look back in anger" vor die Füße – "Stop crying your heart out". Das Lied hätte mehr Applaus und Aufmerksamkeit verdient, als es gekriegt hat. "Little by little" ist Noels drittes "Don't look back in anger" und hat den besten Südkurvenrefrain seit ebendiesem.
Die größte Überraschung ist aber Liam. Eigentlich hatte ihm ja die ganze Welt nach "Little James" geraten, das Schreiben bleiben zu lassen. Es hat sich allerdings ausgezahlt, dass er so von sich selbst eingenommen ist. Drei Songs sind von ihm, von denen "Songbird" am hellsten strahlt. Liam als Folk-Pop Simplizissimus. Akustikgitarre, 2 Akkorde, 2:08. Einer der schönsten Oasis Songs.
"Standing on the shoulder of giants" ist vielleicht interessanter als sein Nachfolger, aber "Heathen Chemistry" zeigt Oasis entspannter und als Band, die sich und ihre Musik wieder im Griff hat. Man könnte fast sagen versöhnlich und im Frieden mit sich selbst und ihrer Vergangenheit. Außerdem zeigen sie Humor. So wurde Gem Archer's "Hung in a bad place" für eine BH-Werbung verkauft (Bis jetzt das einzige Mal, das Oasis ihre Musik für Werbung hergegeben haben).
Trotzdem wirkt „Standing on the shoulder of giants“ nachhaltiger und ist auch mehr in Erinnerung geblieben, wohl wegen seiner doch zum Teil vorhandenen Tiefe, in der es Einblicke in die Seele der Band gewährt, während „Heathen Chemistry“ nur im Moment existiert.

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"Another visitor... stay a while... stay forever!"

OASIS - Standing on the shoulder of giants

2009-11-09T19:00:00.007+01:00

"Der Absturz"

"These are the best songs I could come up with" (Noel Gallagher)

"And I'm not sure,
if it'll ever ever ever work out right" (Sunday morning call)

"If there's a God would he give another chancer,
an hour to sing for his soul" (Gas Panic!)

"Where did it all go wrong?"

Sie ließen sich nach ihrem Schiffbruch (für Oasis Verhältnisse. "Be Here Now" hat sich trotz alledem verkauft wie warme Semmeln und wurde nach einiger Zeit sogar sehr wohlwollend aufgenommen. Aber dass der Oasiskreuzer damit Leck geschlagen hatte, wurden sie nie wieder los) offenbar genug Zeit, um mit "SOTSOG" wieder auf Nummer 1 einzusteigen (so wie bisher jedes Oasis Album in Großbritannien). Dennoch begann das neue Jahrtausend für die Band mit ihrem wahrscheinlich schlechtesten Album.

Das Cover. Ein Blick aus großer Höhe, mit großer Distanz auf eine Großstadt am Abend, viele kühle, düstere Farben. Die Musik ist ebenso. Schwerfällig und nicht mal wuchtig, zähe Melodien, düstere, depressive Stimmung. Erschreckend schwache Songs. Der Albumtitel zitiert die Prägung auf einer englischen Münze – leider falsch.
Bezeichnenderweise ist dies das erste Album, auf dem Noel Gallagher nicht alle Songs geschrieben hat. Liams erster Songwritingcredit im Oasiskatalog ist ein peinliches Kinderlied und heißt "Little James". Noels Songs fehlen die Idee und der Funke, sie wirken müde, uninspiriert und werden schnell langweilig. Einfach schlechte Kopien seiner eigenen Sachen. Auch geklaut hat Noel schon mal besser, wie zum Beispiel hier beim "Roadhouse Blues" der Doors. Das Outfit der Band, die damals ständig in schwarz und hochgeschlossen rumlief, passte dazu.

Aber einige Lichtblicke und zwar sehr interessante gibt es doch, wenn man noch einmal hinhört. "Go let it out" und "Who feels love" sind an manchen Tagen richtig gut. Aber eben nur an manchen. Großartig sind dafür "Gas Panic!", "Where did it all go wrong?" und "Sunday Morning Call". Es zeigt sich, dass Noel Gallagher sehr wohl Texte schreiben kann, zur Selbstkritik fähig ist und auch durchaus in der Lage, die Welt und seine Rolle darin zu reflektieren.
Es sind seine dunkelsten Texte. Von einer Familie die ihm fremd ist, von Feinden die seinen Namen kennen, von Panik und Geistern, Stimmen im Kopf, toten Augen, gekauften Freunden und dem Preis, den man dafür zahlen muss, dem Morgen nach dem Kokainrausch und der Angst, dass das alles nie wieder gut wird.
Aber auch sonst wird da und dort Neues ausprobiert. Das Fundament für die Songs ist diesmal der Bass, wenige Akkordwechsel und die auf "Be Here Now" begonnenen Soundspielchen werden hier weiter ausgebaut. Ein sehr psychedelisches und irgendwie sehnsüchtiges Album ist es damit geworden.

Bei der anschließenden Tour hatte Noel die Band kurz vorher wegen Streitigkeiten verlassen. Für ihn spielte ein lust- und kraftloser Ersatzmann in einer lust- und kraftlosen Band. Liam war mehr damit beschäftigt das Publikum blöd anzureden, den Mittelfinger rumzuzeigen und Bierbecher ins Publikum zurückzukicken, als zu singen.
Sehr traurig das alles und bezeichnend für den Zustand der Band zu dieser Zeit.
Das danach noch irgendetwas kommen würde, hat keiner mehr geglaubt.

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"Another visitor... stay a while... stay forever!"

OASIS - Be here now

2009-11-09T18:46:00.008+01:00

"Steine auf den Gipfel legen"

"An extraordinary guy can never have an ordinary day" (Magic Pie)

"Into my big mouth you could fly a plane" (My big mouth)

"This album was like, five guys in a studio, high on coke, not giving a shit" (Noel Gallagher)

Das dritte Album. Das große Statement sollte es werden. Der Titel war aus einem Interview mit dem großen John Lennon entliehen, Tony Blair war einige Monate vorher zum Premierminister gewählt worden und englischer Pop regierte die Welt. Hochstimmung im Königreich also. Der Release Tag, Donnerstag der 21. August 1997, wurde beworben, als wär es der neue Nationalfeiertag.
Wir waren in London, eine Woche vor Release und saßen im Virgin Megastore in der Oxford Street am Boden und hörten das Album als es zum ersten Mal öffentlich gespielt wurde. Da fiel uns schon auf, dass wir sehr lange saßen.

"Be Here Now" ist ein Monstrum. 71 Minuten, aufgeblasen, größenwahnsinnig, bis oben voll mit Koks. Oasis wollen die Zukunft erfinden und den Britpop retten. Oder umgekehrt? Egal, noch eine Gitarrenspur drüber, nochmal den Refrain, bis alle singen und keiner mehr kann. Ständig ist was los. "Be here now" ist überproduziert, dass es einen erschlägt. Die Texte bleiben unkommentiert, weil großkotzig und größtenteils schwachsinnig. Kein Song dauert unter 4:30, bis auf zwei sind alle zwischen 5 und 9 Minuten lang, mit Ideen, die für 3 Minuten gerade gereicht hätten.
So hoch oben am Berg ist die Luft dünn und wenn man dann noch höher will, wird es zu dünn zum Singen. Was vor Energie strotzen soll, wirkt kraftlos.

Dennoch ist "Be Here Now" nicht so schlecht wie sein Ruf. Nach den ersten beiden Alben noch einen draufsetzen war rückblickend fast unmöglich und doch hatten viele darauf gehofft oder es geradezu erwartet. Als Songwriter hatte Noel Gallagher zu diesem Zeitpunkt jedenfalls seinen Zenit erreicht.
Hört man die Songs aber einzeln, merkt man, wie gut viele eigentlich sind und wieviele Ideen da drin stecken. Auf "Fade In/Out" probieren sie den Blues und Johnny Depp spielt Gitarre. "My big mouth", "It's getting better, man", "I hope, I think, I know" und "Be here now" rocken wie Oasis an ihren, wenn schon nicht besten, dann guten Tagen. "Magic Pie" ist eine der spannendsten Melodien des Oasis Universums, aber auch der dümmlichste Text und "Stand by me" schlicht ein gestandener Hit. Außerdem finden sich zum ersten Mal einige Soundspielereien auf einem Oasis Album und mit "Don't go away" versteckt sich eine wunderschöne und zu unrecht wenig beachtete Oasis-Ballade darauf.

"Be Here Now" hätte groß werden können, wäre es nur kürzer und etwas weniger gewesen.
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"Another visitor... stay a while... stay forever!"

OASIS - (What's the story) Morning Glory

2009-11-09T18:15:00.007+01:00

"Der Gipfel"

"Please don't put your life in the hand of a rock'n'roll band,
who'll throw it all away" (Don't look back in anger)

"'Definitely Maybe' was about wanting to be a Rock'n'Roll Star. 'Morning Glory' is about actually being one." (Noel Gallagher)

Oasis' Zweitling, der gleich ein Jahr nach dem Debüt erschien, hat ihnen ihren "Platz in der Geschichte" (Noel Gallagher im Musikexpress) und ihr finanzielles Auskommen bis ans Lebensende gesichert. Und sie außerdem berühmt gemacht. Sogar meine Eltern kennen die Gallaghers. Zum Vergleich, Michael Stipe kennen sie nicht.

Es ist das mit Abstand beste Album der Band. Bessere Songs als der Vorgänger, vielseitiger und immer noch die gleiche Energie und Attitude. Aber auch nachdenklicher.
"Cast no shadow", geschrieben für Richard Ashcroft, beschreibt die Innenwelt eines Songwriters, Dichters oder einfach Geschichtenerzählers.
"Champagne Supernova", ein 7–Minuten Epos, ist ebenso eine Reflektion über Ruhm wie völlig bedeutungsloser, sich reimender Nonsens. "Wonderwall" kennt jeder und wird man immer singen, obwohl keiner so genau weiß, was es eigentlich ist. "She's electric" und "Hey Now" zeigen, was noch drinnen gewesen wäre. "Hello", "Some might say" und "Roll with it" sind klassischer, großkotziger Oasis-Rock'n'Roll. "Don't look back in anger" ist bis heute Noel Gallaghers bester Song.

Ein großartiges Album fürs Ego. Perfekt zum Schreien und Singen, Tanzen und Springen, Aufwachen und Einschlafen, Fortgehen und Erwachsen werden, Trinken und auf der Gitarre nachspielen, Umfallen und immer wieder Aufstehen. Und eine große Songwritinglektion noch dazu.

"(What's the story) Morning Glory" findet sich auf jeder Liste der wichtigsten und besten Alben der 90er Jahre. Und jeder Mensch der Rockmusik mag, kommt an den ersten beiden Oasis Platten nicht vorbei. Sie sind der Grund weswegen man der Band bis heute verzeiht, dass sie seitdem nichts mehr auch nur annähernd so Gutes zustandegebracht hat.

Zwei Alben völlig ohne Ausfall und die gleichwertigen Single B-Seiten sind noch gar nicht erwähnt. Drei Jahre lang surfte Noel Gallagher auf einer Welle der Unfehlbarkeit.

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"Another visitor... stay a while... stay forever!"

OASIS - Definitely Maybe

2009-11-09T18:00:00.007+01:00

"Der Aufstieg"

Journalist: "How would you describe your music?"
Noel Gallagher: "It's drunken guitar pop."

"We see things they'll never see" (Live Forever)

"Der Hunger" hätte auch als Überschrift gepasst. Oder "Sturm und Drang". Das Oasis-Debüt von 1994 ist purer Rock'n'Roll. Gitarre eingestöpselt, Fuß aufs Verzerrerpedal und ab.
Tony McCarroll trommelt 11 Songs lang denselben Rhythmus durch (weil er nicht mehr konnte), Liam Gallagher singt, schreit und quäkt ("snarling" nennen die Engländer das) als ginge es um die Ewigkeit und Noel schüttelt eine Hymne nach der anderen aus dem Ärmel. Auch wenn er sich dabei völlig respektlos bei der ganzen Rockmusikgeschichte bedient, sind seine Sachen meist um Häuser besser, als die derer von denen er klaut.

Außerdem hatten Oasis damals noch diese unwiderstehliche attitude, dieses alles-scheißegal Ding, die Arroganz der Gosse (wie auch die erste Oasis Biographie so schön heißt), waren echte, ehrliche lads, Helden der Arbeiterklasse. Was sie sich bis heute bewahrt haben, aber mittlerweile sehr aufgesetzt wirkt.

Alles an diesem Album treibt. Größer. Höher. Weiter. Mehr. Raus hier. Rauf in den Himmel. Rock'n'Roll Star werden. Being Supersonic. Ewig leben. Zigaretten und Alkohol und mit einem Kater aufwachen. Und alle singen mit. Geht auch gar nicht anders bei diesen Melodien. Man geht einfach viel selbstsicherer die Straße runter, wenn man Oasis im Walkman hat.

Und so unbedingt wie sie das alles wollten, war alles was danach kam eigentlich kein Wunder mehr.

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"Another visitor... stay a while... stay forever!"

CROSBY, STILLS & NASH - Crosby, Stills & Nash

2009-11-08T11:30:00.011+01:00

Weil ich nach dem letzten Eintrag die Platte wieder rausgeholt habe, ein paar Worte zu Crosby, Stills & Nash.

Das Debütalbum der drei ist in gewisser Weise ein Monolith. Ein Megaseller, Wegweiser für viele andere, exemplarisches Beispiel für Ort an dem es entstanden ist und Kind einer Umbruchszeit, aufgenommen von einer Band, die sich aus drei Rockstars zusammensetzt. Nebenbei ein großes Songwriteralbum und Zeugnis davon, wie ernst das Songwriting als Kunst einmal genommen und welche Qualität darin erreicht wurde.

CSN verdienen das Label "Supergroup". David Crosby war bei den Byrds, Graham Nash bei den Hollies und Stephen Stills bei Buffalo Springfield. Dort zusammen mit Neil Young, der später dazu stoßen und die Band zu Crosy, Stills, Nash & Young erweitern sollte. Wobei sich er und Stills schon bei Buffalo Springfield nicht leiden konnten. Aber Karrieredenken war damals - und vorallem in der California Songwriter und West Coast Rock Szene, in der Crosby eine Zeit lang der Dreh- und Angelpunkt war und Leute wie Jackson Browne, die Eagles und Linda Ronstadt dort einführte - stark verbreitet.

"Crosby, Stills & Nash" erschien 1969 und verkaufte sich so gut, dass sie als einzige den Beatles Konkurrenz machen konnten. Die Band spielte im selben Jahr, schon mit Neil Young, bei Woodstock. Inhaltlich und musikalisch markierte die Platte allerdings einen Scheideweg. Woodstock, oft als Höhpunkt der Hippiebewegung gefeiert war in Wahrheit wohl eher das letzte Aufbäumen. Der politsche Protest und der die Gesellschaft verändern wollende Freiheitsdrang war verpufft, im Drogenrausch und freier Liebe verloren gegangen.

CSNs Musik ist introspektiv und zurückhaltend. "Hippie backporch music" nennt Barney Hoskins das in seinem Buch "Hotel California" und trifft es damit recht gut (siehe Albumcover). Viel Akustikgitarren, stark vom Folk beeinflusste, über alle Maßen melodieselige Songs und haufenweise mehrstimmger Gesang, den Crosby bei den Byrds lange Jahre geübt hatte. Die Konzentration liegt auf dem Song, wenig technische Spielereien oder irgendwelche Posen. Der Inhalt, die Sustanz sollten hier zählen. Viel Percussion, wenig echtes Schlagzeug und wenn dann sehr zurückhaltend aufgenommen. Ein warmer, runder Sound - vorallem bei den E-Gitarren - der für die 70er Jahre dann typisch wurde. Insofern war diese Platte Vorbote und Einfluss.

In den Texten geht es viel um Persönliches, die Zeit des Rückzugs aus dem öffentlichen, politschen Protest hatte begonnen. Draußen in der Welt überschlugen sich die Ereignisse und die Hippies merkten, dass sie die Welt doch nicht so verändern konnten wie gedacht. Der Vietnamkrieg ging weiter, zwei Kennedys und Martin Luther King wurden ebenso erschossen wie demonstrierende Studenten und beim berüchtigten Rolling Stones Konzert in Altamont wurde ein Besucher von den als Securitys fungierenden Hells Angels getötet. Ende der 60er brach die Welle.

Hinübergerettet auf dieses Album, das den Umruch schön markiert, haben sich das Antikriegslied "Wooden Ships" und "Long time gone", ein Song über Martin Luther King und der einzige, der anders gespielt ein Rocksong sein könnte. Der Vortrag ist durchwegs ruhig und entspannt, die Sonne und das Lebensgefühl Kaliforniens haben Spuren hinterlassen. Das einzige Feuer das hier entfacht werden soll ist das Lagerfeuer, an dem man gemütlich beisammen sitzt. Das Psychedelische der Byrds findet sich hier in Ansätzen wieder, kommt aber eher spirituell-verträumt daher, wie in "Guinnevere" oder vereinzelten indischen Klängen.

Beeindruckend ist immer noch die Komplexität, die die drei hier zustande bringen ohne dabei anstrengend oder verkopft zu wirken. Der Satz "Bei den Großen wirkt alles immer leicht" stimmt hier. Eingängige, aber nie platte Melodien, gefinkelter und vielschichtiger Harmoniegesang und vorallem ein Album voller Grower und ohne Ausfälle. Man wird bei jedem Anhören wieder etwas finden, das man vorher nicht mitbekommen hat. Wenn einem die offensichtlichen Hits wie "Marrakesh Express" oder "Wooden Ships" einmal angesprungen sind, fällt einem später das Kleinod "Helplessly Hoping" auf oder der siebenminütige Opener "Suite: Judy Blue Eyes" offenbart sich endlich.

Spannend ist wie so eine Platte in Amerika damals 4fach Platin (der Nachfolger sogar 7fach Platin) einfahren konnte. Würde sie heute erscheinen würde man sie zwar als tolles Album loben, sie würde aber wohl über Indiekreise nicht hinauskommen. Ich vermute eine Bright Eyes oder Ryan Adams ähnliche Aufmerksamkeit würde der Band zuteil. Im Mainstreamformatradio und der großen Öffentlichkeit (CSN haben bei der Tour damals Hallen mit abertausenden Leuten gefüllt) würde sie aber nie landen. Die Namen werden beim Erfolg geholfen haben, auch die perfektionistische Arbeitsweise (so locker die Musik auch klingt, dem Zufall wurde hier nichts überlassen), trotzdem war es wohl noch eine Zeit in der die Latte, sowohl bei Künstlern als auch bei Publikum, höher lag.

Aber eben auch eine Umbruchzeit. Jackson Browne und die Eagles haben danach einige sehr gute Platten gemacht, den Ruf und die Musik der Kalifornienszene weitergetragen und erhöht, sind aber mit der Zeit und zunehmendem Megaerfolg bald in Formatballade erstarrt.

Crosby, Stills und Nash (und Young) haben sich während der Aufnahmen zum zweiten Album vollends zerstritten und Platte plus Tour nur mit viel Mühe und Kokain zuende gebracht. Über die Jahrzehnte haben sie sich immer wieder in verschiedenen Kombinationen zusammengetan und dürften sich heute gut vertragen (das Alter macht ja milde), aber die Magie liegt hier, auf diesem Album.

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"Another visitor... stay a while... stay forever!"

MONSTERS OF FOLK - Monster of Folk

2009-11-04T08:10:00.011+01:00

Wenn sich Supergroups bilden, deutet dass gerne mal darauf hin, dass bald die Luft draußen sein könnte. Vorallem wenn die Supergroups immer unsuperer werden - jetzt im Sinne von Megastars-die-sich-zusammen-tun. AUDIOSLAVE waren ja vorher schon dicke Rockstars. Die RACONTEURS oder DEAD WEATHER (wobei Zweitere mir ja um Hausecken lieber sind als Audioslave und die Raconteurs zusammen) hatten mit Jack White halt einen Großen und andere, die zumindest schon ein paar Jahre unterwegs und zum Teil in Magazinen aufgetaucht sind.

Für mich ist es Grund zur Vorfreude, wenn sich Conor Oberst und Mike Mogis von BRIGHT EYES mit M. WARD zusammentun. Jim James von MY MORNING JACKET noch dazu, die mir zwar weitgehend egal sind, mich aber auch nicht stören. Super ist diese Truppe insofern, als dass sich hier ein Großteil des Indie-Alternative-Folk-Rock Talents (welche ein spontan kreiertes Genre, hui) bündelt. Große Stars und Powerseller sind sie weniger, Conor Oberst noch am ehersten. Aber ich glaube denen, dass sie Freunde sind und deshalb jetzt dieses Album gemacht haben, immerhin sind sie schon vor Jahren gemeinsam aufgetreten, bevor sie jemand kannte. Dennoch frage ich mich, wie lange man im Indiebereich noch so tun will, als würde man anders funktionieren als der sogenannte Mainstream.

Aber jetzt die Platte. Die ist nämlich schon schön. Jeder der drei Songwriter hat fünf Songs beigesteuert, Mike Mogis agiert als Multiintrumentalist, Arrangeur und wohl so was wie Produzent. Es ist sympathisch, dass sich die drei ihre besten Songs nicht für die eigenen Platten aufgehoben haben. Kaum Ausschußware hier, aber auch keine Wunder. Man weiß ja welche Songs die Typen schreiben können. Jim James verzichtet auf den halligen, weiten Sound der MY MORNING JACKET Alben und ist für meine Ohren jetzt auch anhörbar. Sie teilen sich auch die Leadvocals gut auf. Nicht nur zwischen sondern auch während der Songs. Wehrmutstropfen sind zu einem die 15 Songs, dass sind halt gut drei zuviel. Und ausgerechnet M. Ward, der ja seit geraumer Zeit in meinem Heldenpantheon eingezogen ist enttäuscht mich ein wenig. Er nimmt sich nämlich genauso auf wie auf seinen Alben. Dort funktioniert dieser altmodische, warme Echosound als Konzept. Hier wirkt es wie ein Gimmick – quasi um sicher zu stellen, dass man es auch als M. Ward Song erkennt.

Überhaupt kann man die einzelnen Songs sehr leicht den jeweiligen Schreibern zuordnen. Find ich ein bisschen schade, da wäre mehr Kollaboration fein gewesen und mehr Ausflüge in unbekanntere Gefilde, wie zum Beispiel beim elektropoppigen "Dear God". Denn wie sie einzeln klingen, wissen wir eh.

Ein bisschen wie das "Weiße Album" der BEATLES also – super Einzelkünstler, aber als Ganzes nicht der große Wurf.

P.S.: Das sie sich auf den Promofotos ein wenig wie CROSBY, STILLS & NASH inszenieren ist auch passend. Die waren ja in den 60ern und 70ern auch DIE Folk-Rock Supergroup und tatsächliche Megaseller.

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"Another visitor... stay a while... stay forever!"

Neue Musik aus Betty's Apartment!

2009-11-03T14:23:00.005+01:00

Ich kann und darf mit Stolz und Freude verkünden - für alle Fans da draußen gibt einen neuen Song von Betty's Apartment der durch Netz schwirrt. Er heißt "The last part" und ist auf Nolabel und MySpace zu hören. Einfach auf die Links klicken. Nebst meiner Wenigkeit sind darauf Lena Scheibner am Gesang zu hören und Christian Wimmer an der E-Gitarre!

Viel Spaß!

Und übrigens - am 6.11. spielen wir in neuer Besetzung im Rockhouse bei Local Heroes. Vorbeischauen lohnt sich und wer Karten will - bei mir melden!
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"Another visitor... stay a while... stay forever!"

THE CLASH - "The Clash"

2009-10-18T10:55:00.006+02:00

Gar nicht mal so rotzig wie ich es in Erinnerung hatte. Aber immer noch sehr roh, räudig ("Londons Burning" hui!) und gerade in die Fresse. Ein klassisches Punkalbum aus 77. Meiner Meinung nach gibts da eh nur zwei. Politisch, wütend, direkt, aggressiv und schnörkellos. Nicht so haltbar und großartig wie "London Calling" später, aber schon verspielter als die Sex Pistols zum Beispiel je waren. "I'm so bored with the USA" und "White Riot" sind Hymnen fürwahr und kicken bis heute. "Garageland" deutet die Songwritingqualitäten schon an, die sich später noch gewaltig entwickeln würden. Und ich für mich hab gerade "What's my name" neu entdeckt. Das Gitarrenriff am Anfang deutet ja auch schon über den sturen Punk hinaus.

So eine Energie haben sie später nie wieder hingebracht. Die geht manchmal richtig durch mit ihnen. Manchmal ist so eine Platte überlebenswichtig, vergesst das nicht.

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"Another visitor... stay a while... stay forever!"

Rocko Schamoni - "Dorfpunks"

2009-10-18T10:39:00.003+02:00

Rocko Schamoni erzählt uns seine Jugend als Punk in der Provinz. Schmalestedt heißt das Dorf in dem er lebt und aufwächst, das ist in Schleswig-Holstein. Irgendwann, mit Jahren Verspätung, kommt der Punk ins Dorf und begeistert den Rocko halt total.
Eigentlich hat das Buch nix mit Punk sein an sich zu tun. Schamoni nimmt die eigene, zur Schau getragene Attitüde selbstironisch aufs Korn. Es ist eine Geschichte über die Pubertät. Über das Suchen seiner Identität, seiner Grenzen und seines Platzes in der Welt, was sich ja immer irgendwie mit dem unbedingten Bedürfnis zu rebellieren verbindet. Für Schamoni war halt der Punk die Plattform, über die er es ausgetragen hat.

Die Geschichten sind zum Teil grob und zum anderen sehr mitfühlend, fast zärtlich, wenn es zum Beispiel um die Liebe geht. Immer sehr witzig, selbstkritisch, ein wenig ironisch und vorallem ehrlich. Man wird sich selbst wiederfinden in diesem Buch, denn wir alle hatten diese Zeit. Vielleicht haben wir keine Hühner gejagt oder uns Nadeln durch die Wange gestochen, aber im Großen und Ganzen wird uns das bekannt vorkommen.

Ich find am besten, wie er die Entwicklung nachzeichnet, die wir hin zum Erwachsen werden machen. Wie die Liebe und Zweisamkeit langsam die Punkgruppe auflöst, was er, der da etwas später dran ist, nicht verstehen kann. Sie hatten doch eine Plan, wollten anders leben und jetzt gehen alle an die Liebe verloren. Bis er sich selbst verliebt und feststellt, dass es das war, was er immer gesucht. Das Gefühl zu Hause zu sein.

Ganz am Ende, nach bestandener Abschlussprüfung, ist er dann endlich das was er als Punk immer sein wollte und wofür er so gekämpft hat - Frei und selbstbestimmt. Und längst kein Punk mehr.

Kluges Buch. Und so kurzweilig. Ich habs an einem Tag gelesen.

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RAY CHARLES - "The Genius hits the road"

2009-10-18T10:06:00.006+02:00

Oh yeah, diese Stimme. Obwohl - Ray Charles kennt man ja. Vielleicht so gut und so oft gehört, dass einem nicht mehr auffällt wie gut das alles ist. Voll und ein bisschen rauchig-heiser und jeder Ton sitzt, er kann gefühlvoll singen und ordentlich rocken. Und das beste – er strengt sich dabei kaum an. Zumindst klingts nicht so.

"The Genius hits the road" ist sowas wie ein Konzeptalbum bevor es das überhaupt gab. 1960 haben die Beatles noch im Kaiserkeller auf der Reeperbahn gespielt und Ray Charles gecovert. "Sgt. Pepper" kam erst 67.
Alle Songs haben eine amerikanische Stadt oder einen Bundessaat im Titel, Ray reist also durch das Land und besingt alles von Küste zu Küste, was damals als schwarzer Künstler wohl außergewöhnlicher war, als es heute anmutet.
Auf "The Genius hits the road" sind nicht mehr nur Soul Balladen und R&B Rocker drauf wie auf seinen früheren Atlantic Aufnahmen, sondern auch Big Band und Streicher. Und natürlich die wichtigen Frauenchöre. Super! "Georgia on my mind" kennt man eh. "New York's my home" und "Deep in the heart of Texas" sind auch noch zu empfehlen.

Wie gut gehts einem wenn man Ray Charles hört!

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PORT O'BRIEN - "Threadbare"

2009-10-13T20:33:00.009+02:00

"Threadbare" ist ein großes Klagelied. Der Bruder von Sängerin Cambria Goodwin hatte während der Aufnahmen einen tödlichen Unfall und der Verlust schwebt über dem Album. Fast alle ihre Songs sind sphärisch entrückt und klagend repetativ. Manche wollen ein zweigeteiltes Album hören - Goodwins Songs, die den Tod des Bruders verarbeiten und die Songs von Van Pierszalowski, der weiter, wie auf "All we could do was sing", eingängige Indie-Folk-Rocksongs schreibt.
Doch ich finde es passt alles zusammen und der Titel wie die Faust aufs Auge. "Threadbare" heißt "zerschlissen" oder "abgenutzt" und nach einem Jahr voller Albumpromo, Konzertmarathon und veritablem Indiefame hört man auch Van Pierszalowskis Liedern eine gewisse Müdigkeit an.

"All we could do was sing" ist einen angesprungen. Alle Instrumente und Stimmen waren in der Vordergrund gemischt, das Albumartwork eine scharfkantige Zeichung einer Holzhütte mit groß und grob hingekritzelten Album- und Songtiteln darüber, die Songs mit Druck, Hunger und Energie gespeilt. "Threadbare" zeigt weichgezeichnete Fotos undefinierbarer Landschaften und eine Brücke, die fast zur Gänze im Nebel verschwindet. Die Schriften sind in nüchternem Schreibmaschinenstil gehalten und klein geschrieben, das Booklet schwarzer Text auf weißem Grund. Weit weniger als früher kommt die E-Gitarre zum Einsatz (die auf "All we could do was sing" öfter drauf waren als man sich gemerkt hat), Stimmen und Instrumente (vorzugsweise akustische) sind mit Raum und Hall belegt, klingen wärmer als früher und scheinen aus der Ferne zu kommen.

"All we could do was sing" ist wohl die bessere Platte, dafür erzeugt "Threadbare" auf mich einen größeren Sog. Ich finde das Album faszinierender als den Vorgänger. Klar, es ist zu lang, gerade Goodwins Stücke halten bis zum Schluss nicht das Niveau. Aber Perfektion war schon immer langweilig. Port O'Brien haben sich verändert. Vor einem Jahr haben sie Pubhymnen geschrieben und sich der Welt an den Hals geworfen. Und jetzt hat der Tod, oder sagen wir mal die andere Seite des Lebens bei ihnen Einzug gehalten. Ich kenne diese Menschen ja nur über ihre Musik, aber wie oft hört man schon soviel Menschlichkeit und Sehnsucht nach besseren Zeiten auf Platte?

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"Another visitor... stay a while... stay forever!"

Ah One Two Three Four!

2009-07-11T22:24:00.003+02:00

Going down to Vienna county
Me and my brother on the 5th of July
Going down to Vienna city
We got 200€, we wanna rock all night

Eine gute Woche ist es her seit Flo und ich bei Bruce Springsteen im Prater...äh...Ernst-Happel Stadion zu Wien waren. Und jetzt bin ich mit meinem kleinen Konzertbericht tatsächlich auf der offiziellen Springsteen Website gelandet. Hier klicken, dann grauer Kasten rechts unter dem Foto. Look for my name!

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"Another visitor... stay a while... stay forever!"

Da geht was!

2009-07-08T09:51:00.006+02:00

Nach meiner viermonatigen Studie in Regungslosigkeit und aufgrund mahnender Worte von Kollege Genzel bin ich zu dem Ergebnis gekommen, dass sich mal wieder was bewegen muss und deshalb sei hierorts wieder gebloggt. Der Zeitpunkt ist auch gut gewählt denn es gibt neue Musik:

Zum einen zwei neue Unglaublichkeiten von Knutsch & Knuff - "Down by the lowlights" und "Die rechte Hand". Hört sie hier!

Zum anderen meine "neue", "zweite" Band Follow Them To The Edge Of The Desert, die jetzt endlich eine Myspace Seite hat. Dort findet man drei schöne Bootlegs von unserem Konzert im Urbankeller.

Und beim Springsteen war ich auch am Sonntag - eine gute Entscheidung, aber dazu in Bälde etwas mehr.

Schönen Tag einstweilen!

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BON IVER - For Emma, Forever Ago

2008-11-21T11:11:00.003+01:00

Ein bärtiger Hinterwäldler, der sich 4 Monate mit seiner Klampfe und Equipment in einer Holzhütte im Wald eingeperrt hat. Kein Wunder, dass mir das gefällt.
Eine Kerze anzünden und sich eine halbe Stunde Zeit nehmen.
Hier eine Hörprobe - Viel Spass!

BON IVER - Skinny Love

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"Another visitor... stay a while... stay forever!"

Günther Brenner rettet mir den Tag!

2008-11-01T11:21:00.001+01:00

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Kunst zur Finanzkrise

2008-10-31T08:51:00.012+01:00

Ein Gedicht

Wenn die Börsenkurse fallen,
regt sich Kummer fast bei allen,
aber manche blühen auf:
Ihr Rezept heißt Leerverkauf.

Keck verhökern diese Knaben
Dinge, die sie gar nicht haben,
treten selbst den Absturz los,
den sie brauchen - echt famos!

Leichter noch bei solchen Taten
tun sie sich mit Derivaten:
Wenn Papier den Wert frisiert,
wird die Wirkung potenziert.

Wenn in Folge Banken krachen,
haben Sparer nichts zu lachen,
und die Hypothek aufs Haus
heißt, Bewohner müssen raus.

Trifft's hingegen große Banken,
kommt die ganze Welt ins Wanken -
auch die Spekulantenbrut
zittert jetzt um Hab und Gut!

Soll man das System gefährden?
Da muss eingeschritten werden:
Der Gewinn, der bleibt privat,
die Verluste kauft der Staat.

Dazu braucht der Staat Kredite,
und das bringt erneut Profite,
hat man doch in jenem Land
die Regierung in der Hand.

Für die Zechen dieser Frechen
hat der Kleine Mann zu blechen
und - das ist das Feine ja -
nicht nur in Amerika!

Und wenn Kurse wieder steigen,
fängt von vorne an der Reigen -
ist halt Umverteilung pur,
stets in eine Richtung nur.

Aber sollten sich die Massen
das mal nimmer bieten lassen,
ist der Ausweg längst bedacht:
Dann wird bisschen Krieg gemacht.

- Kurt Tucholsky, 1930, veröffentlicht in "Die Weltbühne"

Ein Film

WALL STREET von Oliver Stone aus dem Jahre 1987. Charlie Sheen geht als junger Broker Bud Fox dem schleimigen Überbösewichtspekulanten Gordon Gekko (Michael Douglas) auf den Leim, der die Firma seines Vaters erst billig übernimmt, dann die Belegschaft kürzt und sie am Ende gesundgeschrumpft in kleinen Teilen zu gutem Gewinn ausverkauft.

Die Preisfrage stellt Fox Gekko am Ende: "Wieviel ist genug?" Und Gekko hat keine Antwort. Also antwortet er mit Ausflüchten, erzählt wieviel Geld er schon verdient hat und dass das Geld ja nicht beliebig vermehrt werden kann, sondern immer gleich viel Geld in der Welt ist und dass es sich eben nur umverteilt. Zum einen eine sehr zynische Betrachtungsweise, weil sich das Geld ja nur in eine, nämlich seine Richtung umverteilt und damit anderen fehlt. Und zum anderen nicht wahr, weil diese ganzen Blasen, die an der Börse gemacht werden, keinen realen Gegenwert mehr haben - es ist Geld das es tatsächlich nicht gibt. Nur mehr Zahlen auf einem Konto. (Wer, wie ich, nie so recht verstanden hat, wie Kurse manipuliert werden können, kann sich in WALL STREET übrigens weiterbilden).

Das Konzept "Genug" gibt es in dieser Welt nicht. Es geht ums spekulieren, spielen und gewinnen. Wenn Fox zu erklären versucht, dass an der Firma seines Vaters Jobs, Pensionen und Existenzen hängen, meint Gekko: "Es geht nur um die Kohle." Alles ist Geschäft, alles Ware - völlig entkoppelt von dem was dahinter steht, was diese Ware, dieses Geschäft in der Wirklichkeit bedeutet.

Hierzu passt auch die schöne Aussage vom Nestle Chef Peter Brabeck in WE FEED THE WORLD zum Thema Wasser:

"Also Wasser ist natürlich das wichtigste Rohmaterial, das wir heute noch auf der Welt haben. Es geht darum, ob wir die normale Wasserversorgung der Bevölkerung privatisieren oder nicht. Und da gibt es zwei verschiedene Anschauungen. Die eine Anschauung – extrem, würde ich sagen – wird von einigen, von den NGOs vertreten, die darauf pochen, dass Wasser zu einem öffentlichen Recht erklärt wird. Das heisst, als Mensch sollen Sie einfach das Recht haben, Wasser zu haben. Das ist die eine Extremlösung. Und die andere, die sagt, Wasser ist ein Lebensmittel; so wie jedes andere Lebensmittel sollte das einen Marktwert haben."

(Im nächsten Satz zählt er dann auf, wievielen Menschen sein Konzern Arbeit gibt und zeigt stolz ein Video über seine Fabriken, die fast keine Menschen mehr brauchen, weil alles robotisiert ist.)

Doch auch Brabeck ist nur Teil des Systems. Das bringt mich wieder zu Oliver Stone und seinem Film über Präsident Richard Nixon. Darin diskutiert Nixon mit einer jungen Friedensaktivistin über den Vietnamkrieg. Sie sind sich einig, dass keiner diesen Krieg mehr will, doch der Präsident kann nichts tun, um ihn zu beenden. Das System würde ihn auswechseln, würde er es versuchen. Er könne das System nicht ändern, sondern höchstens zähmen. Darauf meint das Mädchen: "Das klingt als würden sie von einem wilden Tier sprechen."

In einer Wirtschaftswelt, in der die Profitmaximierung die oberste Direktive ist, würde jeder, der etwas daran ändern wollte, ausgewechselt. Im sehr guten Buch und Film BLACKBOX BRD wird die Geschichte von Alfred Herrhausen erzählt, Vorstandvorsitzeder der Deutschen Bank und in der 1980er Jahren einer der einflussreichsten Wirtschafter und Finanzmanager Europas. Er setzte sich bereits Mitte der 80er Jahre für eine Entschuldung der Dritten Welt ein. Hätte ihn die RAF nicht 1989 mit einer Autobombe getötet, wäre Herrhausen kurz darauf entlassen worden. Das System hätte ihn ausgewechselt, weil er der Profitmaximierung im Weg stand.

Geschichten und Filme aus den 80er Jahren, als die Börse schon einmal zusammengekracht ist, dann die Erfahrungen aus der DotCom Blase um den Jahrtausendwechsel und noch viel schlimmer, ein Gedicht aus 1930. Wir haben es nicht nur schon lange, sondern eigentlich schon immer gewusst. Aber wer aus der Geschichte nichts lernt, muss sie eben wiederholen. Das sieht man auch an anderen Ereignissen in unserer derzeitigen Politik.

Michael Douglas erzählt in einem Interview zu WALL STREET, dass er über die Jahre viele Leute getroffen habe, die ihm für Gordon Gekko gedankt haben. Wegen ihm seien sie an die Börse gegangen. Als er ihnen dann gesagt hat, er sei der Bösewicht gewesen, er hätte nichts Gutes getan, war die Antwort: "I don't care."

Es sind immer die Dummen, die man am meisten fürchten muss.
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"Another visitor... stay a while... stay forever!"

Oiso I find des witzig!

2008-10-05T19:55:00.002+02:00

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"Another visitor... stay a while... stay forever!"

THE GASLIGHT ANTHEM – The 59 Sound

2008-09-06T12:31:00.006+02:00

Springsteen-Punk nennt VISIONS das. Was ja beides darauf hindeutet, dass es eine schnürlgrade Angelegenheit sein dürfte. Musikalisch kommt das tatsächlich vom melodischen Punkrock dazu eine starken Brise klassischer Rock. Vielleicht mag man sich Social Distortion ohne Drogen, Dreck und Grind als Orientierung nehmen. Die Bilder, Geschichten und Romanatizismen, das Wehmütige und Sehnsüchtige kommt von Bruce Springsteen. Es beginnt mit den "greatest expectations" und endet mit einem Roadtrip am Rücksitz. Dazwischen werden die Counting Crows, Tom Petty, Miles Davis und natürlich der Boss zitiert und diverse Träume und Hoffnungen beschwört, die mit Autos, Freiheit und Liebe zu tun haben.

Ein schönes end-of-summer Album und nach The Hold Steady's "Stay positive" die nächste große amerikanische Rockplatte. Anscheinend schwingt das Pendel langsam wieder zurück - weg von England, in dem der ironische Indiepostpunk langsam in sich selbst erstickt, hin zum ironiefreien Amerika mit seinen Alltagsgeschichten und seinem larger-than-life Sound. Die Texte erzählen die Wahrheit und die Musik lässt einen tanzen und ebendiese für eine Albumlänge wenn schon nicht vergessen, dann zumindest ertragen. So kann der Rock'n'Roll seine Versprechen halten - mehr kann man von ihm nicht verlangen und passieren tut das eh viel zu selten.

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"Another visitor... stay a while... stay forever!"

THE HOLD STEADY - Stay positive

2008-07-24T08:58:00.020+02:00

Eine dieser Platten die einen voll oder gar nicht berühren. So manchen wird das Breitbeinige und Kraftmeierische dieser Songs abstoßen, andere werden diesem Rock’n’Roll Sturm verfallen.

Das vierte Album von The Hold Steady ist eine durch und durch amerikanische Platte. Die Wurzeln liegen im klassischen Rock und Punk amerikanischer Ausprägung und hier vorallem Hüsker Dü und eigentlich dem Gesamtwerk von Bob Mould, dem Sänger Craig Finn auch stimmlich recht nahe kommt. Der Sound kommt mit dem typischen, nicht vorhandenen, amerikanischen Understatement daher - wuchtig, breit und episch - unterfüttert mit einem Klavier, das man sonst nur von Roy Bittan auf Springsteen Alben kennt und das alles rausreißt, sobald das Songwriting etwas zu klassisch wird. Die Geschichten, die uns The Hold Steady erzählen sind tief amerikanische - mit Bildern von Minenarbeitern und staubigen, verlorenen Wüstenstädten, wo Wünsche, Träume und Hoffnungen nur so sprießen, weil einem das Land soviel zu wünschen, träumen und hoffen übrig lässt. Die Menschen irren ziellos durch die Welt und ihr Leben, stolpern durch gewalttätige Parties, kleben in disfunktionalen Beziehungen fest und haben alle schon bessere Zeiten gesehen. Sämtliche Gestalten auf diesem Album sind gescheitert, bluten, leiden und einige trinken, um das alles zu betäuben.

Der Opener "Constructive Summer" funktioniert als Blaupause. Ein mitreißendes Rockstück, in dem sich die Hackler auf den Sommer freuen, in dem sie endlich etwas schaffen wollen, eine gigantische Leiter in den Himmel bauen möchten, die aber dann doch nur bis auf das Dach des Wasserturms reicht, wo sie sitzen, trinken und Rocksongs mitgröhlen:

We're gonna build something this summer

Let this be our annual reminder

That we can all be something bigger

The Hold Steady belassen es bei der Möglichkeit. Man könnte, doch man kann nicht. Man wüsste auch nicht wie. Die Welt, wie sie hier beschrieben wird, ist keine feine, doch die Hoffnung geben all die Charaktere auf "Stay positive" nie auf. Sie beten, lieben, singen ihre Singalong Songs und trinken am Ende auf "Saint Joe Strummer/he might have been our only decent teacher".

Die Band macht klar, dass es immer genau so ist und war - wir leben unsere Träume, Sehnsüchte und Wünsche in der Musik aus und der Rock'n'Roll kann alle seine Versprechen halten - über die Länge eines Songs und im besten Falle über die Länge einer Platte wie "Stay positive".

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"Another visitor... stay a while... stay forever!"

Knutsch & Knuff

2008-02-13T16:41:00.004+01:00

Während ich fleißig an neuen Betty's Apartment Songs bastle, entstehen, so quasi als Ausgleich, diverse Lieder mit meinem musiklischen Nebenprojekt "Knutsch & Knuff" bestehend aus dem rockigsten Rocksänger Salzburgs, Robert Innerhofer, und mir. Worauf ein paar Einträge weiter unten eh schon hingewiesen wurde. Da wir jetzt auch im FM4 Soundpark vertreten sind und man sowieso nie genug Werbung für guten Stoff machen kann, geht es hier zur Soundparkseite und dem Download von "Da Terror is in Österreich".

Weitere Songs von uns gibts auf der Knutsch & Knuff Myspace Seite und bald auf der ersten K&K EP! Seid gespannt!

Beim Protestsongcontest sind Knutsch & Knuff zwar nicht ins Finale gekommen, aber im Soundpark kann uns FM4 nicht ablehnen. Sowas nennt man subversiv!
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"Another visitor... stay a while... stay forever!"

Da Terror is in Österreich

2008-01-06T21:40:00.002+01:00

Leute hört her!

Ich hab mein neues Audiointerface, dass ich zur Sponsion gekriegt habe und mit dem ich jetzt alles aufnehmen kann, was ich daheim so an Musik mache, angeworfen und zusammen mit Robi, dem rockigsten Rocksänger Salzburgs (seine Band ROTZ sei hiermit empfohlen und hier angehört) als "Knutsch & Knuff" unseren Beitrag zum heurigen FM4 Protestsongwettbewerb aufgenommen - "Da Terror is in Österreich" heißt der Song und zu hören gibts ihn hier

Vü Spass!
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"Another visitor... stay a while... stay forever!"

Was war eigentlich so schlimm an der DDR?

2007-10-02T10:18:00.002+02:00

Ich hab geträumt. Von Erich Honecker. Und das ging so.

Ich sitze in einem Büroraum, eher eng, an einem Tisch. Mir gegenüber der ehemalige DDR Staatsratsvorsitzende Erich Honecker. Rund um uns herum Aktenschränke bis an die Decke. An dem Schrank links von mir steht mein guter Freund, der Resch, und sortiert irgendwelche Akten.
Honecker sieht mich an und sagt: "Nun, sagen sie mir mal, was so schlecht war an unserem System? Was war so schlimm an meinem Staat?"
Ich überlege nicht lange und sage: "Naja, erstmal hat sich das Ganze als historischer Fehler entpuppt. Das System hat nicht überlebt, weil es nicht funktionierte. Das hat die Geschichte gezeigt."
Erich wedelt mit dem Finger und meint: "Das ist kein gültiges Argument. Weil hinterher ist man immer gescheiter. Sie müssen das aus der Zeit betrachten, damals, welche Grundlagen für eine Meinung und Entscheidung wir damals hatten. Was war also aus der Zeit gesehen so schlimm an der DDR?"
Da brauch ich auch nicht lange und antworte: "Den Leuten ging es nicht gut, sie waren unfrei, wurden unterdrückt und bespitzelt, es gab Repressionen."
Erich schüttelt den Kopf: "Auch kein gültiges Argument. Repressionen gibts in jedem System. Das können sie der DDR nicht vorhalten."
Links von mir meldet sich plötzlich der Resch und murmelt ohne sich umzudrehen: "Er hat Recht. Repressionen gibts in jedem System." und sortiert weiter Akten. Und ich sitz da und kein neues Argument fällt mir ein.

Dann bin ich aufgewacht.
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Schatzkisten

2007-09-12T15:18:00.002+02:00

Gestern ist Joe Zawinul gestorben. Wer ihn nicht kennt, braucht nicht weit zu gehen, um die wichtigsten Eckdaten seiner Biographie zu finden. In Wien geboren, Keyboarder und Komponist und 1959 nach Amerika gegangen, wo er zusammen mit Jazzgrößen wie Miles Davis, Wayne Shorter und Herbie Hancock (und anderen) den Fusion Jazz und Rock Jazz entscheidend mitprägte und entwickelte. Was um so beeindruckender ist, da er weiß und Europäer war. In den Siebzigern gründete er zuammen mit Saxophonist Wayne Shorter dann die Band Weather Report. Einige Hits hatte er auch, "Birdland" zum Beispiel oder sein erster "Mercy Mercy Mercy", heute ein Souljazz Standard.

"Heavy Weather", das angeblich beste Weather Report Album, ist die erste Jazz CD die ich jemals hatte, mit 13 oder 14 oder so. Ich hab damals viel Zeit bei meinen Onkel Richard verbracht, selbst Musiker und der einzige in unserer Familie, der so musikfanatisch ist wie ich. Er hat damals viel Jazz gehört, wollte mir den auch mittels Walter Richard Langers wirklich sehr informativen Radiosendungen und eigenen Erzähungen näher bringen. Ich erinnere mich an Pat Metheny und John McLoughlin, zwei schwer fitte Jazzgitarristen und mir natürlich viel zu steil. Zu der Zeit gabs in meinem Walkman Nirvana, Pearl Jam, Springsteen und Bon Jovi. Als letztes hat er mir "Weather Report" vorgespielt und "Heavy Weather" empfohlen. Und die mochte ich. Damals schon. Weil ich keine Ahnung hatte, was die da machen. Sowas hatte ich noch nie gehört und es unterschied sich gewaltig von meinem üblichen Musikgeschmack.

Gestern hab ich "Heavy Weather" wieder angehört und es war alles wieder da. Die Erinnerung an die alte Wohnung meines Onkels, in der ich mich immer sehr wohl gefühlt habe, wohl auch weil ständig irgendwo Musik her kam. Das meiste davon kannte ich nicht, geschweige denn, dass ich es auch nur annähernd begriff und trotzdem oder gerade deswegen war es so ungeheur spannend. Es war ein Gefühl, dass ich immer noch habe, wenn ich neue Musik in die Hand bekomme - es ist wie eine Schatzkiste zu öffnen. Was mag da drin sein? Juwelen? Welche Farbe haben die? Wer hatte die schon in der Hand? Oder sind es doch nur alte Zeitungen?
An all das erinnert mich "Heavy Weather". Vielleicht sollte ich es öfter anhören.
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At the movies - ICH, EIN GROUPIE

2007-09-12T08:42:00.016+02:00

“It’s closer to your sensibilities.” Mit diesen Worten, mit denen schon Stanley Kubrick „A.I.“ an Steven Spielberg übergab, vertraut mir Kollege Genzel den 5. Teil der Ingrid Steeger Retrospektive an, „Ich – Ein Groupie“. Wohl meint er, dass ich als Musiker mehr über Groupies und das Leben im Zeichen des Rock’n’Roll sagen kann. Doch selbst jemand wie ich, der die Mötley Crüe Autobiographie „The Dirt“ zu seinen Top 5 Büchern zählt, kann von dem Film noch etwas lernen.

Am Anfang herrscht noch business as usual. Die blutjunge und unschuldige Vicky (Ingrid Steeger) lustwandelt im Swingin’ London der 60er durch den Hyde Park, stößt dort inmitten von Bäumen und Wiesen auf eine vollelektrisch performende Rockband und kann sich nicht mehr losreißen. Als Rocker weiß man natürlich, dass man sich nur eine Gitarre umzuschnallen und in ein Mikrophon zu plärren braucht und schon fallen einem die Mädchen um den Hals. Und weil der Leadsänger ganz offenbar ein echter Rocker ist, nimmt er Vicky auch postwendend mit in die Kommune, wo er sie mit ihrem ersten Joint gefügig macht. High werden ist nämlich was Gutes und Alkohol macht ohnehin dumm, erklärt er ihr. Die Drogen wirken schnell und die beiden stürzen sich in den gerade beginnenden monogamen Gruppensex. Jeder vögelt im selben Bett, aber jeder bleibt bei seinem Partner. Tauschvorschläge werden entrüstet abgewehrt. Das wäre ja auch unanständig.

Am nächsten Tag natürlich die Frage, die jeder Rockstar kennt: „Liebst du mich?“ Der Leadsänger windet sich raus, haut nach Berlin ab und lässt Vicky sitzen, der Schuft. Die lässt sich jedoch nicht so einfach abwimmeln und bricht zusammen mit ihrer Groupielehrerin Vivian auf, um ihren Sänger zu suchen. Leider reicht das Geld nur bis Amsterdam. Doch die nächste Band ist schnell aufgegabelt, der billige Stoff schnell gekauft und ab geht es ins bürgerliche Zürich. „Dort kann man die besten Geschäfte machen.“ weiß Mentorin Vivian. Den Shit schnell ins Höschen gesteckt und am trotteligen Schweizer Zoll vorbeigeschmuggelt und fürwahr - der Deal ist dort schnell gemacht und eine Jugendclubband, die den beiden für eine Nacht eine Bleibe verschafft, findet sich auch hier schnell (alle Bands spielen übrigens den selben psychedelischen Bluesrock und ich glaube, es ist sogar der selbe Song. Eine versteckte Kritik an der Konservativität des Rock’n’Roll?). Hier kommen Vicky ihre in Amsterdam erlernten Skills zugute, hatte doch der dortige Sexualpartner von ihr verlangt „ihn in den Mund zu nehmen“. Und Vicky lernt schnell. Dem Züricher Drummer wird gleich während des Auftritts auf der Bühne der Marsch geblasen (Uff, ist der bemüht). Die Aftershowparty findet dann in Form einer FKK Grillerei im Wald statt, wo Vicky auch dann ein ganz freies und spirituelles Naturverbundenheitserlebnis hat – sie badet nackt im See. So stellen sich Spießer wohl das Rock’n’Roll Leben vor. Doch wie es der Teufel so will, fahren in dem Moment ausgerechnet die Hells Angels auf ihren Motorrädern vor und die sind ja nicht erst seit Altamont als eher rüde Burschen bekannt. Warum die Burschen Hakenkreuzschleifen am Oberarm tragen wird nicht näher erläutert, vielleicht soll es einfach ihr Bösentum unterstreichen. Jedenfalls wird Vicky brutal aus dem See geschleift, da hat Sich-wehren keinen Sinn. Hier wartet eine Lektion auf uns – wenn man nur genug körperlichen Druck ausübt und lange genug mit seinem Motorrad durch die Gegend fährt, werden alle Groupies zahm.

War der Film bis hierher kurzweiliger und aufgrund seiner dilettantischen Machart unterhaltsamer Blödsinn, der mit nackter Haut Zuseher ziehen will, wird er ab hier zum Ärgernis, weil er beginnt sich ernst zu nehmen. Die dunklen Seiten des Groupielebens wollen beleuchten werden und die Moralkeule schwingt gar heftig. Die Drogen werden härter, die Trips schlimmer, der Sex bleibt nicht nur wahllos, sondern wird auch immer mehr Mittel zum Zweck und Heroin macht trotzdem immer noch in erster Linie geil und nicht etwa high oder gar tot.

Am Ende will Vicky endlich aus dem Teufelskreis ausbrechen und läuft im Drogenrausch nackt auf die Straße, um viele, viele Ecken und dann prompt vor ein Auto. Wenn sie dann unbekleidet und im eigenen Blut tot auf der Straße liegt, ist die Botschaft ist klar. Rock’n’Roll führt zu Drogen, Promiskuität, Kriminalität, Abhängigkeit und konsequenterweise in den Tod. Groupies sind Schmarotzer, die für Geld, Drogen oder ein Dach über dem Kopf mit allen Männern schlafen.

Ansonsten ist halt das übliche zu bemängeln: Die Schauspieler bewegen sich holprig und sagen ihre Texte auf, das Drehbuch ist voll von Hörspieldialogen, die dir alles erklären, was ohnehin im Bild zu sehen ist, die Figuren sind immer und überall willig und die Inszenierung und Ausstattung bemühen auch jedes letzte Klischee über den Rock’n’Roll und die 60er, das man nur haben kann, wenn man nie dabei war.

Als Film ist „Ich - ein Groupie“ also eine Vorgabe, im Kontext der Zeit gesehen, in der er entstanden ist, wird er schon interessanter. Zum einen sollen nämlich mit dem Tabubruch (nackte Haut und dargestellter Sex) die Menschen provoziert und ins Kino gezogen werden, zu anderen distanziert sich der Film nicht nur von den Taten seiner Protagonisten, nein, er bestraft sie auch noch dafür. Der tatsächlich gezeigte Tabubruch beschränkt sich meist auf nackte Menschen und wenn schon Sex, dann ist nur die Missionarstellung erlaubt. Im Kern also gutbürgerlich, spießig und unschuldig, ganz im Sinne seiner Zeit.

Die wichtigste Lektion aus „Ich – ein Groupie“: Das Beste an solchen Filmen sind Genzels Rezensionen. Und die findet man hier auf seinem Blog "Wilsons Dachboden".

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Friendly Fire

2007-08-02T13:02:00.002+02:00

Eine tolle Geschichte. Pat Tillman, NFL Footballspieler mit Millionenvertrag, meldet sich 2002 bei der Armee, um sein Land Amerika im Kampf gegen den Terror zu unterstützen. 2004 wird er bei einem Gefecht mit Al-Kaida Einheiten getötet.
Die amerikanische Regierung und die NFL haben einen Kriegshelden und Tillman wird prompt für mehrere militärische Auszeichnungen vorgeschlagen. Ellis Paul schreibt ein Lied über ihn ("Kiss the sun" - Text hier zum lesen), in dem er ihn als einfachen, amerikanischen Patrioten präsentiert, der Geld und Sicherheit zurückließ, um für sein Land zu kämpfen. Wahrscheinlich war Pat Tillman genau das, ein einfacher Amerikaner, der seinen Beitrag leisten wollte. Und wahrscheinlich glaubte er auch an sein Land und den Grund für den Krieg. Er war nicht der einzige der in die Irre geführt wurde. Am Ende des Songs fragt Ellis Paul, selbst immer gegen den Krieg, nur "Fighting an oilman's war, is that Pat Tillman died for?".

Als wäre diese Geschichte nicht schon tragisch genug, sind jetzt Berichte aufgetaucht, die das Ganze in ein anderes Licht rücken. Pat Tillman starb wohl nicht als Held im Kampf gegen die Al-Kaida, sondern wurde von "friendly fire", also Schüsse von eigenen Soldaten, unabsichtlich in den Kopf getroffen. Doch das Pentagon und das Militär brauchten einen Helden in einem unpopulären Krieg, da kam Pat Tillman als bekanntes Gesicht gerade recht. Und so wurden Berichte gefälscht, Beweise verbrannt und die öffentliche Version des Heldentods gestrickt, die übrigens auch Tillmans Familie so verkauft wurde. Der komplette Bericht der Washington Post ist hier zum Nachlesen. Und auf sport.orf.at (wahrscheinlich dorthin gerutscht weil er Football spielte?) gibt es eine Zusammenfassung.

Ist irgendwer schockiert? Wohl kaum. Sind doch alles Geschichten, die wir kennen oder? So jedenfalls dachte ich es mir, bis ich mich fragte woher ich diese Geschichten kannte. Aus Filmen wie "Wag the dog" zum Beispiel. Das war aber erfunden. Fiktion. Oder aus sämtlichen Büchern und Filmen von Michael Moore. Der wurde ja immer als spekulativ abgetan. Hat da die Realität die Fiktion eingeholt? Oder ist die Realität immer schlimmer, als alles was sich jemand ausdenken kann? Kann uns so eine Sauerei nicht mehr berühren, weil wir eh schon fiktive Geschichten kennen, die genau so laufen? Ich erschrecke manchmal, was so alles passiert und von den Menschen mit einem besserwisserischen "eh klar, hamma eh gewusst" schulterzuckend abgetan wird.
Und jetzt kann man mit Ellis Paul noch vehementer fragen: Is that what Pat Tillman died for?
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Nachrufe

2007-07-05T15:24:00.002+02:00

Ich hab schon immer gerne und mit viel Interesse Nachrufe gelesen. Meist von Menschen bzw. Künstlern, die ich nicht oder kaum kannte. Weil, von den Leuten, die ich kenne, deren Karriere/Werk ich verfolgt habe, weiß ich eh alles. Und jedes Mal beim Nachruf lesen hat mich ein etwas schlechtes Gewissen beschlichen, so nach dem Motto "Jetz wo er tot is, interessiert dich für ihn, vorher net."
Das ist, glaube ich, eine menschliche Reaktion. Wir erkennen den Wert von Dingen erst wenn sie nicht mehr da sind. So erfahren auch viele Künstler erst die gebührende Anerkennung, wenn sie nicht mehr am Leben sind und nichts mehr davon haben. Was manchmal schräge Blüten treibt, wenn sich Menschen in ihrer Trauer und ihrer Erinnerung an den Verstorbenen selbst inszenieren, so passiert bei Notorious B.I.G.

Doch ich will woanders hin. Denn Nachrufe haben einen Vorteil. Sie fassen zusammen und selektieren. Das Lebenswerk eines Künstlers zu überschauen ist fast unmöglich. Jeder hat so seinen Liebling, dessen Werk und Karriere er verfolgt, aber alles im Blick zu haben ist unmöglich. Und seit das Internet das alles noch mehr beschleunigt und vervielfacht hat, uns täglich aktuelle Hypes, neues junge Hoffnungsträger und Talente und immer mehr Legenden präsentiert, von denen noch nie wer was gehört hat, ist es noch schwerer geworden, den Überblick zu behalten.

Ich hab Georg Danzer nie gehört. In der Unterstufe, als ich mich mit Austropop vollgeladen habe, war er nicht dabei. Alle meine Quellen damals legten auf ihn nicht soviel Wert, also blieb es bei Ambros, Fendrich, STS, EAV, Ostbahn Kurti und den üblichen Verdächtigen. Als Resultat dachte ich mir immer wieder, er sei halt nicht so wichtig.

Vor ein paar Jahren spielte mir dann ein Freund den "Legendären Wixerblues" vor, ein brillanter Spass, aber kein Grund für mich, Danzer genauer zu betrachten. Letzten Winter dann die Austropopdoku "Weltberühmt in Österreich" mit einigen Danzer Interviews, mit denen er sich zwar als sympathischer Mensch bei mir eingenistet hat, aber immer noch nicht als ein Künstler, den ich unbedingt hören muss.

Jetzt ist er gestorben. Die Berichte über ihn waren nicht zu übersehen und ich hab den Nachrauf auf Georg Danzer im profil gelesen. Und dieser Nachruf hat für mich selektiert. Er hat die wichtigsten Stationen seines Lebens aufgelistet, Lieder, die erfolgreich waren ebenso genannt, wie Lieder, die Danzer selbst als wichtig empfand.

"Laß mi amoi nu d'Sun aufgeh segn" kam immer wieder. Das Lied war mein Einstieg. Angeblich war dieses Lied (von dem ich mittlerweile herausgefunden habe, dass es ein Danzer Klassiker ist) die letzte Zugabe in seinem letzten Konzert. Es mit diesem Wissen zu hören, schnürt einem schon irgendwie die Kehle zu.

So hab ich mich durchgehantelt, mehr Lieder von ihm gesucht, ausgeborgt, gefunden, entdeckt, gekauft und hör ihn momentan täglich. Und ich komme zum gleichen Schluss, wie die meisten Nachrufe - Georg Danzer war tatsächlich ein großer Poet und Songschreiber und mit Ludwig Hirsch einer der besten und pointiertesten Texter, den wir hatten.

Vielleicht ist es für mich schade, dass ich erst nach seinem Tod draufgekommen bin, wie gut er ist. Zumindest war Danzer keiner, dem zu Lebzeiten die Anerkennung versagt geblieben ist. Er hat sicher ganz gut damit gelebt, dass der Schwarz Christoph aus Linz ihn nicht kennt. Und so wie ich das sehe, freut er sich auch jetzt wenn Leute seine Musik entdecken.

Also sei auch von meiner Seite Georg Danzer, der mir grad sehr viel Freude macht, nachgerufen, indem ich selektiere. Viel kann man in zwei Wochen nicht aufholen, aber einen Einstieg für Leute, die ihn, so wie ich, nicht kennen, bring ich fertig:

1. Der legendäre Wixerblues von 7. Oktober 1976
2. I bin a Kniera (Die goldene Kniescheibe)
3. Ich sehne mich (stellvertretend)
4. I wü nu ned hamgeh
5. A oide Drecksau
6. Tschik
7. Zieh dich bitte aus
8. Du mi a
9. Laß mi amoi no d'Sun aufgeh segn

BONUS TRACKS (der Vollständigkeit halber, weils angeblich auch Klassiker sind. I finds aber net so super):
10. Jö schau
11. Hupf in Gatsch

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Die Smashing Pumpkins Reunion oder die Macht der Marke

2007-06-04T14:59:00.002+02:00

Eine mir in meiner Jugend...äh...Pubertät...äh...früher halt, sehr wichtigen Bands, die Smashing Pumpkins ist wieder da. Eine dieser Bands, die mir immer wichtig sein werden, allein wegen der Erinnerungen, die ich damit verbinde und der Bedeutung, die sie einmal für mich hatten. Das "Mellon Collie & the Infinite Sadness" Album hab ich so oft gehört, dass die CD Hülle schon fast auseinander fällt. Those crazy lazy summer days....

Die Pumpkins waren immer Billy Corgans Band. Songwriter, Sänger, Leadgitarrist, Frontmann, Anschaffer, Konzeptausarbeiter, Überego, einfach alles. Er war die Pumpkins und bis zur Auflösung 2000 neben Gitarrist James Iha der einzige, der ständig in der Band war. Iha fehlt bei der Reunion jetzt und somit ist Corgan - passenderweise - der einzige Fixpunkt in der Bandgeschichte. Die Pumpkins heute bestehen zusätzlich aus Urdrummer Jimmy Chamberlain, Bassistin Ginger Reyes, die sonst eher Girl-Punk-Pop macht und Gitarrist Jeff Schroeder, eher Indiepopmusiker. Mehr eine Neuversion als eine Reunion.

So gesehen waren die Pumpkins schon immer weniger eine Band, in der Leute gemeinsam Musik schufen, als eher ein Projekt um Billy Corgan. Ein Label, unter dem er sich kreativ betätigen konnte. Corgan sah das wohl genauso.
Nach den Pumpkins gab es Billys neue Band Zwan, wieder unter seiner Führung, die es aber nicht schaffte in Pumpkins Fußstapfen zu treten und auf Festivals nur die Nachmittagslots ausfüllte. Auch sie hat es nur auf ein Album gebracht. Dann noch das Billy Corgan Soloalbum, mit dem er völlig in der Bedeutungslosigkeit versank. Er wollte wohl mal ganz allein ganz vorne stehen und hat sich völlig verschätzt. Die Leute waren nicht an ihm interessiert, sondern an den Pumpkins.
Warum er seine Musik, die ja nicht so weit weg war von den Pumpkins - wie auch, es war ja immer nur er - nicht weiterhin unter der Marke Smashing Pumpkins machte und warum er weder mit Zwan noch solo die alten Kürbisnummer spielte - keiner weiß es. Vielleicht ist ihm diese Lösung zu einfach gewesen.

Jetzt hat er die Marke, zusammen mit den alten Hadern wieder aus der Schublade geholt (obwohl er 2000 geschworen hatte, diese Lieder nie wieder zu spielen) und die Band spielt prompt - nach 7 Jahren Bandpause, zuletzt bestenfalls mediokrer Musik von Corgan und ohne ihr neues Album veröffentlicht zu haben - Headliner bei Rock am Ring, Rock im Park und Nova Rock. Die Leute zucken aus, Billy ist wieder wichtig. Die Marke Pumpkins lebt. Und man kauft die Marke. Sonst nichts.

Und wie wars? Habs im Fernsehen gesehen und die Band wirkte ein bisschen unzusammengespielt, Billy angespannt und nervös, seine Stimme kurzatmig und brüchig. Die neuen Songs könnten auf Platte zum Teil ganz gut klingen, aber auch nicht....immerhin hat er seit 7 Jahren nichts Umwerfendes mehr gemacht hat, warum sollte er auf einmal jetzt.....Das alte Zeugs....keine Ahnung, Nostalgie, schön diese Lieder mal wieder live zu hören....Ich hab das gemacht, was jeder Fan bei einer Reunion macht. Ich hab die alten Platten rausgeholt.
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Solang die dicke Frau noch singt...

2007-06-01T00:14:00.002+02:00

Vor kurzem sind Kollege Genzel und ich auf die Idee gekommen, themenbasierte CD Compilations zu machen und bis jetzt sind so eine Drum'n'Bass Comp, eine L.A.-Autostau-Jazz Comp und die I Wanna Be Asian Comp entstanden. Mein Thema ist diesmal "Singende Frauen", die CD hat den Titel "Solang die dicke Frau noch singt..." und ist der erste Teil dieser themenbasierten Zusammestellung. Hier meine Auswahl, vielleicht ist ja für den einen oder anderen was dabei:

1. Maria Taylor - "A Good Start"
Freundin von Ober-Bright Eye Conor Oberst und auf dem gleiche Label, nämlich Saddle Creek. Ihr erstes Album war a bissl fad, aber der Song is vom neuen, groovt ganz fein und hat schöne Zeilen: "....you one with the burden of intuition, you one with the freedom of a blank stare..." oder "...the same world, honey, that has brought you down, is the one that's gonna pick you up..."

2. Natalie Imbruglia - "That day"
Natalie ist meine Zivildienstgöttin und obwohl das 9 Jahre her ist - ich mag sie immer noch. Der Gitarrensound auf dem Lied taugt mir extrem, hallt nur und sie redet/singt irgendwie da drüber. Ich hab das Ding x-mal gehört und weiß immer noch nicht, wo der Gesang im Rhythmus is....

3. 10,000 Maniacs - "These are days"
Die Band hatte in den 80ern und frühen 90ern ihre große Zeit, waren gut erfolgreich in Amerika und sind trotzdem heute einer der vergessenen Bands. Sie haben sich nach ihrem MTV Unplugged Konzert aufgelöst. Es war eines der ersten Unplugged Konzerte überhaupt und das Erste, das auf CD erschienen ist. Die Sängerin heißt Natalie Merchant und macht mittlerweile Solo einen auf Hippie...

4. Amy Winehouse - "You know I'm no good"
Eh in aller Munde momentan. Englands junge Soulhoffnung. Sie sticht halt raus, weil sie so einen altmodischen Motown Sound hat...und ich mag Soul nicht, bei dems nur um Vokalakrobatik geht......

5. The Distillers - "City of Angels"
Punk. Eine der wenigen Punkbands mit der ich was anfangen kann. Die machen wenigstens noch was mit dem sonst sehr starren Genre und haben vorallem eine extreme Energie. Rotzig, Laut, Kaputt, Daneben und Brody Dalle hat neben Courtney Love die beste Rockstimme find ich....

6. Missy Higgins - "Scar"
Ein liebes Songwritermädchen aus Australien. Toller, sympathischer Pop, mit Klavier und dem niedlichen australischen Dialekt drin. Hat grad ihr zweites Album "On a clear night" gemacht. Der Song is vom ersten "The Sound Of White"....

7. Patty Griffin - "Tony"
Tony wird in der Schule immer runtergemacht und ausgelacht, weil er dick ist. Am Ende erschießt er sich und die Sängerin fragt sich, ob sie nicht hätte helfen können, anstatt sich rauszuhalten.....Patty Griffin ist selbst ok erfolgreich, in Amerika halt. Eine arbeitende Musikerin, aber die Kohle verdient sie wohl als Songwriterin für die Dixie Chicks und Konsorten....

8. The Walkabouts - "The light will stay on"
Keine Ahnung, wie die Sängerin heißt, wo die her sind und ich hab auch sonst nichts von der Band. Ich glaube, ich hab mal was gehört, aber wieder vergessen. Aber ich weiß noch, wie ich das Lied zum ersten Mal gehört hab, im Makro Markt. Noch bevors zu Ende war, hab ich die Single mit heimgenommen. Ich mag, dass es so völlig allein steht, dass ich nichts weiß über diese Band, nur dieses Lied kenne. Es hat mich gefunden, eines meiner Lieblingslieder....

9. Indigo Girls - "Closer to fine"
Noch so eins, wo ich nur das eine Lied kenne und sonst nichts über die Band und ihre Musik weiß. Ist mir ein sehr persönliches Lied, hat mir über einige komplizierte Phasen geholfen, hat mich sowohl verstanden als auch geleitet. "....the less I seek my source for some definitive, the closer i am to fine..."

10. Res - "The Hustler"
Tja, is zur Abwechslung drin...HipHop Beat und sie singt einen Soul Hook drüber....unwiderstehlich....krallt sich fest und man singt sehr bald mal mit...

11. Lily Allen - "LDN"
Die nächste aktuelle England Sensation, das Pop Prinzesschen von der Insel, mischt HipHop und Pop, ist immer zu gleich guten Teilen frech und süss....hier fährt sie mit dem Rad durch London und im Kopfhörer geht die Sonne auf. Jedem, dem ich das bis jetzt vorgespielt hab, hat begonnen zu lächeln.....versprochen....

12. Fiona Apple - "Fast as you can"
Die ist so eigen und schräg......ein Unikat. Ich weiß nicht, was ich daran mag....es is auf jeden Fall spannend, hört man nicht alle Tage solche Songstrukturen und Arrangements......und sie braucht ein bissl bis sie einem aufgeht....

13. Zooey Deschanel & Leon Redbone - "Baby it's cold outside"
Keine Regel ohne Ausnahme......und wer Zooey Deschanel mal schauspielern gesehen hat, weiß warum man sie auch singend haben will.....Ich empfehle "Almost Famous" mit ihr und "A Hitchhiker's Guide To The Galaxy"....und wer es eher indie und ernst mag "Winter Passing".....

Soviel zu Teil 1. Schöne Musik, ich empfehle anhören. Teil 2 "...ist die Oper nicht zuende" folgt in Kürze.
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"Another visitor... stay a while... stay forever!"

Wie wir miteinander umgehen

2007-04-21T09:59:00.004+02:00

33 Tote an der Virgina Tech Universität durch einen Mitstudenten. Wahrscheinlich hat sich der eine oder andere Gedanken gemacht und wahrscheinlich haben diese Gedanken alle irgendwo mit der Schuldfrage zu tun. Kollege Obi-Wahn hat hier eine hochintelligente Abhandlung drüber geschrieben.

Und bevor ich dazu komme, was mir zur Schuld einfällt, an dieser Stelle ein kleiner Einschub, was mir noch aufgefallen ist.
Die Medien überschlagen im Finden von Gründen für die Tat. Und weil ja Nachahmung und die zu liberalen Waffengesetze in den USA als Argument schon zu oft hergenommen wurden, hat man sich Neue einfallen lassen. Das Wettrennen um die beste neue Erklärung hat begonnen. Da kamen blöde aber auch durchaus spannende Ideen. Am besten fand ich die eines Grazer Soziologen, der meint, jungen Menschen und Menschen allgemein werden aktuell zu wenige Konfliktlösungsmöglichkeiten beigebracht. Alles was vorgelebt wird zur Konfliktlösung läuft auf eine Art der Gewalt hinaus. Ein spannender Ansatz.

Aber zur Schuld. Ein kleiner Ausflug in meine Schulzeit. Da lasen wir im Englischunterricht ein Buch namens "An Inspector calls" von John B. Priestley. Darin wird eine wohlhabende Famile beim Abendessen von einem Inspektor besucht, der sie zum Selbstmord einer jungen Frau befragen möchte. Die Familie ist verwundert, niemand kennt die Frau, von der der Inspektor spricht. Doch der bleibt hartnäckig und befragt alle einzeln. Es stellt sich heraus, dass sie doch alle dieses Mädchen kannten. Die Mutter kaufte in der Boutique ein, in der das Mädchen arbeitete und behandelte sie dort immer wie eine Dienerin, einen Menschen zweiter Klasse. Der Vater kaufte die Firma, bei der sie angestellt war und kündigte einfach mehrere Personen, unter anderem sie. Sie lief zu ihrem Liebhaber, dem Sohn, doch der wollte nichts mehr von ihr wissen. Und so geht es weiter, jedes Mitglied der Familie hat ein Schäuflein dazu beigetragen, das dieses Mädchen am Ende keinen anderen Ausweg mehr wusste, als von der Brücke zu springen. Der Inspektor geht und als die Familie bei der Polizei anruft, um nach ihm zu fragen, stellt sich heraus, dass es diesen Inspektor gar nicht gibt. Das Gewissen hat die Familie eingeholt.

In Köln hat gerade Jörg Zimmermann Klagen am Hals, weil er, per E-mail, Privatpersonen und mittlerweile auch Richter und Rechtsanwälte aufs Übelste beschimpft und bedroht hat. Auf dem regie.de Forum, auf dem sich Jörg häufig aufhält, atmet man auf, dass sich endlich jemand um diesen gemeingefährlichen Menschen kümmert und die User dort stilisieren sich zu Opfern. Drei Jahre haben sie Jörg auf dem Forum persönlich beleidigt, vernichtet, beschimpft, verachtet, ausgelacht, ihn als Schande für den ganzen Berufsstand Schauspieler und das Medium Film bezeichnet. Alles was Jörg wollte, war von Gleichgesinnten akzeptiert zu werden. Jemand der ihm sagt, "Toll Jörg, dass du deine eigenen Filme machst und dein Ding durchziehst." Dies wurde ihm verweigert. Aus seinen Postings ergibt sich das Bild eines Mannes der wenig soziale und verbale Kompetenz besitzt, um mit solchen Angriffen angemessen umzugehen. Trotzdem wurde auf ihn eingetreten. Am Ende bleibt ein in die Ecke gedrängtes Tier übrig, das nur wütend reagieren kann.

Cho Seung-Hui, der Mörder von der Virginia Tech Universität, schrieb Theaterstücke. Blutrünstig, gewalttätig und verstörend. Ich habe sie nicht gelesen, doch allein aus den Medienberichten darüber geht hervor, dass er damit etwas ausdrücken wollte, etwas mitteilen. Doch er wurde ausgelacht, beschimpft und erniedrigt. Auch ihm fehlte die Kompetenz, sich angemessen zu wehren. Laut Angaben einer seiner Mitstudentinnen, saß er immer nur da und ließ die Flut der Verachtung über sich ergehen. Bis er sich entschloss, es allen heimzuzahlen.

Vor einiger Zeit hab ich die Arbeit eines Kollegen scharf kritisiert und bevor ich es mir versah, hatte ich ihn schon persönlich angegriffen, verspottet, als unheimlich beschimpft und vieles mehr. Das ging total schnell, ich bekam das gar nicht mit. Es stellte sich heraus, dass er ein total lieber Kerl ist, den ich einfach falsch verstanden habe.

Es gibt nicht DEN Grund für das Massaker an der Virginia Tech und es gibt auch nicht DIE eine Erklärung für einen Amoklauf (was es nicht war, es war durchplanter Massenmord und auch dafür gibt es nicht DIE Erklärung). Es ist immer eine Vielzahl von Gründen und Wechselwirkungen in der jeweiligen Person, die im schlimmsten Fall zu solchen Taten führen.
Ich kann natürlich und will auch keine Erklärung abgeben, nur sagen, was man aus dem Irrsinn an der Virginia Tech auch ableiten kann und worauf ich wegen meines Verhaltens Gott sei Dank aufmerksam gemacht wurde:

Vielleicht sollten wir alle etwas besser darauf schauen, wie wir miteinander umgehen.
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At the movies - 9 SONGS

2007-02-15T07:20:00.000+01:00

Auch wenn man von Michael Winterbottom keinen oder nur einen Film gesehen hat, lassen sich durch Verfolgen der Filmwelt zwei Dinge über ihn feststellen. Das Erste – er filmt viel und schnell. Das Zweite – er experimentiert, probiert aus, versucht sich in verschiedenen Genres (Doku „Road to Guantanamo“, Sci-Fi „Code 46“). In „9 Songs“ versucht er sich an einer Geschichte über Liebe und Leidenschaft. Es ist ein Experiment über Sex und Musik, eine moderne Liebesgeschichte. Und es ist in zweierlei Hinsicht außergewöhnlich, doch dazu etwas später.

Erzählt wird die Geschichte in einer großen Rückblende, der Erzähler ist Matt, ein Antarktisforscher. Sein Beruf hat aber mit dem Film eher wenig zu tun. Zu Beginn ist er am Südpol, um dort zu arbeiten und erinnert sich an seine Beziehung zu Lisa, einer amerikanischen Collegestudentin.

Was wir dann sehen ist ein Liebesfilm über eine Beziehung über den Verlauf eines Jahres, der uns all das zeigt, was andere Liebesfilme auslassen. Den Alltag. Und vor allem, explizit, ausgiebig und echt – Sex.

Winterbottom erzählt uns die Geschichtet dieser Liebe über Sex. Im ersten Moment mag es wirken, als würde die Beziehung nur über Sex funktionieren und die Partner hätten sonst nicht viel gemeinsam, doch Winterbottom schafft es tatsächlich die Verliebtheit der beiden einzufangen, die er durch schöne, kleine und Alltagsbeobachtungen ergänzt. Das gemeinsame Kochen und Essen. Das banale Gespräch bei einer Autofahrt. Ein Streit wegen Kopfschmerzen. Diese Sequenzen zeigen, dass noch mehr ist zwischen den beiden, als wir zu sehen bekommen, dass da ein komplettes Leben, ein kompletter Alltag existiert, in dem sie leben und sich lieben. Doch „9 Songs“ hat wenig Interesse uns Dinge zu zeigen, die wie ohnehin aus abertausenden Liebesfilmen kennen. Und so hängen sich die Stationen dieser Liebe an Sex und rundum Sex auf. Das behutsame, neugierige Kennenlernen, der erste Morgen, der hingebungsvolle Beginn voller Leidenschaft. Die Eifersucht, in der die beiden in eine Stripteasebar gehen und Lisa so fasziniert ist von einer Tänzerin, dass Matt verärgert nachhause geht. Eine Phase der Entfremdung, in der sie nicht miteinander schlafen, Lisa sich selbst befriedigt und Matt allein auf ein Konzert geht: „Lisa didn't want to go to the gig that night, so I gave her ticket away. Five thousand people in a room and you can still feel alone.“ Die Versöhnung, als Lisa plötzlich mit einer Schleife an der Hüfte in der Tür steht. Jede Beziehung hat ihre Täler, man taucht durch und irgendwann geht es wieder weiter.

Das alles findet seine Entsprechung in der Musik. Rock’n’Roll als Ausdruck von Leben, Leidenschaft und Sex. Neun Konzertsequenzen sehen wir im Laufe des Films und die Songs, wie das fröhliche „Movin on up“ von Primal Scream oder das wehmütige „The last high“ von The Dandy Warholes, sind perfekt in den Lauf der Geschichte platziert. Musik ist auch die gemeinsame Leidenschaft von Matt und Lisa, sie haben sich auch auf einem Konzert kennengelernt und gehen eben regelmäßig in die Brixton Academy um sich Franz Ferdinand, Primal Scream, Black Rebel Motorcycle Club oder Super Furry Animals anzusehen. Für einen vollen Konzertsaal (alle Musiksequenzen wurden während echter Konzerten gefilmt) sind diese Szenen großartig gefilmt (alles digital) und funktionieren ohne viel Dialog. Die beiden auf den Konzerten, in der Mitte ihrer Kreise, sind ausdrucksstark genug.

Am Ende singen Black Rebel Motorcycle Club „Now she’s gone and love burns inside me..“, doch Matt und Lisa sind nicht mehr dabei. Sie ist zurück nach Amerika gegangen und er ist schon in der Antarktis, die mit ihrer Kälte und Weite als krasser Gegensatz zum Rest des Filmes wirkt. Matt erklärt, dass man auf diesem Kontinent Platzangst bekommen und sich gleichzeitig verloren und verängstigt von der Weite fühlen kann, „Just like two people in a bed.“

Das zweierlei außergewöhnliche an „9 Songs“ ist zum einen, dass Winterbottom hier versucht, eine Liebesgeschichte ohne die üblichen Komponenten zu erzählen, sondern sich auf genau das beschränkt, was üblicherweise ausgelassen wird, uns also eine Seite von Liebe und Beziehungen zeigt, die wir sonst nicht zu sehen bekommen. Der Film kommt so mit wenig Dialog aus, die Sexszenen sind behutsam inszeniert, warm und erotisch und fangen die Leidenschaft der Liebenden wunderbar ein. Von Ausbeutung des Sex kann keine Rede sein, der Vorwurf der Pornographie, den sich Winterbottom gefallen lassen musste, ist völlig absurd und rührt wohl eher von einem falschen Verständnis des Wortes Pornographie her. Nicht jeder echte Sex im Film ist Pornographie.

Und zum anderen, das Gelingen des Versuchs. Winterbottom hat es tatsächlich geschafft daraus einen ruhig fließenden, warmen, schönen Film zu machen, der vielleicht an einem Punkt ein wenig dünn ist, nämlich der Charakterentwicklung. Das ist aber allerdings dem Konzept geschuldet, das eine intensive Charakterentwicklung nicht zulässt. Was aber andererseits auch als Vorteil funktioniert, weil Matt und Lisa und ihre Beziehung vage und allgemeingültig genug bleiben, um ein Teil von uns allen zu sein.

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Sarah Kuttner - "Das oblatendünne Eis des halben Zweidrittelwissens"

2007-02-06T23:04:00.003+01:00

Kuttners Klolumnen oder: Mehr Mut zur Ernsthaftigkeit

Der Brauch, sich aufs Klo was zum Lesen mitzunehmen, hat irgendwie keine Lobby. Und es wird ja nur Männern nachgesagt, ihn zu pflegen. Tatsächlich kenne ich nur eine Thematisierung dieses Rituals und zwar im Rahmen der Sitcom "Eine schreckliche nette Famile" und Al Bundy ist nun wirklich kein toller Fürsprecher.
Dabei ist die Lektüre am Klo eine ganz wunderbare Einrichtung. Immerhin ist dieser Rückzug aus der stressigen Welt in eine kleine Auszeitkapsel ungemein wichtig für die Psychohygiene. Ruhig und abgeschottet sitzt man da und fühlt sich nachher total entspannt und von Druck befreit. Und da wir uns nicht aussuchen können, ob wir scheißen müssen oder nicht, kann uns diese Auszeit niemand nehmen. Warum sie nicht also auch gegebenenfalls ein bisschen ausweiten und zelebrieren?

Meine momentane Klolektüre ist das Buch von Sarah Kuttner "Das oblatendünne Eis des halben Zweidrittelwissens", in dem alle Kolumnen der Kuttner gesammelt sind.

Sarah Kuttner kennt man an sich als Fernsehmoderatorin, vornehmlich im Musikfernsehen, momentan ohne eigene Sendung, quasi arbeitslos, etwa in meinem Alter und als freche Schnatterliese bekannt. Sie hält also selten ihre Klappe, ist oft nervig, aber immer niedlich und hat sich schon sehr stilvoll für den Playboy ausgezogen. Sehr löblich. Ich finde, es sollten sich mehr attraktive Menschen für den Playboy ausziehen. Auch Männer. Da hab ich zwar nichts davon, aber es kann mir doch keiner erzählen, dass man sich schöne Menschen nicht gerne nackt ansieht. Oder vielleicht doch nicht? Wenn ich so nachdenke.....jedenfalls mein Glück, dass mich da nie jemand fragen wird. Also wo war ich? – Ah ja, Sarah Kuttner schreibt unter anderem Kolumnen für die Süddeutsche Zeitung und den Musikexpress. Die sind jetzt im oben genannten Buch zusammengefasst erschienen.

Und ja, das ist die perfekt Klolektüre. Kurz und bündig und keinen Meter anspruchsvoll. Eher banal über weite Strecken. Warum ich etwas lese, das über weite Strecken banal ist? Nun, es ist ja eh unmöglich, die Klozeit "effektiv" (Was heißt das schon? Was beschreibt es? Definiere!) zu nutzen, sie ist quasi im Wortsinn verschissene Zeit. Also lese ich lieber etwas Leichtes und Kurzes, wo ich jederzeit aufstehen und gehen kann ohne den Faden zu verlieren. Außerdem - wisst ihr, was ich in der Gerichtsmedizinvorlesung der Kollegin Tutsch-Bauer gelernt habe? Wenn man zu lange am Klo sitzen bleibt, kann man sich die Haupt(schlag?)adern, also Blutzufuhr, in den Oberschenkeln abdrücken und das führt zu Lähmung. Wird bei Betrunkenen des öfteren festgestellt, die am Häusl eingeschlafen sind. Deshalb besser nicht den Rolling Stone oder "Krieg und Frieden" am Klo lesen.

Lieber Kuttners Geschnattere. Und wie gesagt, es nur über weite Strecken banal. Ihr gelingen auch hin und wieder witzige, schöne, kleine Einsichten und Alltagsweisheiten. Dass das Anschauen der Lieblingsfernsehserie so ist, als würden alte Freunde vorbeikommen und mit dir auf der Couch sitzen. Oder wie sie, auf die Frage, ob sie schon einmal einen One-Night Stand hatte, erklärt, nein, hatte sie nicht, weil ihrer Meinung nach, "sexueller Irrsinn nur auf Basis ein gewissen Vertrautheit möglich" ist.
Wenn man so dahin liest, schimmert vor allem bei den Kolumnen der SZ eine sehr ernsthafte, informierte und clevere Sarah Kuttner durch. Wie sie sich auch in manchen Interviews präsentiert. Aus irgendeinem Grund aber, kehrt sie bei öffentlichen Auftritten immer die aufgedrehte Tussi-Seite ihrer Persönlichkeit hervor, die ein unglaubliches Talent besitzt, jeden Sachverhalt völlig zu sinnentleeren und zu banalisieren. Vielleicht weil sie sich einbildet, ihre Zielgruppe (angeblich sind das die unter 30-jährigen) will das so. Tuts mir nur die Jungen nicht unterschätzen. Vorallem – wenn man die Jungen wie Idioten behandelt rächt sich das – die werden nämlich älter. Bei allem Verständnis für Unterhaltung und Eskapismus, sowie dem Recht und der Notwendigkeit, Dinge einmal nicht so ernst zu nehmen – man übersieht völlig, dass in unserer momentanen Unterhaltungsbranche und da vor allem in der jugendbezogenen Unterhaltung – dieses Recht zur Regel geworden ist. Es kommt garnichts Ernsthaftes mehr vor, dass man dann eventuell nicht so ernst nehmen könnte. Es ist alles nur Spass. Dabei wär es schön, wenn man einfach wieder mal was ernst nimmt. Ein bissl mehr Mut zur Ernsthaftigkeit, bitte!
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James Brown (1933 - 2006)

2006-12-25T10:12:00.002+01:00

Musste das noch sein, am Ende dieses Jahres?

Irgendwie hat der Karftlackl einem immer vermittelt, dass er ewig lebt.
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ROBBIE WILLIAMS - "And through it all"

2006-12-14T08:24:00.003+01:00

„Also, eines muss man dem Robbie lassen, er is a supa Entertainer. Der macht a guade Show“. Das ist meistens schon alles an Positivem was Leuten zu Robbie Williams einfällt und ehrlich gesagt, ich kann es nicht mehr hören. A “guade Show” machen Siegfred & Roy auch und Andy Borg is auch “a supa Entertainer”. Daran kann es ja nicht liegen. Aber bei Robbie reicht es wohl. Robbie Williams ist der einzige Superstar neuerer Zeit, der erste und einzige Superstar der 00er Jahre. „And through it all“ fasst jetzt seine ganze Livekarriere auf 2 DVDs zusammen. Und hier wird nicht geklotzt, hier wird gekleckert. Robbie in Hülle und Fülle und in rauen Mengen. Mehr Robbie geht fast nicht.

Wir sehen ihn bei seinen ersten Auftritten 1997, kurz nach seinem Ausstieg bei Take That, wie er versucht auf den Britpopzug aufzuspringen, den Oasis gerade an die Wand gefahren hatten (oder wie es Sleeper Sängerin Louise Wener so passend ausdrückte: „When Robbie Williams was doing it, we knew it was over“). Man sieht ihn beim Versuch ein Rocker zu sein (er singt immer wieder „Old before I die“) und wie er die arrogante Working Class Attitüde aufsetzt, ohne dabei ein Gallagher zu werden. Dort wo Liam den Leuten auf die Schuhe gekotzt und ihnen den Mittelfinger ins Gesicht geschoben hat, entscheidet sich Robbie für ein Lächeln und den netten Blick. Konsens über alles, wie seine Musik. Wir sehen Robbie ein Jahr später bei ehrwürdigen Glastonbury Festival, ein Auftritt, der für ein Ex-Boyband Mitglied allein schon ein Triumph ist. Allerdings wusste da ja noch keiner, was noch kommen würde. Denn wir sehen Robbie auch 2003 beim Knebworth Konzert Irrsinn vor 250.000 Menschen. Auf alle Fälle beeindruckend.Wirklich spannend sind aber die kleinen Kurzschnipsel zwischen den großen Konzertblöcken. Robbie und Kylie Minogue geben „Kids“ bei Top of the Pops und Kylie lässt ihn Testosteron schwitzen. Robbie spielt die vergessene Ballade „Better Man“ bei Jools Holland. Robbie bei seinem ersten Fernsehauftritt in Amerika in der David Letterman Show. Robbie als peinlicher Hampelmann in einer peinlichen Weihnachtssendung.

Warum die Auftritte auf der DVD willkürlich aneinandergereiht sind, lässt sich zwar nicht erheben, aber durch ein sehr nettes Feature sehr schnell beheben und denn Zuschauer chronologisch in die Konzerte einsteigen. Wir hören oft „Feel“, „Millenium“, „Rock DJ“, „Let me entertain you“ und immer wieder „Angels“, dieser letzte Nagel in den Sarg des Britpop. Großes, unkaputtbares Evergreen Material und natürlich Guy Chambers (damals Robbies Hofkomponist) Meisterstück. Sooft der Song auf der DVD auch kommt, er nutzt sich nicht ab und bietet zusätzlich eine schöne Meßlatte für Robbies wachsenden Erfolg, denn mit steigender Publikumsmenge werden auch die Textpassagen mehr, die Robbie beim Singen einfach auslassen kann, weil die Fans das für ihn erledigen. „Come undone“ kommt fast ein bisschen zu kurz, ist dieses hundsgemeine Lied doch Robbies größter Wurf. Selten hat jemand seinen Fans so deutlich deren Dummheit um die Ohren gehauen und selten haben die Fans es so überhaupt nicht kapiert, sondern sich auch noch gefreut darüber. „Do a bunch of interviews/ sing a bunch of lies/tell about celebrities that I despise/and sing love songs/so sincere” heißt es da und weiter „If I’d stop lying/I’d just disappoint you“.

Und wenn er dann grinsend da oben steht und sich diesen Song von tausenden begeisterten Fans vorsingen lässt, sieht man, dass er den Wagen schon lange nicht mehr steuert. Robbie ist larger than life, lebt irgendwo in Robbieland, wo 24 Stunden lang Hauptdarsteller der Robbie Williams Show ist. Er ist an dem Punkt ankommen, an dem Kurt Cobain kurz vor seinem Selbstmord war und den Mötley Crüe in ihrer Autobiographie „The Dirt“ mit einer Maschine aus Zahnrädern vergleichen, die immer größer werden. Jedes Zahnrad steht für einen Karriereabschnitt. Wenn man von einem Zahnrad auf das nächst größere Zahnrad will, erfordert dass immer einen Sprung, der auch immer die Gefahr des Absturzes birgt. Man kann von allen Zahnrädern wieder zurück auf ein Kleineres gehen, freiwillig oder unfreiwillig. Auf das letzte, das größte Zahnrad, schaffen es nur wenige und von diesem kann man nicht mehr absteigen. Man kann die Fans verachten und beleidigen, man kann schlechte Konzerte spielen, es schadet einem nicht. Alles was man tut macht einen nur noch populärer. Robbie hat gesoffen, gehurt und überdosiert, es war jedem egal. Seine Fans lieben ihn. Auf dem letzten Zahnrad läuft die Maschine völlig selbstständig und unaufhaltsam und entweder macht man mit oder man wird zerrieben.

Robbies Versuch auszubrechen und endlich das zu machen „was er wirklich will“ ist das aktuelle Album „Rudebox“, ein musikalisch-kreativer Hohlraum, und es entlarvt, dass es keinen Unterschied macht, ob man als Boyband Mitglied verheizt wird oder als Hauptdarsteller der Robbie Williams Show. Dass „And through it all“ gerade jetzt als Rückschau erscheint, soll wohl diese Bruchstelle in Robbies Karriere noch unterstreichen (außerdem ist bald Weihnachten). Als Rocker hatte er ohnehin schon mit seinem Swingalbum mächtig an Glaubwürdigkeit verloren.

Am Ende sehen wir Robbie auf seiner letzten Tour in Berlin und bei Live 8, mit glasigen Augen entweder in Messias Pose oder wie ein Kasperl herumhopsend, high von Koks, Adrenalin oder dem eigenen Ego. Vielleicht auch etwas anderem, aber wahrscheinlich von allem zusammen. A guade Show, a supa Entertainer. Und damit sind wir wieder am Anfang und dass es das allein doch nicht sein kann. Es ist vielleicht doch dieser Spitzbubencharme, dieses viel zitierte Charisma, dieses ständige „Klasser Typ“ Grinsen und das Nett-dreinschauen. Man könnte auch „Blender“ dazu sagen. Robbie Williams hat diesen Typ Mann nicht nur salonfähig gemacht (das waren er eigentlich immer), sondern zum Kultobjekt erhoben. Und was sonst soll so ein Mensch in Popbusiness machen, als die Marionette sein. Robbie, you were born to play that part.

Wäre er kein Superstar würde er 18-jährige auf Studentenfesten aufreißen und dass so einer von sovielen Menschen bewundert wird, macht mir Angst.

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Christoph's 1st Tom Waits Dream

2006-12-07T10:32:00.003+01:00

Sigmund Freud und die Träume. Darüber hat er viel gewußt und aufgeschrieben. Eines seiner tollsten Sachen waren die sogenannten Tagesreste. Dinge, die wir am Tag gesehen oder erlebt haben, werden im Traum verarbeitet. Wenn also jetzt einer wie ich am Tag mindestens eine Folge von Boston Legal schaut, dieser tollen Serie von David E. Kelley in der William Shatner (spielt Denny Crane) und James Spader (spielt Alan Shore) zwei selbtsgefällige, arrogante Anwälte der Firma Crane, Poole & Schmitt geben und dann irgendwann auch noch ein Tom Waits Special im Rolling Stone liest, dann kommt folgender Traum raus:

Schwarz marschiert bei Crane, Poole & Schmitt rein, natürlich als Rockstar. Boots, zerschlissene Jeans, Holzfällerhemd (Ärmel hochgekrempelt), Gitarrenkoffer und Spiegelglassonnenbrille. Alles läuft in Zeitlupe, Spot und die Blicke aller Frauen auf mich, im Hintergrund läuft das coolste Gitarrenriff seit den Blues Brothers. Auf dem Weg zu Denny Cranes Büro wartet Julie Bowen (die spielt Denise Bauer) auf mich und bittet mich um ein Autogramm, dass ich ihr natürlich mit einem Lächeln gebe. Sie ist hingerissen.
Ich marschiere bei Denny Crane rein, Alan Shore ist auch da. Ich erzähle ihnen mein Anliegen. Ich möchte den Musikkritiker einer großen Musikzeitschrift verklagen. Wegen seelischer Grausamkeit. Er hat mein neues Album verrissen.

Vorspann.

Alan, Denny und Schwarz sind in Dennys Büro. Schwarz sitzt zusammengekauert auf Dennys Couch und winselt etwas von "Schmerz" und "soviel Liebe in die Songs", "mein ganzes Herz ausgeschüttet", "zutiefst persönliche Sachen und er hat es einfach vernichtet", "böse Kritik, persönlich bis ins Mark". Dann richte ich mich plötzlich auf und fange an wie wild auf meinem Block herumzukritzeln.

Alan: What are you doing?
Schwarz: Don't talk to me. You're disturbing my Kreativschub. Pain is good for that.

Der Kritiker wird eingeladen. Es ist Tom Waits. Er sitzt da in Anzug und Krawatte und erklärt, warum er das Album verrissen hat. Er grummelt und poltert etwas von "banal", kein Herz und keine Seele", "naiv", "seicht", "Schablone", "überproduziertem, weinerlichem Geseiere", "fad".

Waits: It sounds like James Blunt, man!
Alan: Well, that doesn't give you the right to attack him personally in your reviews.
Waits: If his songs are as personal as he says I have to.

Mit jedem Wort sinkt Schwarz weiter in die Couch und beginnt zu winseln.

Fette Verhandlung und Waits gewinnt wegen der Freedom of speech. Ich beginne im Gerichtssaal wieder zu jammern.

Denny Crane: Stop whining, you sissy! Be a man! Use some distortion! Denny Crane.

Am Ende sitze ich bei Julie Bowen auf dem Schreibtisch und spiele ihr einen Song, das ganze weibliche Personal der Kanzlei steht ergriffen um den Tisch. Tom Waits kommt vorbei, schüttelt den Kopf und brummt wieder "Poser", "weinerlich", "Suderei". Bevor Schwarz zu weinen beginnen kann, wird Waits von Schmitt rausgeworfen.

Song of the Morning: William Shatner - "Real"
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Schuld war nur der Bossa Nova

2006-12-07T10:22:00.003+01:00

Sachen gibts. Vielleicht ist ja Axl Rose deshalb wahnsinnig geworden. Oder er würde es jetzt werden, wenn er das hören würde - ein Bossa Nova Remix Album voller Guns'n'Roses Songs! Und auch noch gut! 3 hab ich im Netz gefunden und empfehle sie schwer- Downloaden, anhören und Spass haben.

Gheto Blaster Ltd - November Rain (B&H Version)
(gefunden auf So Much Silence)
Scubba - Welcome to the jungle (808 Remix)
Freedom Dub - Paradise City (Vibes Edition)
(gefunden auf Stereogum)
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TAKE THAT - Beautiful World

2006-12-01T19:44:00.029+01:00

Nehmt das!

Na, da hätte ja keiner aus dem Fenster springen müssen, wenn sie damals schon gesagt hätten, dass sie wieder kommen. Und wer damals schon die Fanhysterie um Take That nicht bis kaum verstanden hat, wird sich beim neuen Album fragen, wie diese Typen jemals irgendwen hinter dem Ofen hervorgeholt haben. Dennoch waren Take That in der ersten Hälfte der 1990er die größte und erfolgreichste Popsensation Englands seit den Beatles und stellten mit 8 Nummer-Eins Hits sogar deren Rekord ein. Dann kamen Blur und Oasis, Robbie Williams verließ die Band 1995 und kurz darauf war Schluss.

Jetzt also ein Take That Comeback. Ohne Charmbolzen Robbie, der hat andere Sorgen. Bleiben die vier Faden, Gary Barlow, Mark Owen, Jason und Howie. Das zählt trotzdem als echte Reunion, weil Take That bis 1996 zu viert weitermachten und noch einige Hits hatten.

Und ganz offensichtlich machen sie jetzt mit "Beautiful World" dort weiter, wo sie vor 10 Jahren aufgehört haben. Die Englandtour war binnen 6 Stunden ausverkauft und zumindest die erste Single "Patience" stieg gleich wieder auf 1 ein. Was ein wenig komisch ist, weil nichts auf diesem Album nach Take That klingt. Das Danceelement früherer Tage ist weg, wir hören heute langweiligen 0815 HochglanzRadiopop (den man ja auch durchaus interessant machen kann), der mit einem riesen Dampfbügeleisen zurechtgeglättet wurde. Singen könnte auch der Anifer Feuerwehrchor, denn die Stimmen klingen völlig gleich und austauschbar. Und zumindest Barlow und Owen hatte ja mal Stimmen, die man beim Hören erkannte. Wenigstens machen sie keinen auf "Still-young".
Nur ist es halt so - wenn John Shanks produziert, steigt alles auf 1 ein. Der kann das halt. Und genau darum geht’s wohl bei dieser Platte auch. Aber bei Ashlee Simpson ist das ja ok. Die ist jung und will Spaß haben in ihrer Kunstwelt, die auch nie den Anspruch erhebt, etwas mit der Wirklichkeit zu tun zu haben. Aber diesen vier Typen Mitte Dreißig, die das auch noch ernst nehmen, rinnt das Kalkül literweise bei den Ohren raus. Dass ihre Solokarrieren so aussahen, wie wenn einer am Grand Canyon ins Leere steigt, ist ein Grund, aber keine Entschuldigung.

Bitte nicht falsch verstehen, hören werden wir "Beautiful World" bis zum Abwinken. Die Wir-spielen-die-Hits Sender werden eine Freude damit haben. Da wird es rauf und runter laufen, wir werden es hören, sogar mitsingen, nicht erkennen, wer das ist und ob es alt oder neu ist und es sofort nach dem Abblenden wieder vergessen. Und wer das jetzt als "geschmackssicher" und "zeitlos" bezeichnet, dem sollte man das Wahlrecht aberkennen. Songtitel spar ich mir, weil eh alle 11 Songs gleich klingen.
Dabei hat Gary Barlow, früher Hauptsongwriter bei Take That, ja seinen fairen Teil an Hits geschrieben. "Relight my fire", "Never forget" und vorallem "Back for good" beweisen immer noch Talent und Gespür. Interessant wäre ja zu wissen, wer für die neuen Songs verantwortlich ist, aber so gut wie sie zueinander sind, teilen sich die Vier die Songwriting Credits: "All Songs written bei Take That". Die brauchen so arg Kohle, dass sie sich sogar die Tantiemen teilen.

Und damit ich doch noch was Versöhnliches anbringe zum Schluss – "Beautiful World“ klingt perfekt. So perfekt, wie Patrick Bateman gekleidet ist. Hätte es nicht gebraucht, echt. Vielleicht war aus dem Fenster springen doch die bessere Idee.

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DEFTONES - Saturday Night Wrist

2006-10-31T15:33:00.014+01:00

Über Liebe und Wut, Wärme und Frust.

Die Deftones sind ja eine der wenigen Bands, die in Bezug auf Qualität, Authentizität, Indiecredibility und Intellektualität immer über jeden Zweifel erhaben waren. Und das, obwohl sie mehrfach Platin verkaufen und Stadien füllen. Vielleicht weil „Indie“ und „Alternative“ schon längst ein eigener Mainstream neben dem normalen Mainstream geworden sind und sich nicht mehr in Absatz und Massenappeal vom Mainstream unterscheiden, wohl aber in Sound, Arrangement und Komposition. Viel eher aber, weil die Deftones (im Gegensatz zu vielen Kollegen) immer die ganze Palette verstanden haben, auf der ihre Songs spielen. Wut, Zorn, Frust und Verzweiflung sind eine Seite. Doch all das würde keinen Sinn machen ohne Wärme, Zärtlichkeit und, ja, Liebe. In ihren Songs finden sich immer beide Seiten und deshalb sind sie auch emotional so glaubhaft und greifbar.

Die ersten 30 Sekunden klingen ungefähr so - ein Feedbackpfeifen, durch das sich dann dicke Gitarrenwände schieben, während das Schlagzeug drückt. Dann bricht die Welle, die Band wird leiser und Chino Moreno schreit sich gepresst und verzweifelt die erste Strophe aus dem Bauch: „Can you explain to me how/you’re so evil…/…There’s a hole in the earth“. Ja, es geht Chino Moreno immer noch nicht besser. Er fällt und wir fallen mit ihm. Man kann sich „Hole in the earth“ schwer entziehen kann und will es auch gar nicht. Es ist einer der besten Songs im Bandkatalog und ein wunderbarer Opener für dieses Album, das noch mehr Beiträge hat, die zu den Besten dieser Band gehören. „Cherry Waves“ zum Beispiel, in dem er mit ihr, an eine Planke geklammert, auf offener See treibt und ihr verspricht, sollte sie untergehen, werde er ihr nachtauchen. Doch gleichzeitig fragt er sich, ob sie dasselbe für ihn tun würde. Dazu die wunderbare Melodie, die auf breiten E-Gitarrenflächen dahinschwimmt. Es folgt „Mein“, ein Hit jawohl, und da hab ich dann auch gecheckt, was mit Morenos Stimme los ist. Die klingt ja irgendwie ein wenig anders. Heller? Klarer? Moreno kommt ganz einfach der gute Robert Smith durch. Doch nicht nur stimmlich, auch viele Melodien sind dem Einfluss ihrer erklärten Vorbilder The Cure geschuldet.

Die, im Presseinfo versprochenen, „Reflexionen eines manischen-depressiven Patienten, der seine Medikamente abgesetzt hat“ hab ich allerdings lange gesucht, bis ich gemerkt habe, dass damit wahrscheinlich Stücke wie „Rapture“ und „Rats!Rats!Rats!“ gemeint sind, in denen die Band wie außer Kontrolle wütet und Moreno keift und Gift und Galle spuckt bis der Vocoder vibriert. Nun, während die Depression auf jeden Fall etwas sein dürfte, was den Deftones nicht ganz fremd ist, fehlt für einen manischen Patienten eindeutig die übertriebene optimistische Ausgelassenheit. Was wir hier haben, ist eher eine ordentliche depressive Verstimmung mit einer gesunder Portion Wutanfall, wie immer eingepackt in diesen dichten, warmen und weiten Sound, wie ihn nur diese Band kann.

Richtig gute Deftones halt, die auch mal ein klein wenig Neues ausprobieren. In der Mitte ein plätscherndes Instrumental, im hinteren Drittel elektronische Songcollagen. Alles passt zusammen, nichts fällt aus dem Rahmen. Zum Springen und Wüten, fallen lassen und sich drin einwickeln.

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Thank you for the music

2006-10-30T18:21:00.001+01:00

1. Das neue Oasis Video zu "The Masterplan". Ursprünglich eine B-Seite auf der "Wonderwall" Single, obwohl einer der größten Würfe vom Gallagher Noel, jetzt auf der Best Of Scheibe "Stop the clocks" drauf. Das Video is komplett animiert (den Gemälden des Manchester Malers L.S. Lowry nachempfunden) und zeigt die Band bei Spaziergang durch ihre Heimatstadt Manchester. Wirklich cool find ich, wie gut Liam und Noel in Bewegungen und Körperhaltung getroffen sind. Noel mit hängenden Schultern, die Hände in den Hosentaschen vergraben und Liam, Oberkörper aufrecht und cool nach hinten gelehnt, die Hände lässig an der Seite baumelnd macht große, selbstwusste Schritte.
Tja, das ist wohl der Grund warum der eine ein kreatives Genie (jaja, es gab Zeiten da war er das!) und der andere nur Rockstar ist.

2. Noch ein Video, und zwar "Through Glass" von Stone Sour. Cooler Song und klasses Video über die Oberflächlichkeit und Inhaltslosigkeit von Hollywoodparties und -celebrities. Klassisches Thema aber super umgesetzt. Außerdem mit schöner Textzeile:

"No one ever tells you that forever
Feels like home sitting all alone inside your head"

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"Another visitor... stay a while... stay forever!"

Only The Crumbliest Flakiest Christoph oder: Shake the Bottle, Wake the Christoph.

2006-10-27T08:29:00.001+02:00

Das Internet und seine unendlichen und lustigen Sinnlosigkeiten. Gott sei Dank gräbt Heather auf Fuelfriends immer wieder solches Zeugs aus.

Diesmal The Advertising Slogan Generator. Der macht dir deinen ganz persönlichen Slogan. Einfach Namen eingeben und auf "sloganize" drücken. Geht auch mehrmals. Die Überschrift dieses Eintrags sind meine Slogans.
Und weil ich immer noch fieberhaft nach Sprüchen für Betty's Apartment T-Shirts suche - hier einige Vorschläge des Slogan Generators:

# "Reach Out and Touch Betty's Apartment."
# "Betty's Apartment Not Included."
# "Plop, Plop, Fizz, Fizz, Oh, What a Betty's Apartment it is!"
# "Nothing Sounds Better Than Betty's Apartment."

Und noch zu etwas ernstem, für alle dies noch nicht gesehen haben - das Video von Michael J. Fox zur US Kongresswahl, in dem er sich für Stammzellenforschung ausspricht. Fox hat ja Parkinson und man erhofft sich für diese und andere Krankheiten Heilungsmöglichkeiten zu finden, wenn man an Stammzellen forschen könnte, was aber zur Zeit noch von der Bush Administration verboten wird. Aus religiösen und moralischen Gründen, wie es heißt.
Es gibt übrigens tatsächlich Vertreter der konservativen Kreise, die meinen, Fox würde in diesem Video nur schauspielern.
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"Another visitor... stay a while... stay forever!"

Christophs 76th Bob Dylan Dream

2006-10-26T10:27:00.001+02:00

Bob Dylan spielt im Audimax der Nawi ein intimes Konzert. Natürlich ist der Saal voll. Das Pult, an dem Urs Baumann normalerweise postuliert, haben sie einfach weggerissen und Dylan steht da vorn mit seiner Band. Das Mikrophon hat er ganz nah an die erste Reihe gestellt, er trägt ein schwarzes T-Shirt, seinen doofen Bart und seinen coolen Hut (Ich will auch so einen Hut). Er ist gut drauf, lacht viel, gibt sich fannah. Ich sitze in der vierten Reihe oder so, zwischen meinen Eltern, alle haben glückliche Gesichter. Soeben hat der Bob einen seiner Hits gespielt (den ich noch nie vorher gehört habe) und alles steht und jubelt. Dylan schüttelt Hände in den ersten Reihen, kommt die Stiege herauf, ich strecke mich vor und er schüttelt meine Hand. Dann die meiner Mum. Ich hab sie selten so happy gesehen. Sie sagt zum ihm: "Can you play 'Here's what we are'?". Dylan grinst, geht runter zum Mikro und sagt: "Here's a song for this lovely lady, it's called Here's what we are, here's who I am. It's from the 'Madgascar' album." Die Band setzt in einen kleinen Walzer ein, der Gitarrist singt die erste Strophe, irgendwas über Ozeane und Schiffe glaub ich. Im Refrain kommt Dylan dazu und raunzt:

That's to that
Here's what we are
Here's who I am

Dann bin ich aufgewacht. Mit der Melodie im Ohr. Und in bälde wird Betty's Apartment einen Song namens Here's what we are, here's who I am rausbringen. Watch out for it!

P.S.: Ich würde Dylan zutrauen den Audimax zu bespielen, er würde aber nie Hände schütteln, lachen, grinsen oder Requests spielen. Er hat auch nie ein Album namens "Madagascar" aufgenommen (Ich hab extra nachgesehen!).

P.P.S.: Meine Mum hasst Bob Dylan.
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Würstlstandpoesie

2006-10-25T15:39:00.001+02:00

Die schiere Notwendigkeit mein Studium bald abzuschließen, gepaart mit der bei mir, sporadisch auftretenden, Tendenz, akademisch nur das Nötigste zu tun, hat dieses Semester dazu geführt, dass ich einen Haufen Kurse belegt habe, von denen man mir versicherte, dass die Prüfungen "total easy" wären.
Ich muss sagen, ich bin froh, dass ich in diesen Kursen sitze, denn sie haben sich soweit alle als sehr interessant und spannend entpuppt.

Meine Donnerstage verbringe ich dieses Semester auf der Gerichtsmedizin, wo ich mir etwas über Leichen und alte DNA anhöre. Mitunter die witzigsten Vorlesungen in denen ich jemals war. Mittwoch abend gehört dem führenden Ästhetiker am Institut für Philosophie der Uni Salzburg, Otto Neumaier himself, von dem ich mir gleich die komplette Geschichte der neuzeitlichen Philosophie darlegen lasse. Und Mittwoch mittag hocke ich sogar, und das hätte ich selbst nie geglaubt, auf der Theologie und lerne Feines über Spiritualität und religionspädagogische Psychologie. Nach Jahren streng naturwissenschaftlicher Gehirnwäsche ist so ein neuer Wind großartig.

Doch nicht nur akademisch lerne ich Neues. Auch im Alltag. Denn genau gegenüber der Theologie ist ein Würstlstandl, bei dem ich mittlerweile fast traditionell nach der Vorlesung über Spiritualität eine Käsekrainer mit Bugl und Schlaaz einnehme.
Das Würstlstandl hat alles an Inventar, was so ein Würstlstandl braucht. Eine Besitzerin vom Typ derb-resolut, ein paar Stammgäste, entweder besoffen oder in Pension (und ich muss sagen, in Hinblick auf meine Pension, so ein Würstlstandl zu haben, wo man dich schon kennt, hm......) und einen Poeten. Jeder Würstlstand braucht einen Poeten, der die Kundschaft mit Gedichten, Schüttelreimen und so mancher Lebensweisheit versorgt. Ich hab die letzten Male nicht so hingehört, was er erzählt hat, hab also nur mitgekriegt dass er reimt. Doch dieses Mal hab ich meine Standesdünkel über Bord geworfen, habe aufgepasst und will es euch nicht vorenthalten.
Die Würstlstandlbesitzerin hatte einen soeben verabschiedeten Kunden, fast ein wenig träumerisch, mit den Worten "so ein netter Herr" bedacht, da schenkte ihr der Poet auch schon folgenden Zweizeiler:

"Ach, wie träumerisch sind Frauenherzen,
Hams kane Männer, nehmans die Kerzn."

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"Another visitor... stay a while... stay forever!"

Neue Musik! GRATIS! Jetzt zugreifen!

2006-09-24T14:26:00.001+02:00

Die neue Betty's Apartment EP ist da! 5 Songs, all raw and acoustic, dazu Cover für vorn und hinten, damits auch im Regal Top ausieht.

Hier gleich der Direktlink zum Downloaden. So bin ich zu euch.

Auf www.bettysapartment.at gibts auf der Pinnwand im Vorzimmer noch ein bisschen Info.

Ich wünsche viel Spass und erwarte tonnenweise Rückmeldung!

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Hasselt den Hoff nicht!

2006-08-04T12:16:00.001+02:00

Die ganze Welt soll es erfahren, immerhin ist es das Comeback des Jahres! Die neue Single, das neue Video vom Einen und Einzigen:

David Hasselhoff - "Jump in my car"

Hier wird Paris Hilton mal gezeigt was wirklich billig ist. Mich beschleicht das Gefühl es soll ein bissl selbstironisch sein, aber dafür nimmt sich der gute David dann doch zu ernst. Ihr merkt schon - anschauen, es ist es wert!

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Straight out a trailer

2006-08-01T15:27:00.001+02:00

Auf der Freisaalwiese soll ein Trailerpark entstehen. Aber alles der Reihe nach.
Da Salzburg ein zunehmend beliebter Studienort wird und immer mehr Studenten in die Mozartstadt strömen, müssen Plätze geschaffen werden, um diese Horden von wissbegierigen jungen Menschen unterzubringen. Die Sportstudenten wurden ja schon nach Rif abgeschob…äh..umgesied….ausgelage…wie sagt man da politisch korrekt?, aber trotzdem wird der Platz eng. Die etablierten Studentenheime wollen zwar ausbauen, aber das dauert halt. Im beliebten Egger-Lienz Studentenheim sollen laut Medienberichten 70 neue Betten entstehen, aber dort verzögert sich bereits die Renovierung der Bäder um Monate, sodass an einen Ausbau noch garnicht zu denken ist.
Eine Lösung hat jetzt die Studenteninitiative SoK präsentiert. Sie befürworten einen Trailerpark auf der Freisaalwiese.

Zu Erklärung – Trailer, so werden in Amerika Wohnwägen genannt. Trailerparks sind Gegenden, in denen viele solcher Wohnwägen rumstehen und wo Menschen dauerhaft leben, weil sie sich nicht einmal eine Wohnung leisten können. Diese Menschen werden in den Medien oft als unterprivilegiert bzw. als "white trash" bezeichnet. Kid Rock hat Lieder darüber gesungen.
Soweit soll es natürlich nicht kommen (wer will schon das Kid Rock Lieder über einen singt), wenn es nach SoK geht, aber sie fänden einen Trailerpark eine preiswerte und schnell realisierbare Möglichkeit um die vielen Studenten zu beherbergen. Zwar seien Studenten nicht unterprivilegiert und schon gar nicht "white trash", sie hätten aber großteils sehr wohl Geldsorgen, weil seit der Einführung der Studiengebühren die Eltern das ganze Geld für ebendiese aufbringen müssen und die Studenten mieslsüchtige Jobs machen müssen, um sich über Wasser zu halten. Außerdem sei die Lage optimal, genau in der Mitte zwischen Nawi und Unipark Nonntal, so ein Sprecher von SoK.

Also ich bin dafür. Ein Hippiedorf auf der Freisaalwiese. Da kann Urs Baumann von seinem Bürofester aus sehen, wie die Studenten lieber Bier saufen, in der Sonne liegen, Lagefeuer und Liebe machen, als um 8 Uhr früh in seine Vorlesung zu gehen. Tolle Idee! Nobelpreis!

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Satz des Jahres

2006-08-01T14:38:00.001+02:00

Weil was besseres kommt nicht mehr. Ich wüsste nicht wie:

"Ich bin auf das Geld meiner Eltern nicht angewiesen"
(Paris Hilton im Maxim Interview)

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Rudi Carrell (1934 - 2006)

2006-07-10T10:18:00.001+02:00

Eben noch im Fernsehen, jetzt verschwunden von der Showbühne.

Rudi Carrell ist am Freitag gestorben. Vielleicht wars das neuerliche Screening von Rudi und sein Roboter in Genzels Wohnzimmer. Wahrscheinlich wars aber der Krebs. Zur Erinnerung an unzählige Abende auf Omas Coach in meiner Kindheit:

Und weil Rudi Carrell es allen immer sehr leicht gemacht hat, sich über ihn lustig zu machen, soll hier daran erinnert werden, dass er einer der erfolgreichsten Fernsehunterhalter Deutschlands war und wirklich am laufenden Band erfolgreiche Shows produziert oder zumindest gut adaptiert hat - "Am laufenden Band", "Die Rudi Carrell Show", "Herzblatt" und "7 Tage, 7 Köpfe".

Jahrelang hat er gesungen, dass es mal wieder richtig Sommer werden soll und jetzt wo es soweit ist, kriegt er es nicht mehr mit.
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Festtag!

2006-04-07T12:15:00.001+02:00

Und ich hab ihn fast übersehen. Der Blog hat Geburtstag und ich gratuliere ihm ausgiebigst dazu, ein Jahr durchgehalten zu haben!

Nebenbei gratulieren wir sowieso ohnehin auch dem zweieiigen Zwillingsblog "Wilsons Dachboden" und dem Nachzügler "Obi-Wans Obstgarten". Und möge an diesem Festtag auch die zu früh von uns gegangene "Offenbarung" nicht vergessen werden! Aber Offenbarungen sind eben spärlich gesät. Tinchen Lebensplan muss noch ein wenig auf seinen Jahrestag warten.

Dafür ist der großartige Betty's Apartment Schlagzeuger Roman heute Magister geworden!

HOCH DIE GLÄSER!!
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At the movies - ENRON - THE SMARTEST GUYS IN THE ROOM

2006-03-19T18:24:00.002+01:00

Ein Film über den Öl- und Energiekonzern Enron. Zu seinen besten Zeiten größter in der Branche und siebtgrößter des Landes. Stärkster finanzieller Förderer der Bush Administration, guter Freund der Präsidentenfamilie und seit 2001 bankrott. Das größte Wirtschaftsverbrechen in der amerikanischen Geschichte.
Die Doku erzählt den Aufstieg und Fall des Konzerns und wie er es geschafft hat so lange so erfolgreich zu sein – und was dort abgelaufen ist, passt auf keine Kuhhaut.

Enron schrieb nie schwarze Zahlen, aber die Bücher wurden immer so frisiert, dass die Firma nach außen hin ständig Gewinn machte und ihre Aktie zum Teil um 90% pro Jahr stieg. Nachgefragt hat nie wer, die Börsenanalytiker waren gekauft. Am Anfang ging das alles schön mit Scheinfirmen und illegalen Konten. Dann kam die grandiose Vision eines CEOs, ein Meilenstein der Geschichte des Marktes – das "Mark-to-Market" Prinzip. Angenommen Enron hat eine Idee (z.b. Kraftwerk in Indien bauen). Dann wird geschätzt wieviel diese Idee in den nächsten, sagen wir, 10 Jahren einbringt (z.b. 50 Millionen Dollar). Dann wurde dieser geschätzte Gewinn sofort als echter Gewinn verbucht und an die Executives ausgeschüttet. Dass die Idee nie umgesetzt wurde war zweitrangig. Und als das auch nicht mehr ging, kam man auf die Idee in Kalifornien eine Energiekrise zu erzeugen, in Zuge derer zum Beispiel gewisse Kraftwerke für einige Zeit einfach den Strom abschalteten. Das alles zu erklären würde den Rahmen sprengen, aber der Film leitet uns schlüssig zu der Festsellung hin, dass am Ende des Ganzen Arnold Schwarzenegger deswegen zum Gouverneur gewählt wurde.

Als Enron dann bankrott ging, verloren über 20 000 Menschen innerhalb weniger Tage ihre Arbeit und all ihre Pensionsfonds, weil diese ja in Enron Aktien angelegt waren (dies wurde ihnen vom CEO empfohlen, weil es ja eine starke Aktie war. Er selber hat am Tag drauf seine Aktienanteile im Wert 200 Millionen Dollar abgestoßen). Die Firma hat Leben zerstört und trotzdem hocken die Verantwortlichen bei den Anhörungen und man hat nicht das Gefühl als würden die verstehen, dass sie etwas falsch gemacht haben. Sie wollen auch noch Mitgefühl: "My wife and I are down to our last 20 million dollars".

Der Film ist erschütternd.

At the movies - MÜNCHEN

2006-02-05T11:28:00.001+01:00

"München" ist schwer, aber großartig. Das Thema ist ja auch nicht besonders lustig. Es geht um das Olympiaattentat von 1972, bei dem palästinensische Terroristen die israelischen Sportler während der Olympischen Spiele zuerst gekidnappt und dann getötet haben.
Der Film erzählt die Geschichte danach. Es geht um ein Agententeam das im Auftrag des israelischen Geheimdienstes die Verantwortlichen des Attentats ausspüren und liquidieren soll. Spielberg folgt ihnen fast 2 Jahre lang quer durch Europa und zeigt wie diese Männer langsam abstumpfen, paranoid werden und an der Legitimation und Sinnhaftigkeit dessen zweifeln, was sie da tun.

Natürlich hat sich Spielberg mit dem Film bei vielen Menschen in die Nesseln gesetzt. Dass er einen Film über den Nahost-Konflikt macht und keine Stellung bezieht, verärgert wohl die Leute ebenso wie die Tatsache, dass er ihnen sehr plausible Erklärungen für die verfahrene Lage liefert. Er macht sehr klar, dass der größte Feind des Friedens die Unnachgiebigkeit ist. Erst wenn eine der beiden Seiten aufhört Anschläge aufzurechnen, Vergeltung zu üben und beginnt die Verletzungen hinter sich zu lassen, wird sich in Israel und Palästina etwas ändern. Die letzte Einstellung des Films sagt uns, dass dies nicht nur für den nahen Osten gilt.

Der Film passt außerdem wunderbar in Spielbergs Werk, dem man immer Naivität und Kitsch vorgeworfen hat. Spielberg ist vielleicht all dies, aber er ist in erster Linie Mensch und er glaubt an die Menschlichkeit und all ihre Möglichkeiten. Am deutlichsten wird dies in "A.I.", ein Film für den Spielberg nur Schläge einstecken musste, weil er angeblich die Vision des großen Stanley Kubrick verhundst hat. Doch im letzten Segment des Films feiert Spielberg die Menschlichkeit als höchstes Gut. Es ist alles was dieser kleine Roboterjunge will - Mensch sein, wenn auch nur für einen Tag.
Also zeigt er uns auch in "München" Menschen, die irgendwann Probleme mit ihrem Gewissen kriegen, die ihre Menschlichkeit fast verlieren, weil sie Menschen töten. Auch wenn es legitim scheint. Politisch musste Israel damals mit aller Härte reagieren. Terroristen brechen Gesetze und Menschenrechte, verhalten sich unmenschlich. Doch alle die logische, politische, rationale Legitimation hilft diesen Agenten nichts, sie zweifeln an sich.

Spielberg ist kein kühler Intellektueller wie Kubrick es war und auch kein Zyniker wie Scorcese. Das macht ihn nicht dumm und naiv, denn er erkennt die Zustände ebenso wie die anderen. Aber er begnügt sich nicht damit zu sagen "so ist es halt und so war es immer, der Mensch ist halt eine Bestie", sondern er sieht die Möglichkeiten im Menschsein. Und er hat Recht, wenn er in Zeiten wie diesen, wo Rationalität und Logik nicht mehr greifen, einfach moralische Grenzen einfordert.
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George Best

2005-11-26T10:16:00.001+01:00

ist gestorben.
Ein Manchester United Kicker der 60er Jahre und laut den Briten der beste Fussballer on this planet ever. Und wer einmal so viel Zeit in Englands Popkultur verbracht hat wie ich vor einigen Jahren, an dem geht diese Nachricht nicht spurlos vorüber. FM4 hat ein schönes Porträt über ihn geschrieben, hier zum Lesen.
Und hier Georgie im O-Ton:

"Alle sagen, ich hätte mit sieben Miss Worlds geschlafen. Dabei waren es nur drei."

"Ich habe viel von meinem Geld für Alkohol, Frauen und schnelle Autos ausgegeben. Den Rest habe ich einfach verprasst."

"Ich könnte den anonymen Alkoholikern beitreten. Das Problem dabei ist nur, ich kann nicht anonym bleiben."

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Freiheit, Freiheit

2005-11-11T20:21:00.001+01:00

Neulich fand ich in meinem Postfach im Studentenheim einen Informationsfolder des Freiheitlichen Akademikerverbands Salzburg.

Gleich vorweg, die angeheftete Beitrittserklärung hab ich umgehend verheizt. Manch politisch korrekter Mensch könnte mir jetzt vorhalten, ich hätte diese Vereinigung vorschnell abgeurteilt. Nun, für mich verhält sich das so wie mit kleinen Kindern und elektrischen Zäunen. Ihr wisst schon, wer einmal draufgepinkelt hat braucht keinen Physikunterricht um zu wissen, dass es ein Blödsinn ist.

Aber mal zu den Fakten:

Der freiheitliche Akademikerverband ist nicht an die Partei gebunden, dafür aber gemeinnützig. Und er versucht auf die Partei gedanklich einzuwirken.

Er wurde 1950 in Wien unter maßgeblicher Beteilung von korporierten Persönlichkeiten gegründet. Bis zu 700 Mitglieder haben sie gezählt.

Dazu gehören Akademiker, Künstler und geistig Schaffende. Aus den freiheitlichen, nationalen und liberalen Bereichen der Bevölkerung.

Sie gestehen dem "einzelnen die größtmögliche Freiheit zu; nach humanen Grundsätzen, auf Grundlage einer Gesellschaft, die nach ihren spezifischen Eigenarten gegliedert ist, aufgrund der Gegebenheit unserer Volkszugehörigkeit."

Dann noch: "Die Lage unseres Landes im Grenzbereich der verschiedenen Ordnungssysteme zwingt uns zur Auseinandersetzung mit den Begriffen Volk, Nation, Staat und zu einer klaren Definition."

Definition Volk: durch gleiche Abstammung, Sprache, Kultur, Wirtschaftsformen, Rechtsauffassung und Geschichte verbundene Gemeinschaft. Ist natürlich gewachsen und nicht vom menschlichen Willen geformt.

Definition Nation: gefühlte, bewusste, gewollte Einheit, die ein Volk voraussetzt. "Das "Nationalgefühl" wird durch vorbehaltslose Zustimmung zur Schicksalsgemeinschaft seines Volkes ausgelöst und hängt eng zusammen mit dem Bewusstsein der Eigenart der eigenen Nation gegenüber anderen und dem Willen sie zu bewahren."

Die wichtigsten Aufgaben sind:
"Förderung der individuellen Freiheit des einzelnen im Rahmen von Recht und Moral und das Behaupten gegen zerstörerische Fremdbestimmung und übermäßigen Anpassungszwang."

"Das Selbstverständnis festigen zu unserem deutschen Volks-und Kulturgut."

"Einsetzen einer geistigen und militärischen Landesverteidigung"

"Fortschritt durch Vernunft und nicht durch Klassenkampf"

Über Zukunft haben sie zu sagen:
"Die Demokratie ist zwar die menschenwürdigste, zweifellos aber auch die am stärksten gefährdete Lebensform, bedroht durch gefühlsbetonten Widerstand, durch skrupellose Gruppen- und Parteikämpfe, durch Interessensverbände, Korruption und die Gleichgültigkeit weiter Kreise. Sie steht und fällt mit dem verantwortungsvollen Bürger und Freiheit ohne Verantwortung bedeutet Nihilismus.

Hm.........

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A Cola und a Leberkas

2005-11-11T19:26:00.001+01:00

Der Wiener Woifi (Ambros nämlich) blickt in seinem Singstück "A Gulasch und a Seidl Bier" tief in die kulinarische Seele des authentischen Österreichers und erkennt drei wichtige urösterreichische Mahlzeiten, sowie ihre Wirkung auf Geist und Körper:

Zum Ersten:
A Gulasch und a Seidl Bier
das is ein Lebenselexier bei mir
des taugt ma und wia.

Ein Klassiker, diese Kombination. Tatsächlich sehr lecker.
Vom poetischen Standpunkt her sei noch auf den vorschnellen Reim hingewiesen. "Bier" reimt sich schon auf "Elexier" und dann kommt auch noch "wia". Ein Lyriker, fürwahr.

Zum Zweiten:
A Schmoizbrot und a Viertel Wein
kann oft die letzte Rettung sein für mi,
sunst bin i hin.

Sowieso lecker, owa vielleicht a bissl üwatriem, weu hin wird ma net so schnö. Woascheinlich is des da wödberühmte Weaner Humor, seines Zeichens sehr makaber, net woa!

Und zum Dritten:
A Kracherl und a Burnhaut
Des hot mi oft scho virreghaut aufd Nocht,
wann da Mogn krocht

Also krachen tut mein Magen ja oft, ein sehr bekanntes Gefühl also. Hier schafft der Dichter großes Identifikationspotential mit dem Hörer. Die Mahlzeit selbst.....hm......net so meins. Wohl aber verbreitet.

Warum der an sich so genau Beobachter Woifi ausgerechnet auf die Heldenkombination Leberkas & Cola vergisst, bleibt ein Rätsel. Vielleicht sind ihm die Reime ausgegangen? Dabei wärs so einfach. Hier mein Vorschlag:

A Cola und a Leberkas,
is eigentlich jo a ka Schas
jawoi, na des is klass

Ich bin großer, aber auch bekennender Leberkas Fan. Bei mir ist zum Beispiel die konditionierte Reaktion auf den Reiz "Bier" der Hunger auf Leberkas. Ich fand diesbezüglich in meiner Heimatstadt Linz auch einen stark positiv verstärkenden Umweltfaktor vor, nämlich den "Leberkas Pepi". Ein Unternehmen weit über die Stadt- und Landesgrenzen hinaus bekannt. Erst kürzlich saß ich in einer Jugendherberge in New York an der Upper East Side und unterhielt mich mit zwei Würzburgern. Als ich erwähnt ich käme aus Linz meinte der eine: "Dann kennst du sicher den Leberkas Pepi". Bevor ich noch antworten konnte klinkte sich ein Nativespeaker ein und meinte: "Sure man! Everybody knows the Leberkas Pepi!" Und der kleine Chinese am Herd erklärte: "Ni-sing taija fu Leberkas Pepisan! Danke!" Jo, des is afoch da beste Leberkas, es hüft ois nix.

Die Heldenkombination Leberkas & Cola ist übrigens perfekt, um nach einer durchzechten Nacht seinem Körper etwas Gutes zu tun. Renkt den Magen spitzenmäßig wieder ein. Wirkt sowohl am selbigen Abend als auch am Tag danach.
Aber auch als Mahlzeit untertags ist Leberkas & Cola eine logische Alternative. Nicht zuviel und doch magenfüllend.

Und wo ich grad drüber nachdenke, der Ambros Woifi hat noch was übersehen: A Eitrige mit an Bugl und an Schlaaz. Obwohl, das gönnt man sich dann doch nur an besonderen Tagen.

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At the movies - ELIZABETHTOWN

2005-10-27T08:49:00.001+02:00

Wir alle mögen Cameron Crowe. Weil er ein Guter ist. Einer mit Herz und Hirn. Aber das macht "Elizabethtown" auch nicht besser. Obwohl man ihm gewünscht hätte, dass er wieder einen großen Film zustande bringt.

Wir lernen Drew Baylor (Orlando Bloom) an einem seiner schlechteren Tage kennen. Er hat gerade im Alleingang seine Firma fast in den Konkurs getrieben und dann erreicht ihn auch noch ein Telefonanruf seiner Schwester – sein Vater ist gestorben. Während Schwester ("When you start crying it lasts for days") und Mutter ("She won't stop moving") versuchen die Situation auf ihre Art in den Griff zu bekommen, erhält Drew den Auftrag nach Elizabethtown zu fahren und seinen Vater nach Hause zu bringen. Also macht sich Drew auf zur Familie seines Dads, die es seiner Mutter (Susan Sarandon) nie so ganz verziehen hat, dass sie ihn aus der Provinz nach Kalifornien verschleppt hat ("Although we live in Oregon now"). Doch Drew, der sich im Laufe der Jahre immer mehr von seiner Familie entfernt hat um Karriere zu machen, will diese Pflichtübung eher schnell abhacken, um sich wieder um sein wirkliches Problem kümmern zu können.
Doch wies das Schicksal so will, lernt er im Flugzeug die Flugbegleiterin Claire ("I know, I'm hard to remember, but impossible to forget") kennen, die sich zum einen gleich in ihn verschießt und zum anderen seinen Schmerz und seine Verzweiflung erkennt und es sich zur Aufgabe macht, ihm zu helfen. Kirsten Dunst spielt diese Figur mit so großem Herz und so viel entwaffnender Offenheit und Kraft, dass Claire eher wie eine Metapher auf Das Leben und Die Liebe wirkt, als ein Mensch aus der wirklichen Welt. Erst beim genaueren Hinsehen entpuppt sie sich als vielschichtigere Figur, die einiges an Unsicherheiten, Problemen und verkorksten Beziehungserfahrungen mit sich rumschleppt.

Auch die anderen Figuren sind, zum ersten Mal in einem Cameron Crowe Film, nicht unbedingt in der Wirklichkeit angesiedelt, sondern sollen eher als Symbole und eben Metaphern funktionieren, die es Crowe ermöglichen, ihm wichtige Aussagen zu machen.

Als Drew dann endlich bei seiner Familie in Elizabethtown ankommt, ist der Film schon mehrmals etwas außer Tritt geraten. Und auch dann braucht er ein Weilchen bis er merkt, was das Zentrum seiner Geschichte ist, nämlich die Liebesgeschichte zwischen Drew und Claire.
Es hapert aber auch an anderen Stellen. So sieht man dem Film an, dass er ursprünglich länger gewesen sein muss. Einige Anschlüsse sind etwas holprig.
Das größte Problem ist allerdings ausgerechnet die Hauptfigur. Obs am Schauspieler oder am Drehbuch liegt bin ich mir nicht ganz sicher, jedenfalls wirkt Drew Baylor nicht wirklich wie jemand, dem gerade sein Leben um die Ohren fliegt. Da ist einer, der sich über seine Karriere definiert und alles dafür zurückgestellt hat und der landet einen Riesenflop ("There's a difference between a failure and a fiasco. Mine was a fiasco."). Alles was er kann und ist, geht über Nacht den Bach runter. Dann stirbt auch noch sein Vater. Drew wirkt zwar rat- und planlos, vermittelt aber immer irgendwie das Gefühl, dass es eh wieder besser wird. Jemand der sich für einen Versager hält, sieht anders aus.

Nichtsdestotrotz ist Elizabethtown ein lieber, herzensguter Film und proppenvoll mit wunderbarer Musik und typischen Cameron Crowe Momenten. Von Details wie dem fiktiven Poster zum Traumfestival über das nächtliche Telefongespräch bis zu Drews Roadtrip ist alles da was Crowes Filme so warmherzig macht.

Oft wurde "Elizabethtown" damit kritisiert, es wäre eigentlich die gleiche Geschichte wie "Garden State". Nun, die Parallelen sind da. Ein junger Mann steht an einem Wendepunkt in seinem Leben und bekommt durch die Rückkehr zu seiner Familie (seinen Wurzeln) eine neue Richtung, stark unterstützt von der Liebe, die ihm auf dem Weg begegnet. Doch während es bei "Garden State" um die Abnabelung von zu Hause geht, um Individualisierung und Emanzipation von seinen Eltern (also ums Erwachsenwerden eigentlich), beschreibt "Elizabethtown" die Familie als Auffangbecken, als die Menschen, die sich um einen kümmern, wenn sonst keiner mehr da ist. Weil es eben Familie ist. "Garden State" ist in erster Linie die Reise eines jungen Mannes. "Elizabethtown" eine Ode an die Familie, die Liebe und das Leben. Wunderschön und trotz aller Probleme die der Film hat, dass macht er sehr deutlich. So gesehen ist er dann doch genau das, was er sein will. Obwohls beim nächsten Mal angeraten wäre, kleinere Brötchen zu backen.

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"Another visitor... stay a while... stay forever!"

EINE NEUE ÄRA!

2005-09-14T13:46:00.001+02:00

Es ist soweit.
Ein neues Zeitalter des Musikhörens beginnt.
Die Homepage ist fertig.
Betty's Apartment ist online.

Jedermann checkt aus

www.bettysapartment.at

Schöne schöne Musik für jeden der gern zuhört!

GO! GO! GO!

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The island can give everything you need, but you have to give something to the island!

My big mouth

2005-09-08T15:01:00.001+02:00

Das hier ist zu gut zum übersehen.

Aus einem Interview der SN mit Liam Gallagher vor dem Frequency Auftritt:
SN: Musiker wie Damon Albarn oder Events wie "Live 8" nutzen Pop immer wieder für politische Statements. Wie stehen Sie dazu?
Gallagher: Das interessiert mich überhaupt nicht. Mein Job als Rockstar ist es, Songs zu singen, Drogen zu nehmen, sich zu besaufen und dabei gut auszusehen.

Und das ist aus einem Interview von Fantastic mit Noel Gallagher zum Release von "Standing on the Shoulder of Giants".
Noel wurde gerade nach seiner Familie und Familie im Allgemeinen gefragt. Dass er Kinder nicht aushält hat er zuvor ausführlich erläutert und zu Frauen hat er folgendes zu sagen:
Noel: „ Frauen sind nutzlos. Ich mag sie nicht. Meine Frau ist da auch keine Ausnahme. Welche Frau schaut sich Fußball an? Wieviele Frauen waren auf dem Mount Everest? Das erste Mal, als eine Frau auf den Mond fliegen wollte, ist das Shuttle explodiert. Okay, Frauen können ordentliche Sandwiches machen und noch so ein paar Dinge. Aber das war es dann auch schon."

Keine Sorge, sollte ich mehr solche Perlen finden werde ich sie euch nicht vorenthalten.

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The island can give everything you need, but you have to give something to the island!

Mann mit Mumm im Mund und Wahrheit im Hirn

2005-09-03T19:45:00.001+02:00

orf.at zitiert:

"Hip-Hop-Star Kanye West verurteilte die US-Regierung scharf für ihren Umgang mit der Hurrikan-Katastrophe. "Bush sind die schwarzen Menschen egal", sagte West während einer Benefizveranstaltung zu Gunsten der Opfer am Freitagabend. Er warf den Behörden vor, die Hilfen für die Armen und Schwarzen in New Orleans absichtlich zu verzögern."

"Ich hasse es, wie sie uns in den Medien darstellen", sagte West während eines Live-Auftritts bei einer Spendengala des Fernsehsenders NBC. "Wenn eine schwarze Familie gezeigt wird, heißt es, sie plündert. Wenn man eine weiße Familie sieht, heißt es, sie ist auf der Suche nach Essen."

Übrigens, bei allen Widerholungen dieser Benefizsendung wurde sein Auftritt rausgeschnitten. Land of the free.

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The island can give everything you need, but you have to give something to the island!

They are sleeping while they dream and then they wanna be adored

2005-08-30T17:53:00.001+02:00

Woher das wohl wieder kam....

Also ich bin mit Ryan und Marissa (Ja, die zwei von OC California) backstage bei irgendeiner großen Musikveranstaltung. Ob Festival oder Music Awards oder Top of the Pops, keine Ahnung. Jedenfalls haben wir unseren Spaß mit den ganzen Promis und wollen dann doch was essen. Ich brauch am Salatbuffett wieder etwas länger und als ich mich dann doch endlich zu meinen neuen Freunden setzen will, kommt Noel Gallagher mit seinem Kotlett und setzt sich einfach auf meinen Platz. Ich bin sauer und sag also zu ihm: „Hey, Alter, wieso gibst du mir nicht dein Kotlett, nimmst meinen Salat und erzählst noch was übers "Lyla" Video, dann bist eh gleich wieder weg.“ Er drauf: „Ja, ja klar.“ Und bleibt hocken.
Also setz ich mich neben ihn, wir mampfen und kommen ins Gespräch. Es war der Beginn einer wunderbaren Freundschaft. Als der freßzeltinterne DJ plötzlich nur noch Oasis Nummern auflegt, reden wir nur mehr über seine Songs. Noel ist sehr gesprächig und lustig und nett. Ein sehr sympathischer Kerl. Wir spielen dann das „Wer errät den Song am schnellsten?“ Spiel und ich bin dabei fast besser als seine Noelheit himself. Irgendwann kommt “Gas Panic!“ und ich sag ihm, dass ich den Song total gut finde. Er meint dann, dass er den auch mag, weil er so naiv ist (also der Song). „Warum naiv“, frage ich. „Weil er keinen Durchhänger hat.“ erläutert er. Aha. Dann hat er noch gemeint, dass er eh unlängst auf so einem Festival in Österreich gespielt hat, Frequency oder so, und dass er da den Song gern gespielt hätte, aber dass sich das terminlich nicht ausging. Irgendwas wäre da vorher gewesen, ein Jubiläum oder so, da müsse er jetzt fast seinen Tourmanager fragen. Aber sonst hätte er den Song gern gespielt.

So, dann, draußen ist es finster, drinnen langsam langweilig und Noel, Ryan, Marissa und ich ziehen um die Häuser. Marissa schlägt vor, wir könnten doch zum Haus ihres Granddads gehen und dort in den Pool springen. Machen wir, los geht’s. Noel ist immer noch witzig und wir haben auf dem Weg dorthin endlich Zeit über „Standing on the shoulder of giants“ zu reden. Ich sage ihm, dass ich das Album in letzter Zeit sehr oft höre und obwohl es nicht ihr bestes ist, find ich es sehr interessant, weil es den Zustand der Band von damals so gut widerspiegelt. Noel erklärt mir dann, na ja, sie waren halt viel unterwegs zu der Zeit und haben dann auch noch diese zwei neuen Typen in die Band geholt, aber eigentlich will er jetzt in den Pool.
Wir steigen also über diverse Nachbargärten in den Garten von Marissas Opa ein und Noel zieht sich sofort aus und schwimmt eine Runde. Die anderen beiden gleich hinterher und ich denke mir, wenn die das können, kann ich das auch und bin auch schon drin. Dann aber geht das Licht im 1. Stock an und Au weh! wir haben den Großvater geweckt.

Wir drei kommen grad noch raus, aber Noel erwischt es. Als ich dann wieder beim Pool bin, in halbwegs trockenen Sachen, hat der Opi Noel schon ins Büro geschleppt und stellt ihm Fragen. Noel sitzt, wieder komplett angezogen und völlig trocken, betont lässig im Sessel und erklärt, er sei mit Marissa und ihrem Freund hier eingestiegen.
Dann spielt sich irgendwer mit der Tonspur, weil plötzlich der Opa sagt: „Well, my name is Caleb und ich bin sehr daran interessiert, dass meine Enkelin einen guten Umgang pflegt. What do you do for a living?“ und zückt seine Notizbuch. Noel lacht und antwortet: „Well I’m a glorified rockstar and all.“ Dem Opa ist das wurscht, er lässt ihn aber gehen.
Noel und ich finden Ryan und Marissa und beschließen besser wieder abzuhauen. Die zwei streiten dann noch und Ryan weint, weil ihm Marissa seine Martens nicht nachgetragen hat.

Dann bin ich aufgewacht.
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The island can give everything you need, but you have to give something to the island!

Sicher parken vor Betty's Apartment

2005-08-16T16:42:00.001+02:00

Hipp Hipp Hurra, der Song ist da!
Im FM4 Soundpark befindet sich seit heute der neue Chartbreaker-Smashhit "Parking Lot" von Betty's Apartment. Offizielle Homepage folgt in Kürze.
Sofort Downloaden und Feedback schreiben und dann viel Spass damit!
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The island can give everything you need, but you have to give something to the island!

Heldenpantheon - RICHARD LINKLATER

2005-07-16T18:41:00.001+02:00

Das Größte das er vollbracht hat, und dafür sind wir ihm ewig dankbar, ist „Before Sunrise“. Hätte er den nicht gemacht, aber sonst alles andere was er gemacht hat, wäre ich wohl auch Fan von ihm, aber er wäre wahrscheinlich nicht im Heldenpantheon.

Also, Linklater ist 1960 geboren und mit „Slacker“ bekannt geworden. Das war Anfang der 90er. Weitere starke Sachen von ihm sind „Dazed & Confused“, „School of Rock“ und die Fortsetzung „Before Sunset“ (Mehr als würdig. Endlich hat sich mal einer was gedacht bei einem Sequel).

Aber alles nichts gegen „Before Sunrise“. Ethan Hawke und Julie Delpy watscheln eine Nacht lang durch Wien und reden. Viel Wahres. Dann verlieben sie sich. Wunderschön. Ich verbinde soviele Geschichten mit dem Film, das würde wieder ewig dauern. Aber hey, es gibt diese eine Szene, wo sie über Gott reden und Julie Delpy meint, dass wenn es Gott wirklich gibt, dann ist er nicht in dem einem oder dem anderen Menschen, sondern in dem, was zwischen den Menschen passiert.

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Warum müssen Geschichten immer einen Plot haben?